Los Peores Discos

VAN HALEN - Without you - 1998

2011-10-25T20:18:00.000-03:00

VAN HALEN - Van Halen III

2011-10-21T21:03:00.007-03:00

La agrupación yanqui más rimbombante de todos los tiempos, dueña absoluta de todos los récords de ventas, de permanencia y de... DESTREZA. Semillero de verdaderos acróbatas y temerarios de la pista circense más dinámica y estimulante de las últimas tres décadas. Por eso, hoy no hablaremos de seriedad, ni de sobriedad, sólo de un concepto: la alta pirotecnia, y de un género único: el gym-metal.

Nada de poses malignas, ni de oscuros senderos de algún bosque congelado noruego. Acá, únicamente fitness, energía y carretillas repletas de verdes y frescos dólares. Tantos como para pagar las mejores groupies del mundo, los desmanes en hoteles, y para construir la más grande piscina en forma de guitarra que se haya visto (hay que ver el trampolín que hace de palanca).
¿Quién puede decir que un show de Van Halen no es entretenido? ¿Quién puede dejar su cuerpo quieto al escuchar “Panama” o “Hot for teacher”? ¡Hey! ¡Dije que no! No es el día para hablar de calidad o profundidad. Esto es puro rock bulto a la yanqui, insisto. Y déjenme sentir, por una única vez, pura adrenalina y sensación física. Quiero bailar, quiero saltar, quiero volar por el aire, quiero…

¡Sesudos del rock! Aléjense de esta banda. ¿Qué? ¡Dejá de hablar ya, vos, fan de Radiohead, que no estamos en una biblioteca! Esto es un vestuario donde se preparan para entrenar cuatro superestrellas que van a batir sus propias marcas de salto en alto.
¿Hay algo más excitante que irse de juerga con un playboy como David Lee Roth? ¿Se puede no afirmar que Eddie Van Halen es el David Copperfield del ‘tapping’, que Alex en la batería es un espectáculo aparte, y que Michael Anthony… bueh... es el tipo que desentona por completo, cuya imagen está más emparentada con el sindicato de los matarifes que con una banda de arena-rock? Claro que no es culpa de Anthony. Es que simplemente le tocó estar con tres de los tipos más facheros del rock and roll.

¿Importó acaso que David haya abandonado el equipo en 1985? Otro acróbata más elástico que él ocupó el rol de cantante. ¿Cómo? ¿Que Sammy Hagar es un payaso de circo? ¿Y de qué estamos hablando, boludín?

Los mejores años de la banda los detenta David, pero Sammy se la bancó por mucho tiempo, editando con sus compañeros equilibristas un bodrio tras bodrio que, sin embrago, a la hora de la facturación, resultaban tan efectivos como las aclamadas ‘biblias’ de la era Roth.
Encima, en 1996, Sammy Hagar era echado a patadas del grupo, y el nuevo vocalista-trapecista-malabarista-atrapa balas de cañón (ver la tapa) resultaba ser…

Damas y caballeros… Con ustedes… ¡El hombre sin talento! ¡Gaaaryyy Cheeeroneee!
Si, Gary Cherone, ex-Extreme, tal vez la única banda de metal de la que se tenga memoria que pasó a la historia por haber tenido un único éxito consistente en… ¡una balada acústica! Me refiero a “More than words”, coincidentemente, un lento muy apetecido por los frecuentadores de gimnasios.

Así las cosas, el resultado de este “Van Halen III” fue catastrófico. Un desastre comercial sin precedentes, que hizo que los fans, que habían aborrecido en su momento a Hagar, imploraran por su regreso. Es que Cherone, a pesar de su potente voz, no era aquel de Extreme, sino una burda parodia gritona de sí mismo, no encajando en absoluto en el formato de 'gym-metal'. Y sin un buen domador de leones al frente del grupo, la carpa se desplomó, igual que este álbum para el vómito perpetuo, donde todo el grupo suena como si fuera su propia banda tributo, pero de tercera categoría.

Comenzamos este desguace con la edulcorada intro pianística “Neworld”, sigue “Without you”, que es un mala fotocopia de cualquier canción del álbum “1984”, “One I want” intenta ser buena, pero las letras de Cherone la arruinan, “From afar” es el único tema que funciona como una unidad, “Dirty water dog” fue devastada por Eddie con su caprichosa insistencia de mezclar efectos de cítara en un solo rockero. Con respecto a “Once”, el guitarrista decía que quería componer un tema que fuera igual de bueno que “Red rain”, de Peter Gabriel. Bueno, pues lo logró, copiándola nota por nota. “Fire in the hole” contenía todos los ingredientes para ser una buena canción de rock, pero fue inutilizada por una pésima producción. “Josephina” apesta a mediocridad, “Year to the day” es la parte 2 de “Feelin’”, del álbum “Balance”. “Primary” es otra intro donde se vuelve a abusar de las cítaras truchas, “Ballot or the bullet” quedó arruinada por las letras de Cherone, y “How many say I” no es sólo la peor canción de Van Halen, sino la peor canción jamás compuesta por banda alguna.

Este fue el último álbum grabado hasta la fecha por el grupo. Un final indigno, pero... no todo está perdido. ¡David Lee está de regreso! Y Wolfgang Van Halen, el hijo de Eddie, de 17 años, es el nuevo bajista. ¿Estaremos salvados?
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En síntesis: A falta de animales en los circos modernos, buenos son los acróbatas. A falta de buenos discos en la carrera de Van Halen, buenos son los libros.
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"Without you" es lo que elegí,
cuyo video nos mata de frío.
Gary Cherone suena baladí
y nos hace el cuento del tío.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "OU812" (1988) ó "Balance" (1995).
ANTIDOTO: "Van Halen" (1978).

THE OFFSPRING - Splinter

2011-04-20T22:40:00.019-03:00

Para cualquier fan de la otrora estimulante banda de punk alternativo de Orange County, California, que disfrutó con “Ignition” y “Smash”, que asimiló el cambio de “Ixnay on the hombre” y “Americana”, y que hizo de tripas corazón la escucha del álbum “Conspiracy of one”, éste disco representa el mejor motivo para pasarse a las filas de Blink 182, mal que le pese, pues las canciones de “Splinter” son tan detestables que nobleza obliga a pensar que estos “chicos”, ya bastante maduros, compusieron el material aquí obrante bajo presiones de su nuevo sello. De momento, la nobleza me la guardo en el bolsillo, y reencauso mi opinión a creer que realmente se les acabó el talento de manera definitiva, y que lo del sello bien podría ser una simple excusa para vomitar una obra sin la más mínima redención. Este disco es una vergüenza. Transmite peligrosas bacterias de comodidad, de jubilación anunciada, de paquete accionario de MTV, de falta total de fuerza y destreza, de excremento de zarigüeya descompuesta, de leche de cabra raquítica, y de divorcio inmediato de los valores más elementales de ese malogrado y vilipendiado género intitulado punk rock.

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Francamente, me cae muy mal escuchar a cuatro tipos que promedian los cuarenta cantar canciones acerca de resacas (“The worst hangover”). ¡Dejen eso para las bandas nuevas, que al menos las padecen en serio y nos podrían contar anécdotas un poco más originales que ustedes! Lo mismo ocurre con estupideces como “Da hui”, donde Dexter Holland, sobre una repetición incesante de riffs mogólicos, a cargo de Noodles, cita 25 veces la palabrita ‘fuck’, ganándose de ese modo la leyenda ‘Parental Advisory’ en la tapa, y sumando un puntito más en la estrategia lucrativa de aparentar ser aún hoy una banda cruda y desobediente.
Los singles destacados del álbum fueron el exitoso “Hit that” (un calco intencional de “Original prankster”) y "(Cant get my) Head around you”, que, en cambio, fue un fiasco comercial. Todo lo demás es la grasa que se le corta al churrasco más delgado de la peor crisis de desabastecimiento. Josh Freese fue el baterista que reemplazó a Ron Welty en este disco, pero yo pienso que se tendría que haber reemplazado a la banda entera, pues, quienes quieran que hubiesen ocupado sus puestos, no habrían podido realizar un álbum más decepcionante y menos atractivo que “Splinter”. No faltarán las voces que clamen que la culpa de todo la tiene Freese. Los seguidores más acérrimos suelen hacer esas cosas, ¡y yo me desayuno con gente así!

Con justa razón, al desastre creativo y de ventas de “Splinter”, le siguieron cinco años de sequía discográfica, hasta el siguiente fiasco “Rise and fall, rage and grace”. Todos pensábamos que éste contendría la canción "Pass me by", que fue eliminada de “Splinter” por ser considerada demasiado heavy para el estilo del álbum, pero se ve que se retractaron a tiempo. Y está todo dicho… ¿Qué queda entonces para destacar de esta porquería destinada a la indiferencia? ¿La tapa? No, porque The Offspring podría habérsela cedido a Dream Theatre, quienes seguro hubieran hecho algo más digno que esta abominación. Yo creo que el ‘Parental Advisory’ que figura en la tapa, en lugar de referirse a las imbéciles letras que pueblan este disco, debería alertar de los peligros que resultan de la audición del mismo, ya que esto puede traer terribles e inevitables deseos de:
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• Vaciarle un cargador de Magnum 357 en la nuca a Cristian U, de Gran Hermano.
• Atar el pelo de Viviana Canosa al paragolpe de un Chevrolet 1947 y arrastrar su cuerpo unos 600 metros.
• Vaciar 26 bidones de ácido sulfúrico en el único manantial de agua potable que posea una tribu de sedientos habitantes de Etiopía.
• Gastar todos tus ahorros en una campaña de regreso del Dr. Fernando de la Rúa.
• Pasar toda una noche con Luis Majul hablando de los peligros del éxtasis.
• Apretar a un canario con una morsa y obligarlo a revelar la ubicación de un tesoro escondido.
• Escuchar un mp3 completo de los españoles Mägo de Oz, con sus bonus.
• Hacerse atar con una soga gruesa y mirar un extenso compilado de Jenna Jameson, sin la menor posibilidad de tocarse.
• Formatearle el disco rígido a tu chica/o sin haber salvado nada previamente.
• Rociar con nafta común cada uno de los árboles del Parque Nacional “Los Alerces” y hacer un asado al pie de uno de ellos.
• Pasearse por Villa Crespo con una remera de Hitler y la leyenda “Yo lo votaría”.
• Dejar a una mujer sin piernas toda una noche encerrada en una zapatería fina.
• Aprovecharse de algún usuario de Facebook que haya dejado su sesión abierta en un cyber, para insultar en nombre suyo a todos sus amigos.
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Síntesis: Por todo lo expuesto, está en la conciencia de cada uno la posesión y escucha de “Splinter”. Quedan ustedes notificados.
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A continuación, un video casero de "Da hui". ¿Algo para acotar? Ah, sí... Fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck, fuck y fuck. ¿Conté bien? Sí, son 25. Ahora, a otra cosa, surfer rosa.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Conspiracy of one" (2000) ó "Rise and fall, rage and grace" (2008).

ANTIDOTO: "Smash" (1994).

COLDPLAY - X&Y

2010-12-02T12:08:00.014-03:00

En 2005, Coldplay era un amable grupo de guitarras y piano -a lo Travis- que venía de editar dos obras iniciales meritorias en las que interpretaba encantadoras canciones no aptas para diabéticos.

Todos se frotaban las manos pensando en un compilado suyo que incluyera hits como “The scientist”, “Yellow” o “Don’t panic”, y así ahorrarse el descarado relleno que abunda en “Parachutes” y “A rush of blood to the head”, discos que no me transmiten nada, fríos e impostados, pero con evidentes aciertos mercadotécnicos.

Para el tercer intento, Chris Martin, muy convencido de sus cualidades de inagotable compositor, e intentando ir más allá de sus edulcorados singles que todavía cautivan a amas de casa, ejecutivos y adolescentes con acné, sacó del closet “X&Y”, un disco que ya sonaba acartonado y paquidérmico antes de su edición. Con nada nuevo que decir y no contando siquiera con las 3 o 4 canciones de turno que apuntalaban sus primeros trabajos, los muchachos se dedicaron a llenarlo de sobreproducción para que los eternos insípidos complacientes dijeran: “Guau… Esto es una obra maestra”.

“Square one” abre el disco grandilocuentemente, lo cual me hace descender la presión arterial a 8/5. La canción es un dechado de lugares comunes a granel, unos aaahs por aquí, unos ooohs por allá, siempre calcando a U2, pero sonando como el peor Bon Jovi.
”What if” es una balada estéril, atiborrada del omnipresente piano, que siempre presagia que va a pasar algo, que va a surgir algún estribillo de la galera, mas nada de eso sucede, porque en el camarín de Coldplay no hay galeras, ni ninguno de ellos es mago. “White shadows” nos despierta tras el desatino anterior, consiguiendo, con su sonido ‘bigger than life’, salvar de la mezquindad el inicio del álbum. De momento, lo más rescatable de “X&Y”. Un correcto tema que debería durar 3 minutos pero que se estira al doble. El último segmento, al estilo litúrgico, me da ganas de quemar iglesias, a lo Varg Vikernes.
“Fix you” es una vulgar y prefabricada balada onanista que, una vez más, intenta conmover con el falsetto, pero que nunca se eleva por encima del medio pelo, con uno de los estribillos más bochornosos que recuerde. A su lado, “Say you, say me” es una obra maestra. Teñida de gigantismo por todos lados, esta tonada, de escasos 2 minutos, parece durar 20, con un crescendo épico que nos anuncia, cual paquete promocional, que esta es LA canción del disco, pero que queda mejor como jingle de medicina prepaga.
En “Talk” no hay nada más que el fraseo de “Computer love”, que alquilaron a Kraftwerk. Sin embargo, esta versión es bastante menos fósil que la que circulaba en la net, lo cual es un cumplido, teniendo en cuenta que Coldplay es un grupo ideal para dormir lobos hambrientos.
“X&Y” es otra baladita de 5 minutos que hace que las peores canciones de Keane parezcan de Julian Cope. Me cuesta imaginar que alguien la escuche regularmente, pues los oídos supuran con tanta puerilidad marca Robbie Williams.
“Speed of sound” no sólo está basada en un tema de Kate Bush, sino que es un autoplagio de “Clocks”, de su CD anterior, irradiado hasta la náusea en supermercados, funerarias, buses de larga distancia y hasta en el lavadero de mi concuñada, por lo que pagaría por no volver a escucharla. Eso sí, en un disco como éste parece inapreciable.
“A message” intenta recuperar el espíritu de la banda, no obstante, al tratarse de otra baladita insufrible (y van… ¿cuántas?), no cuaja ni en Radio Disney. Cinco minutos más de oprobio que desembocan de nuevo en el formato acústico. ¡Vamos, Martin, todavía!
“Low” empieza más festiva, con estrofas ampulosas e intención de trascendencia, dando la sensación de que quizás esta vez sí ocurra algo. Falsa alarma, y “Low”, pese a la interpretación de Brian Eno, sigue los pasos de sus hermanas (Reconozco que ya se me hace muy difícil seguir escuchando este protervo pastiche. Debería comentarlo en tres o cuatro posteos, para evitar el retorcijón perenne.).
“The hardest part” es la única canción del disco que se podría tararear en un andamio. Un balón de oxígeno que me anima a seguir adelante con determinación. Dura un poquito más de lo que debería, pero a estas alturas tampoco hay que pedir milagros.
“Swallowed in the sea”, “Twisted logic” y el track oculto “+” (alias “Til kingdom come”) son los últimas tres composiciones sin sentido, sin gracia y sin melodía que contiene esta obra con Alzheimer creativo. Catalogarlas de relleno sería un despropósito, ya que todo el nocivo “X&Y” lo es.
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Síntesis: Este disco es más falso que billete de 8 dólares y menos sabroso que suflé de vaselina, dura la friolera de una hora y no contiene una sola canción notable. Por tal, pregunto: ¿alguien -exceptuando propietarios de casas de fin de semana con ropa elegante sport- puede seguir escuchando esto hoy en día?

Para apuntar: La Argentina es el país con más usuarios de pantalones pinzados por km² del mundo.

"Could it be worse?", se pregunta Chris Martin en esta versión con letra de "Fix you". Claro que podría ser peor, mister Autofotocopia. Basta con escuchar tus siguientes discos para aseverarlo con toda seguridad.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Viva la vida or Death and all his friends" (2008) ó "Leftrightleftrightleft" (2009).

ANTIDOTO: "Parachutes" (2000) y el compilado más cercano a tu domicilio.

JETHRO TULL - Under wraps

2010-09-11T21:32:00.012-03:00

¿Cuántos Aries se necesitan para cambiar este disco?
R: Sólo uno, pero se requerirán muchas horas extra de grabación. Como los Aries son tan bestias, todo lo hacen puré.

¿Cuántos Tauro hacen falta para cambiar el mismo disco?
R: Ninguno. A los Tauro no les gusta cambiar nada y sus actividades favoritas son comer y descansar.

¿Cuántos Géminis se necesitan para que cambie el disco?
R: Dos, claro. Van a tardar hasta fin de año, pero cuando terminen, el maldito disco va a servir como frisbee, va a cortar metal, va a tener una función social y hasta sonará como a ellos se les cante.

¿Cuántos Cáncer se necesitan para cambiar este disco?
R: Sólo uno, pero éste tendrá que pasar tres años en terapia para sobrellevar la terrible pérdida por la desaparición de la versión original.

¿Cuántos Leo se precisan para cambiar el disco?
R: “¿Qué? ¿Estás loco? Un Leo no cambia discos”. Buscará el sonido de álbumes consagrados que logren ambientar su presencia en el escenario mientras sus fans lo aclaman.

¿Cuántos Virgo se necesitan para cambiar este triste disco?
R: Veamos... Uno para escucharlo, otro para tomar nota de cuándo se arruinó la propuesta inicial y la fecha en que fue grabado, otro más para preparar con mucha pulcritud la nueva sesión, y diez más para remodelar el estudio donde se remasterizará, por todas las imperfecciones que se oyen.

¿Cuántos Libra se requieren para cambiar el mismo disco?
R: “Bueno... En realidad no sé, pienso que primero deberíamos ver si de verdad está tan mal. Tal vez sólo uno, si fuera un álbum corto... O dos, si el técnico no tiene química con el artista, o tres, si...” ¡Decisión, Libra!

¿Cuántos Escorpio son necesarios para cambiar el disco?
R: “¿Por qué querés saberlo? ¿Sos policía vos? ¿Y yo qué hice? ¿Y por qué lo tengo que cambiar? ¿Qué tenés en mi contra? Está bien, lo voy a hacer. Total, mi opinión no cuenta. Pero no importa, igual yo te quiero mucho”… etc. etc. (Y te va a manipular y a hacer sentir tan culpable que terminarás grabándolo vos.)

¿Cuántos Sagitario se necesitan para cambiarlo?
R: “Existe un orden universal, el sol brilla, la vida es un misterio… Aún no sabemos qué fue primero, si el huevo o la gallina... ¿Y vos te preocupas por cambiar un simple disco?”

¿Cuántos Capricornio se necesitan para cambiar el maldito disco?
R: Ninguno. Los Capricornio no cambian discos, a menos que sea un buen negocio.

¿Cuántos Acuario se requieren para cambiar este disco?
R: Van a aparecer cientos de acuarios, todos compitiendo para ver quién será… ¡el único en lograr la buena música en este mundo!

¿Cuántos Piscis se necesitan para cambiar el mismo disco?
R: “¿Cómo? ¿Qué el disco no es bueno? No me di cuenta. Con razón estaba distraído. No, no tengo por qué aterrizar, si estoy bien así. ¿Y se puede saber de qué disco me hablás?

Acá no hay cambio posible, pues nada podrá enmendar este paradigma del improperio cultural que cometió la banda insignia del más sobreproducido rock progresivo.
Una sola cosa les pido, amigos. Sean del signo zodiacal que les haya tocado en suerte, por todos los astros que nos rigen, por el respeto que nos profesamos, por el sol que nos ilumina, por sus seres queridos, por la vida misma, y por lo que más aprecian: NO SE ACERQUEN A MENOS DE 17 KM. DE ESTA PAPARRUCHADA.

En la historia de la música existen álbumes malos, existen álbumes pésimos, y también existe “Under wraps”. Esta obra tiene menos valor que la salmuera que conserva el último picle del frasco. Por otra parte, no alcanzarán las lágrimas de 1000 penitentes para redimir este infortunio, ya que, mediante este descalabro, la pierna antes erguida de Ian Anderson fue amputada sin anestesia, la buena flauta se convirtió en termómetro rectal, el folk y el blues desaparecieron en un pozo ciego insondable, y las guitarras fueron donadas a Cáritas.
Todo para dar cabida a una vil añagaza de baterías electrónicas utilizadas de la manera más timorata, sin olvidarnos de la exorbitante maraña de sintetizadores que rige en este monumento al disgusto ochentista, el peor álbum de Jethro Tull, y que dio lugar a que Anderson se dedicara de lleno a la cría de salmones.

No siempre la actualización es sinónimo de evolución, sobre todo si se mezcla synth-pop con anacrónicas muecas sinfónicas. Creo que hay artistas que, con tal de verse rejuvenecidos, pueden hacer más el ridículo que Horangel moderando una convención de otakus.

Ya puede Pendragon interpretar su mejor ska, ya puede Marillion componer su definitiva balada en italiano, y ya puede IQ arreglar su más ilustre bachata, que lejos estarán de empatar en absurdo esta pérfida muestra de la electrónica más desacertada que se haya visto en nuestra galaxia.
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Horóscopo final: AMOR: Con este disco no conseguirán pareja. SALUD: Esta obra los volverá impotentes. TRABAJO: No hay puesto disponible para los que aman este álbum. DINERO: Sólo el que obtengan por la devolución de “Under wraps”. ¡Suerte!

"Tengo vergüenza de mi boca triste,
de mi voz rota y mis rodillas rudas;
ahora que me miraste y que viniste,
me encontré pobre y me palpé desnuda."
(Gabriela Mistral)

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Rock Island" (1989) ó "J-Tull dot com" (1999).
ANTIDOTO: "Thick as a brick" (1972).

LED ZEPPELIN - In through the out door

2010-08-10T14:30:00.004-03:00

Estimados miembros de Led Zeppelin:

Habéis recorrido un largo camino, amigos, desde “Good times bad times” hasta “I’m gonna crawl”. Un camino lleno de hazañas, de experimentación, de poder sin igual, de un sonido estremecedor, de conciertos extensos y magistrales, de unas canciones acústicas munidas de una belleza muy raras veces vista, de un coqueteo brillante entre el blues, el hard-rock, el country y la impronta oriental.

Oh, sí, me habéis hecho vibrar como pocas otras bandas lo han hecho. Y tuvisteis la dignidad de separaros luego de la muerte inesperada de vuestro compañero de ruta ‘Bonzo’, a quien no hubo manera de reemplazar.

Gozasteis de momentos de gloria, el pináculo de la fama, los excesos, las ventas multimillonarias, y hasta os disteis el lujo de publicar una obra maestra que no contenía ni siquiera vuestro nombre en la tapa. Jugasteis con mis sensaciones y alucinaciones, me embrujasteis y me emocionasteis hasta el fanatismo. Por todo eso, os estaré agradecido mientras viva.

Sólo que pudisteis haberlo echado todo a perder con aquella vuestra última pincelada nefasta, el “In through the out door”, que me decepcionó terriblemente, mas igual dejasteis ileso vuestro prestigio. Es que os veíais tan cansados, viejos y grotescos en él, que por un momento -allá por 1979-, pensé que me habíais traicionado. Y yo creí no tener retorno en mi sentimiento, algo agravado con vuestra siguiente obra póstuma “Coda” (a la que rebauticé “Joda”), que terminó con mi devoción ciega hacia vosotros. Pero no os preocupéis. No indagaré en ese compilado, pues me he prometido no incluir recopilaciones ni discos en vivo en esta columna.

¿Qué sucedió con el instrumento rector de vuestra música? Me refiero a la guitarra, claro. En “In through the out door” lo que más preponderan son los pianos y sintetizadores. Sé que lo hicisteis con intención de experimentar hacia otras fronteras, pero, a diferencia de “Houses of the holy”, en que las excentricidades dieron su fruto, aquí rozasteis el ridículo.

Para empezar, “In the evening”, es un rock cansado y aburrido, donde la voz de Robert suena como una vieja madama de burdel. Los sintetizadores envuelven la composición en un anacronismo desesperante. Salva vuestra guitarra, oh, gran Jimmy, la que podríais haber puesto bastante más en este disco. En general, da la impresión como que estuvisteis a varias yardas de distancia del estudio.

“South bound Suarez” es un tema shuffle-boogie que entretiene, con buena guitarra, potente batería y buena voz, siendo uno de los pocos aciertos de este trabajo. Luego viene la fantochada de “Fool in the rain”, que no creo que a ningún fan de 'Zepp' que se precie, le pueda agradar esta extravagancia, donde la fatalidad general desemboca en un interminable calipso para el sarpullido. ¡Por Dios, Robert! ¡Parad ya de cantar, por las barbas de mi abuela! En esa canción lo hacéis todo el tiempo, tonta y descafeinadamente.

“Hot dog” es una tonada country pseudo rockabilly tonta, banal, mojigata, pudibunda, gazmoña y trivial, que, de seguro, os habrá hecho soltar el trapo, mas no a mí. Impropia de vosotros. Incluso oírla en vivo es sencillamente horripilante. ¡Sabedlo!

Arranca el lado B del otrora vinilo con “Carouselambra”, vuestra pretenciosa suite prog-disco, pletórica de secciones desorganizadas, con teclados inconducentes que insultan mi inteligencia. No incluyo los interludios, cuyas guitarras son algo más imaginativas que un comercial de tampones, pero la voz de Robert vuelve a cansar hasta el fastidio, por su parsimonia y desmesura. El tema es excesivo, inconsistente y ¡larguísmo!. Tal vez, con algunos minutos menos y sin ese final funky inapropiado… Tal vez… Pero son sólo teorías. No me hagáis caso. Al fin y al cabo, ya nada puede hacerse al respecto.

Para la balada archi comercial romántica “All my love”, no tengo más remedio que consultar a los programadores de alguna FM tipo Aspen acerca del porqué los colma tanto de satisfacción. ¿Led Zeppelín: melodías para ejecutivos enamorados? Pues esta cursilería da en el clavo.

Mr. John Paul Jones: vuestro solo hacia el final de esta canción es digno de Richard Clayderman. ¡Mi señor! ¿En qué estabais pensando?

Y llega la joya necesaria para salvar a este fatídico álbum del bochorno. Un número potente, profundo, si bien lento, como es “I’m gonna crawl”, pone las cosas en su justa medida: la de una buena canción. Todo lo demás no sirve, mis estimados caballeros, ya que nadie, en su sano juicio, recomendaría este disco a cualquiera que se inicie en vuestra música. ¡Nadie!

Qué adecuado single habría creado yo a partir del desguace de este mal disco, en el supuesto caso de que vosotros me hubieseis dejado decidir el listing, a saber: Lado A: South bound Suarez. Lado B: I'm gonna crawl.

Con el resto podríais hacer buen abono para vuestros exóticos jardines.

Mis adorados héroes: Vuestro "zeppelín de plomo" -como alguna vez os bautizara Keith Moon-, se ha convertido en uno de plumas.

Sin embargo, os deseo bienaventuranzas eternas. Larga vida a vuestro legado. Vosotros fuisteis iluminados, amén de una de las diez bandas más gloriosas de la historia. Pero jamás olvidéis que este álbum es la excepción que confirma la regla.

Con afecto y devoción.

Vuestro Mecko

En los buenos tiempos, tenian la fiereza de un samurai,

pero en "All my love", tienen la fuerza de Air Supply.

Vamos, amigo, anímate, no seas bodoque,

cántale a tu novia esta versión karaoke.

OTRO EJEMPLAR DEL MISMO TENOR: "Coda" (1982).
ANTIDOTO: "Led Zeppelin" (a.k.a. "IV") (1971).

HOLE - Nobody's daughter

2010-04-11T12:30:00.010-03:00

Mi eterna y amada Mirna:

Aún puedo recordar tu rostro rubicundo y el contorno de tu cabellera azabache contrastando con los rayos del tenue sol del atardecer. Esas dichosas horas que pasábamos en aquella colina eternamente verde, oyendo las vergonzantes melodías que emanaban de nuestro estéreo portátil. Y aquellos graciosos comentarios recurrentes tuyos que acompañaban esas canciones repetitivas, que yo festejaba siempre con renovado deleite, mientras te acariciaba un hombro.
Me viene a la memoria la vez que me confiaste que odiabas las barbas tipo candado, mientras escuchábamos a Mudhoney. ¿Recuerdas que llevábamos de excursión los peores álbumes de grunge, sólo para reírnos de ellos durante horas? Nos mofábamos señalando que no le dábamos mucha vida al estilo, que David Geffen y la MTV se lo comerían crudo, del disco “Big top Halloween”, de Afghan Whigs, de “Full size boy”, de Bivouac, de “Freak show”, de Silverchair, y, en general, de toda la obra proveniente de esa pandilla de leñadores clase-B de la costa noroeste norteamericana, que se deprimían en su hastío de pueblerinos, repletos hasta la médula de speed barato y mala mezcla de glam-rock y post-punk. En cierta oportunidad, casi perdimos el sentido cuando escuchamos a Candlebox y Fecal Matter. Nos moríamos de risa, mi cielo, aunque hoy esa expresión suene aterradora y falta total de sentido.
Claro... Sobre todo nos desternillábamos con Hole, y sin tapujos, de la “viuda del grunge”, la reina de ese soso género llamado “riot grrrl”, la oportunista y mediocre cazafortunas de Courtney Love. Eran los primeros noventas, ¿te acuerdas? La época en que ella destruía a Nirvana y…

Ah, ¿pero qué habría dado yo a cambio de que ese tiempo pudiese permanecer eterno? ¿Quién no querría entregarlo todo para volver aunque más no sea por escasos minutos a aquel período de total regocijo? Sin embargo, hoy, a casi dos décadas de aquellos apacibles e inalcanzables momentos, me encuentro aquí, en este decrépito cementerio, contemplando melancólico tu impasible sepulcro, rogando al Cielo que vuelvas ahora mismo a contarme por enésima vez cuánto te enfurecía esa gente que escribe sus mochilas negras con Liquid-Paper.

Te fuiste hace una semana, luego de tantos años de felicidad que se me hicieron tan exiguos, y aún no salgo de mi asombro. Fue en nuestro departamento donde sucedió lo impensado. Yo te recalcaba en todo momento que éramos personas maduras y que “ya no estábamos para esos trotes”. No puedo entender por qué razón te empecinaste en conseguir -vía Soulseek- los temas aún inéditos del nuevo disco de Hole. ¿Hacía falta? ¿Todo por querer revivir los tiempos de carcajada continua que vivimos en aquella colina? Sí, está bien que Courtney no había editado un disco de Hole en doce años y que te morías por saber de qué se trataba. ¿“Morías”, dije? Claro, ¡y vaya si lo hiciste!, pues literalmente te moriste de risa, cariño.

Ya de entrada sonreíste al ver que “Nobody’s daughter” reproducía las imágenes de las reinas decapitadas María Antonieta y Ana Bolena, reafirmando el costado sangriento de la ex-diva, a quien se le atribuye haber tenido algo que ver con el trágico final de Kurt Cobain. “¿La decapitará la crítica?”, bromeabas.
Y escupiste el vino antes de una fuerte risotada cuando leíste que Billy Corgan y Linda Perry (productora de Kelly Osbourne) estaban involucrados en la fabricación de esta estafa repleta de estudiada distorsión.
Pero luego, con el transcurrir de canciones jocosas con títulos tan ridículos como “Skinny little bitch”, “Someone else’s bed”, “Never go hungry” y “How dirty girls get clean” (¿son autobiográficas?), te fuiste sofocando, incapaz de detener tu jolgorio. Es que esos temas, llenos de falsa insolencia y repletos de dinero fácil, no convencían a nadie.
“Si Courtney hubiese editado esta broma como solista, vaya y pase, pero haberle puesto la etiqueta de Hole es demasiado grotesco”, clamabas, cada vez más lívida, por la falta de aire.
Casi terminando el disco, y luego de tanto frenesí, alcanzaste el paroxismo, viéndote como una poseída, y entonces fue demasiado tarde: perdiste el equilibrio y caíste fulminada a la alfombra.

Un rictus sardónico quedó impreso en tu rostro y así quise que te velaran, pese a que tus padres me fulminaron con su mirada de desaprobación, pretendiendo componer tus facciones para el cierre del ataúd.
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Epitafio: Adiós, vida mía. Sí, ríete por toda la Eternidad, pues yo no volveré a hacerlo.
Juro que cuando vuelva a formar pareja, lo haré con alguien que no se mofe de la música. No podría soportar de nuevo lo que ocurrió contigo. Y créeme que empezaré a escuchar cosas mucho más serias. Al respecto, alguien me sugirió el último álbum de Alice In Chains, aunque otro me alertó que con eso me reuniría contigo en menos de lo que cante un gallo.

Mientras tanto, en algún lugar de Los Angeles, Courtney Love se ríe de esta carta. (Se ríe con ganas.)

Los adolescentes ya crecieron y los viejos seguidores de Hole ya están muertos o agonizando. Entonces ¿a quiénes se les podría vender esto?

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: no hay.
ANTIDOTO: "Live through this" (1994).

SID VICIOUS - Sid sings

2010-03-18T17:54:00.007-03:00

Voy a iniciar esta temporada evocando a Gary, el chico genio de Filadelfia, que quería tener muchos amigos, pero que, debido a su gran inteligencia, terminaba siempre ahuyentándolos. Ya a los 14 años, Gary era un prodigio informático, solucionando problemas de low-level programming, mientras escuchaba a Matching Mole, György Ligeti y Anekdoten. Sin embargo, sabía que mientras las corporaciones lo perseguían con afán, su número de amigos nunca pasaba de cero.
Cierto día, su desesperante soledad lo llevó a querer reducirse la capacidad intelectual a fin de lograr algo de aceptación. A partir de allí, se sometió a diversas neurocirugías que le fueron quitando masa encefálica hasta hacer peligrar su raciocinio más básico, no obstante, la admisión en su grupo de pertenencia iba en aumento, pese a que su otrora exquisito gusto musical se había deteriorado hasta llegar a niveles infrahumanos.
El oído de Gary pasó por varios estilos, que descendían en categoría conforme se iba descerebrando. Así, atravesó momentos de indie, hard-rock, pop, reggae y power metal, sin omitir profundos acercamientos al reggaetón y la movida latina, ya en su total decadencia pensante.
Completamente vacío, se mudó a las montañas de Carolina del Norte, compró una escopeta, un sombrero de paja, un jean enterizo y comenzó a desperdiciar su tiempo mordisqueando pastos y disparándoles a las incautas perdices que atravesaban el condado. La vez que liquidó al caballo del gobernador, fue llevado a un manicomio, y es allí donde reside en la actualidad.

Gary: - Sí, ya sé que ahora soy un verdadero imbécil, pero no me importa. Tengo 6.343 amigos en Facebook, donde además poseo mi granja virtual. Perdí mi capacidad para discernir lo sublime de lo pésimo, pero ya no estoy más solo. Soy feliz, aunque lo único que pueda entender sea “Sid stinks”. (?)

“Sid sings” es el más importante álbum emanado del intérprete con menos IQ de la historia de la música. Pero veamos por qué fue de la preferencia final de nuestro Gary.
En este disco atroz, casi un bootleg, se oyen, con un sonido deplorable, varios covers irrespetuosos e inmaduros, destacándose “I wanna be your dog” (Stooges), “Stepping stone” (Monkees), “Chinese rocks” (Heartbreakers) y “Something else” (Eddie Cochrane), además de una versión muy amateur (aunque simpática) de “My way”, que está puesta aquí como un cuadrado dentro de un triángulo.
El artista no sólo hace el ridículo constantemente, sino que irrita con su actitud deleznable, mucho más que en Sex Pistols, banda a la que Sid no debió haber ingresado jamás, siendo que dejó un único disco oficial de intachable factura: “Never mind the bollocks”, obra fundamental del punk-rock, pero que debió conservar al sensato Glen Matlock, autor de varios de sus tracks, un factor que podría haber asegurado la continuidad del grupo.
Vicious le canta a un puñado de catatónicos en plena festichola, con una voz desconcertante, secundado por un grupo de apoyo que podría haber sido financiado por Matlock, en venganza por su injusto despido del combo londinense (No quedaba muy punk que éste dijera que amaba a los Beatles.). ¡Bien que lo fueron a buscar, 19 años más tarde, para el infame “Filthy Lucre Tour”!

Si Simon John Ritchie (alias ‘Sid Vicious’), hombre de minúsculo talento, cuya máxima influencia instrumental bien pudo haber sido Stu Sutcliffe, no fue una leyenda musical, sino únicamente un icono fortuito de su generación (además de un completo inútil, masoquista, cobarde, ladrón de jubilados, traficante, adicto incurable e imprevisto asesino), ¿qué sentido tuvo la edición de “Sid sings”, más allá de documentar una patología? Un descalabro que no aporta nada, salvo alimentar con mucho morbo un mito absurdo en sujetos semi-fronterizos, por parte de un triste MAMARRACHO, cuyo único mérito fue tener algo de carisma.

"Sid tocaba tan mal que teníamos que poner a uno de los roadies detrás de los altavoces para que tocara su parte de bajo", aseguraba Malcolm McLaren (su titiritero) en una entrevista con el Evening Star. En otro reportaje, Lemmy Kilmister declaraba que “intentar enseñar tocar el bajo a Sid fue una de las experiencias más frustrantes de mi vida”. Se ve que el tipo no era precisamente un genio. Lemmy también afirmaba que Vicious vendía LSD en los conciertos de Hawkwind. (¿Un pasado hippie? No me extrañaría de un espécimen tan errático.)

HOY QUIERO QUEDARME CON LA IMAGEN DE SID BAILANDO POGO EN EL ROXY… DESPUÉS DE TODO, ERA LO MEJOR QUE SABÍA SABER.
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Prescripción: Cuántos usuarios de redes sociales se desesperan por tener muchos amigos y, casi inevitablemente, el camino para ello es descender mentalmente. Si en verdad quieren seguir los pasos de Gary, pero desean obviar costosas y riesgosas operaciones cerebrales, escuchen este álbum unas veinte veces. Resultado garantizado, pero… ¡nada de intentar escuchar después a Slint o Battles!
Con lo único que podrán es con Tokio Hotel.

Aquí tenemos a Sid bailando "Someone else" como la marioneta que siempre fue. Me encantó esta versión del ícono punk realizada con SIMS 2. No me extrañaría verlo algún día en Playhouse Disney bailando con Phineas y Ferb.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Love kills NYC" (1985), "Never mind the reunion, here's Sid Vicious" (1997) ó "Better (to provoke a reaction than to react to provocation)" (1999).
ANTIDOTO: "Too fast to live..." (2004).

NUEVA SECCION: "Los Peores Demos"

2009-12-09T17:09:00.088-03:00

En este espacio vamos a analizar a aquellos artistas emergentes que, en vez de haber nacido con estrella, nacieron estrellados. Esta sacrificada sección se irá ampliando a medida que recibamos más material pérfido emanado de lo peor de nuestro semillero vernáculo.
Importante: A pesar de que los lectores pueden enviarnos material referido a este tenor, no se aceptarán pedidos de quienes quieran hundir exprofeso a sus bandas y solistas rivales. La inclusión de cualquier artista en este rincón será únicamente a criterio de la redacción de Los Peores Discos.

Damas y caballeros: esto es... LOS PEORES DEMOS (Dios los cría y el viento los amontona).

LA GOLOSA - Rocanrolocura

Comenzamos, como no podía ser de otra manera, con una bandurria del Oeste del Gran Buenos Aires. Como su nombre lo indica, estos recalcitrantes púberes, oriundos de Haedo, hacen un escatológico rock barrial con claras influencias de los Rolling Stones, Viejas Locas, el peor AC/DC y algo de los Redondos (¿cuándo no?). Guitarras previsibles, bajos desafinados, una horrenda voz de típico botellero con megáfono "en corto", ritmos sub-oligofrénicos y remanidas letras suburbanas -que mayormente versan sobre cómo conseguir "pala" en tiempos de escasez- que no agregan nada a lo ya escuchado mil veces en este tipo de géneros vacíos de arte, conforman un demo ("Rocanrolocura") de 6 temuchos, en el que el dinero invertido hubiese sido mejor destinarlo a obras de caridad. Su corte de difusión es "No me das diverción" (con "c", se los juro), o podríamos llamarlo "I can't get no (Satisfucktion)", versión "plan social". ¡Y lo peor es que estos hijos de frula sueñan con llenar Vélez algún día!

GRACIAS GLAM - Aplastando a los aristócratas

De Pergamino -la tierra de los Pomar- nos llega este grasiento CD-rom, con etiqueta impresa en ink-jet, al igual que su espantosa tapa. La banda, a pesar de su denominación ambigua (gracias = grasas), hace una música que no está ni en un millón de años a la altura de su imagen, mal calcada de The New York Dolls. Todo lo contrario a los quintetos de jazz, que hacen decorosa música académica detrás de nombres de mierda, estos micos de quinta juegan a ser una mezcla indigesta entre Bon Jovi, Sweet y La Mancha de Ro(b)ando. Pegajosas baladas y feísimos hard rocks a medio tiempo que cortan la digestión peor que una sandía con vino patero.

Nada se salva aquí, créanme. Si sólo pudieran imaginar a la Hiena Barrios cantando junto a unos Nocheros borrachos, maquillados y pasados por un pedal de distorsión económico, entenderían hasta donde llega el mal gusto de estos hórridos bonaerenses. Una lástima: ese nombre daba para mucho más que esta cursilería para arrojar al cesto más cercano. Una buena idea: utilicen este compacto como excéntrico "posapava". ¡Y mejor vayan a aplastar las hormigas que pululan por el patio de su abuela!

RICTUS - Más allá del mar de las penurias

Pretenden ser metaleros, pretenden ser celtas, pero nada de eso se vuelve realidad cuando tratan indructuosamente de fusionar ambas corrientes, produciendo un pálido metal sinfónico que no conmueve ni a sus propias madres, y no consiguen fusionar una olla con tallarines y su respectiva salsa bolognesa. El castillerío ridículo y pasado de moda de estos mendocinos aburre a los cuatro minutos de escucha pasiva. Las fórmulas se repiten constantemente en este demo -"Más allá del mar de las penurias"-, por lo que, en lugar de imaginarse uno subido a un brioso corcel de fuego combatiendo a dragones infernales, se ve montando un manso pony de plaza y espantando a vendedores de pirulines. Lo peor de todo: en el tema épico "El tormento de Ligeia", la guitarra de Nahuel Garderes demuestra, por demás, todo lo que aprendió en el conservatorio (¿y a quién le importa?), pero sin transmitir nada de sentimiento. ¡No estás rindiendo examen, chabón! En cambio, Pablo Hermida sí que produce efectos con su voz chirriante: unas enormes ganas de tirarle por la cabeza esta obra maloliente. Señores de Rictus: antes de alucinar con ser caballeros amables, aprendan a ser escuderos pasables.

CARIATIDE - Bifurcación clorox

Tengo los testículos que me los piso de escuchar a adolescentes de Zona Norte (más precisamente de Olivos) que creen que con un Sonar y un Reason se puede hacer electrónica decente. No hacen dream-pop, ni ambient, ni trance, ni chill-out, ni retro-house siquiera. Es sólo gente que, aburrida de jugar con la Playstation 3, pensó que podía hacer algo más con sus vidas que llenar sus Fotologs, decidiéndose a difundir este minestrón flogger previsible, lleno de ritmitos y loopitos que ya escuchamos hasta la saciedad en verdaderos artistas como 2 Many DJ's, Daft Punk y Soulwax. No me conmueven con un buen nombre y una buena tapa, porque el resultado de este "Bifurcación clorox" excede el cliché. Los nombres de las canciones, la imagen y el sonido general es una invitación con alfombra roja a decirles: "Basta. Pónganse a estudiar una carrera, porque sus papis (alguno de ellos trabaja seguramente en la multinacional homónima) están que arden con tanto aparatito al cuete en sus habitaciones sin ordenar, producto de sus envidiables mesadas". Yo les sugiero que antes de intentar una producción independiente, se pongan a escuchar música electrónica en serio, en vez de grabar pendejadas que únicamente cautivan a sus noviecitas del colegio Northlands.

MUY PRONTO SEGUIREMOS PREVINIENDO A LOS POSIBLES LIDERES MUSICALES DEL MAÑANA Y PROTEGIENDO NUESTROS OIDOS DE SUS EMANACIONES "CREATIVAS".

Más paz, prosperidad, entendimiento y sentido común para estas Fiestas, es el deseo de LOS PEORES DISCOS para todos sus lectores.

¡FELIZ 2010! (el año de Nito Mestre.)

EDITORIAL: El final de la tercera temporada (Memoria y balance)

2009-10-28T01:40:00.043-03:00

Como ya lo había prometido con antelación, el final de la tercera temporada es una realidad. Espero haber cumplido con todos, tanto en la calidad de los textos, como en las generosas dosis de ironía, sarcasmo y acidez que cada uno de ustedes esperó hallar en Los Peores Discos. Porque de eso se trató mi misión: de hacer humor a partir del rock y el pop, riéndonos de nuestra idolatría e inquietando, aunque sea un poco, a los “grandes” divos establecidos de la música popular de nuestro tiempo.
Sé que hay una clase de gente que se ha divertido mucho con estas crónicas, pero también soy consciente de otra que las ha padecido (y ha pedido mi cabeza en bandeja de cartón). A ambas especies humanas está dedicada esta obra que vengo desarrollando desde hace casi tres años. A ambas les estoy agradecido. A ambas le debo la razón de la existencia de esto que di en llamar, un poco magnánimamente, “la cruzada contra el mal”.
Muchos se preguntarán si existen razones valederas para finalizar esta temporada “tan pronto”. Las hay, y tienen que ver con un estado de ánimo personal y, asimismo, con un firme designio de no caer en una virtual repetición de intenciones, ya que todos saben que siempre me he esforzado en brindar la mayor variedad en eso de “el disco es una mierda y si lo comprás sos un idiota”.
No es ningún pecado poseer (e incluso glorificar) uno o dos álbumes de los aquí reunidos, pues, como se dice por allí: “al mejor cazador se le escapa la liebre”. No obstante, considero que atesorar más de cinco discos de los expuestos sería propio de un cultor honoris-causa del mal gusto. Siguiendo en esa tesitura, creo que tener más de diez, bien podría ser digno de un tratante de blancas, un peligroso psicópata o un traficante de armas. Pero a quien tenga el deshonor de coleccionarlos todos, le pediría que se interne de inmediato en un asilo, por el bien de la Humanidad; o mejor aún, le aconsejaría a sus allegados que no se agachen en su presencia.

Sepan que hay muchas basuras más en mi lista negra, esperando el momento de ver la luz de la justicia. Sólo es cuestión de ir compilando ideas nuevas y originales, para desarrollarlas de la manera más satisfactoria. Aunque eso será el recién próximo año.
Por lo tanto, tomen esto como un compás de espera y no como una despedida, pues seguiré contestándoles a cada uno de ustedes, en la medida de lo factible.
Para terminar, les pido que vean este post final como un balance y me escriban algunas líneas acerca de lo que les pareció este ciclo de Los Peores Discos.
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Les deseo un excelente año a todos, a los que me quieren y… bueno… a esos otros. ¡Hasta la próxima temporada!

BACKSTREET BOYS - This is us

2009-10-16T11:46:00.017-03:00

No quería concluir esta temporada de Los Peores Discos sin antes acercarles uno de los más grandes abusos (si no el mayor) que concibió el más manoseado género del entretenimiento para masas: el teen-pop.
Estoy completamente seguro de que la Convención de Ginebra debe haber desaprobado la utilización de esta obra en prisioneros de guerra.

Este conjunto de sinvergüenzas se formó en 1993, gracias al “visionario” magnate Lou Pearlman, que desde su Florida natal concibió esta chirigota. Él quería formar un grupo de cinco chicos jóvenes que supieran cantar y bailar, y para ello puso anuncios en periódicos locales, siendo seleccionados A. J. McLean y Howie Dorough; éstos ya se conocían por haber acudido a las mismas audiciones en busca de trabajo. El tercer componente fue un niño de 13 años, cantante y actor infantil, llamado Nick Carter, quien tuvo que decidirse entre el grupo y una muy tentadora oferta del famoso programa Mickey Mouse Club, cantera de más artistoides tipo Justin Timberlake, Christina Aguilera o Britney Spears. El cuarto miembro resultó ser Kevin Scott Richardson, quien trabajaba en el parque de atracciones Disney World, ¡disfrazado de Aladin! El último autómata en ingresar fue Brian Littrell -primo de Carter-, que se destacó desde pequeño en el coro de su iglesia. ¡Vaya seleccionado del más puro aguante!

Pocas cosas existen que estén más alejadas del rock y el pop, e incluso del estilo ‘boy band’ (cuyos auténticos iniciadores fueron los New Kids On The Block y no estos patanes), y que ponen tan cachondos a los físico-culturistas, estilistas, diseñadores de interiores y princesitas púberes de hogares de clase media, sin olvidarnos de las damas que compiten en las ligas mayores del juego de canasta. De todas, ésta se lleva todos los lauros.

Veamos ahora el top-10 del perfecto ejemplar a quien puede interesarle este descalabro:

#10: El atrofiado genital que llora de emoción cada vez que se estrena una nueva versión de la saga de “Rápido y furioso”.

#9: La chirusa que elige “Celebra la vida”, de Axel, como ringtone principal de su celular.

#8: El paquidermo que prueba el sistema DVD de su auto con un recital de Los Tres Tenores.
#7: El grasa que baja el tema “Back in black” a su i-phone para utilizarlo como fondo de un streap-tease.
#6: La inefable coleccionista de temporadas completas de “Beverly Hills 90210” o “Friends”.
#5: El pálido oficinista que almacena sólo 5 temas (en 128 kps) de Sonohra en su i-pod de 20 Gb.
#4: La infeliz que tararea temas de Maná mientras huele desodorantes para pisos en un supermercado.
#3: El perversito que envía un SMS al 90100 para aprender poses del Kamasutra y luego se desespera al no saber cómo dar de baja el servicio.

#2: La minusválida que gasta su aguinaldo en una entrada para ver a Arjona desde una ubicación a no menos de 400 metros.
Y el puesto #1: El salame que se mete en un crédito a 10 años sólo para hacerle la Fiesta de Quince a la nena, quien seguro no elegirá ningún tema de estos zánganos, sino "Angels", de Robbie Williams, para su entrada triunfal.

Esta defecación, la más nueva de todas las asquerosidades artificiales que grabó este verdadero “quinteto de la muerte”, constituye el paradigma inapelable de que la música pop está en serio peligro de extinción. Es que esto es música para gente que no puede entender de qué se trata la música.

Ya sin Kevin en sus filas, los “Backshit” ¿Boys? editaron “This is us” (¿Esto son ustedes?), en octubre de 2009, sólo para volver a afianzarse sólidamente en el podio más alto de la cortedad discográfica. El último vómito de la banda vocal más vendedora del planeta fue producido por Max Martin, RedOne y Jim Jonsin, y contiene exactamente lo que buscaría cualquier fan voraz del Disney Channel: histeria en almíbar. Sin embargo, estoy seguro de que, tanto Pluto como la Sirenita, detestarían el álbum, mientras que a los chicos de I-Carly les agarraría un ataque de risa que los llevaría a la taquicardia.

La única canción digna de mención es “Straight through my heart”, nada más que por ser el corte de difusión. En ella, los BSB se asemejan a unos Duran Duran sin huevos, luego de 18 meses en las Termas de Río Hondo.
Todo lo restante que puebla este pernicioso compacto (sobre todo “Bigger”, “Masquerade”, “She’s a dream” y “Undone”) abunda en jadeos y susurros ilusoriamente seductores, lugares comunes reciclados una y otra vez de su odiosa producción anterior, que muy poco agregan a su malhadada carrera.

¡Y conste que no utilicé la palabra “gay” en ningún momento!

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Epílogo: La única manera que tengo yo de ver a estos inservibles es a través de la mira de un rifle. Y en vez de haber perdido mi tiempo en elegir para mi última crónica del año entre “Backstreet’s back” (su peor disco de antaño) y este flamante desliz, tendría que haber invertido ese esfuerzo en optar entre la precisión de un Armalite AR-30 y el poder de fuego de un AI Arctic Warfare 50.

El clip de "Straight through my heart". A juzgar por la torpeza de sus movimientos, tengo la impresión de que, en lugar de hacer una coreografía, estos maduros íconos juveniles están padeciendo una sesión de rehabilitación kinesiológica.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: todos sus álbumes.
ANTIDOTO: mate y tortas fritas en una marcha piquetera.

DEF LEPPARD - X

2009-10-06T12:20:00.011-03:00

Cuando una dudosa banda de ‘hard’, luego de un cuarto de siglo de trayectoria, decide publicar un álbum comercialísimo, por entero destinado a captar la atención de las adolescentes, se convierte inevitablemente en un paradigma de senilidad y, lo que es peor, de estupro encubierto. Si a esto le sumamos una insalvable propensión a destilar grasitud en su propuesta, consistente ésta en ocho baladas melifluas entre 13 temas ñoños totales, ya estamos en presencia de uno de los peores discos de pop-metal de todos los tiempos. ¿Por qué? Porque aquí no hay metal. ¡Así de simple!
Nada puede ya salvar a Def Leppard del derrotero hacia la más baja decadencia, de la peor canción de pepinos en la entrepierna, de la peor bacanal con cerveza caliente y sonrisas de groupies veteranas (más cerca del Corega que del ratón Pérez), sólo equiparable a lo que le sucedió a los integrantes de Steel Dragon en el esclarecedor film “Rock star”. Esto le da a uno más vergüenza ajena que la matanza de ballenatos por parte de los buques-factoría japoneses, que, de todos modos, logran juntar menos grasa que estos ingleses, en el pico de su pereza creativa, con “X” (encima, su 9º álbum), de 2002.
Nota: no castiguen a los que creen que estos sujetos son yanquis, pues siempre se empecinaron en sonar ‘americano’, y la culpa no es del chancho sino de quien le da de comer.

Supongo que algún fan se habrá quejado, no sólo del contenido de este abominable trabajo, sino de su título, que revela la más pura impersonalidad. Error, señores, pues este calificativo es el más exacto que pudo tener el disquito en cuestión.
Sostiene el lingüista chileno Maximiliano Mena Pérez que el uso de letra X es el indicado para designar la incógnita en las ecuaciones, y en expresiones tales como ‘lo hizo X persona’ o ‘las cosas se dieron por X causa’. Afirma que esto proviene del árabe, donde la S de la palabra “sai”, que significa ‘cosa indefinida cualquiera’, se pronuncia igual que la X castellana antigua. Por asociación, el disco homónimo nos habla de incapacidad y nulidad en los asertos más elementales, y, en consecuencia, de que la esencia de Def Leppard está más vacía que nunca, y que sus cerebros están necesitados de pasto fresco, de un pronto recambio de sangre y de vacaciones permanentes para beneficio de todos.

Esta banda, liderada por Joe Elliott y el desaprovechado futbolista Rick Savage, se formó en 1977, en Sheffield, obteniendo su nombre al reconvertir el de Deaf Leopard sólo para no quedar pegados a la etiqueta punk (?).
¡Qué puede esperarse de una banda cuyo NOMBRE se parece tanto al de Led Zeppelin que apesta ya de movida! Aquel que dice que nunca se le ocurrió asociar estos dos motes, ¡miente! Quien piensa que este grupo es fundamental en la historia del metal, ¡delira! Y el que sostiene que esta banda tiene algún mérito en su obra, más allá del debatible LP “Pyromania”, ¡alucina! Sin embargo, esta agrupación es citada en la historia del rock por ser paladines de la primera ola del heavy-metal británico (insisto, para mí, pop-metal) y bla, bla, bla. Otras fuentes hablan de sus ventas multimillonarias y bla, bla, bla. Yo sostengo que fue por un solo motivo:

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LA ÚNICA VIRTUD DE DEF LEPPARD FUE SOBRELLEVAR BIEN LA DESGRACIA DE SU BATERISTA, QUE PERDIO UN BRAZO EN UN ACCIDENTE DE AUTO, PUES, DE LO CONTRARIO, HABRIAN SUCUMBIDO AL OCTAVO AÑO DE SU EXISTENCIA.

Por consiguiente, todas las atenciones se centraron en ver cómo se las iría a arreglar Rick Allen para seguir tocando. Justo es reconocer que sus colegas estuvieron muy solidarios al no reemplazarlo, pero este espacio no se especializa en cuestiones de caridad y menos en ortopedia. Aclarado este punto, continuemos...

La banda más trivial del Mundo reunió en esta genuina herrumbre más de una docena de defecaciones inservibles, de las que se diferencian (únicamente por no ser baladas) “You’re so beautiful”, “Four letter word” (caca) y “Gravity”, tres temas tan ominosos que ni Bryan Adams los usaría para lados B de sus singles.
La producción dio asco, a pesar de haber convocado a un experto en el tema, Pete Woodroffe, y, debido a la estrechez artística obtenida, la discográfica decidió no apoyar este lanzamiento, por lo que se lo consideró un fracaso en todo sentido.

Por último, sugiero que, en vez de sufrir con este CD nauseabundo (menos rockero que una guitarra eléctrica con transporte y más desagradable que el yogur de banana marca Ser), vean el film “Histeria: the Def Leppard story”, que brinda una excelente radiografía del auge y deterioro del grupo, y de las vicisitudes de este subgénero, tantas veces risueño, cuando no grotesco.
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Síntesis: Ya que estamos tan peliculeros… Si amás este disco, es porque en la peli “School of rock” aprobaste y aplaudiste el triunfo de la banda No Vacancy.
Pero si adorás a Def Leppard incondicionalmente, vos no sos de los que se colocan un pepino en la entrepierna. Vos te ponés un anco entero.
¿Y sabés qué podés hacer con el disco? Una regia ensaladera. Para cuando te canses de inventar boludeces.

"No podría quererte más, pero podría quererte mejor.”
“Cuando el amor es rey, no necesita palacio.”
“Se puede ser feliz sin talento, pero no sin pasión.”
“El amor es el único idioma que puede prescindir de las palabras.”
“Sólo los cuerdos aman con locura.”

Estos aforismos de José Narosky, mezclados con este clip de "Long long way to go", constituyen un cóctel explosivo, mucho más potente que seis pastillas de Viagra al hilo. Piensen en las consecuencias...

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Slang" (1996), "Euphoria" (1999) ó "Yeah!" (2006).
ANTIDOTO: "Pyromania" (1983).

LENNY KRAVITZ - Baptism

2009-09-24T11:05:00.019-03:00

¿Cuántas veces nos hemos topado con temas que nos recuerdan a otros ya conocidos? Un estigma que muchas veces calificamos como plagio inconciente o directamente como robo descarado. Según las sociedades de autores y compositores de muchos países, plagio es “copia, en lo substancial, de una obra ajena, haciéndola pasar como propia”.
Tal es el caso de la melodía de “My sweet Lord”, que George Harrison confesó haber hurtado de “He’s so fine”, de las Chiffons. O John Lennon, cuando le birló la cadencia de “You can’t catch me” a Chuck Berry, para su “Come together”. O las estrofas de “Do you believe in shame”, de Duran Duran, que suenan demasiado a “Suzie Q”. O los famosos “Creep” y “Just”, de Radiohead, afanados vilmente de “The air that I breathe”, de The Hollies, y “No new tale to tell”, de Love & Rockets, respectivamente. O Led Zeppelin, “tomando prestados” los riffs de “You need loving”, de Small Faces, para componer su célebre “Whole lotta love”. O al revés incluso, cuando Pearl Jam, mediante “Given to fly”, ultrajó la bonita balada “Going to California”, de Page y Plant. O -ya que estamos- “Yellow ledbetter”, de Eddie Vedder, sustraída sigilosamente de “Little wing”, de Jimi Hendrix. O la armonía de cuerdas de “Bittersweet symphony”, de The Verve, achacada a tiros a “The last time”, de los Stones. O Nine Inch Nails escamoteando para “A warm place” la totalidad de “Crystal Japan”, de David Bowie. O los hiperinflados Coldplay, que enfrentan un juicio debido al tema “Viva la vida”, robado a “If I could fly”, de Joe Satriani. O Vanilla Ice, que ganó fama con “Ice ice baby”, sin pagar derechos a Queen, por desvalijarles “Under pressure”.
O Soda Stereo despojando a Ride, Tina Turner a Cher, Guns n' Roses a T. Rex, Michael Jackson a Al Bano, Madonna a Salvatore Acquaviva, Jet a Iggy Pop, Oasis a Procol Harum, Galleon a Kylie Minogue, ésta a Donna Summer, Tizziano Ferro a Kelly Osboure, y ésta a Visage, llegando a casos insólitos, como el citado Chuck Berry, que se robaba a sí mismo las ‘intros’ de sus inmortales rocks.

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No quiero meter más cizaña, pero sepan que el mayor papelón en este sentido lo detenta Paul Simon, por haberse apropiado de la melodía andina "El cóndor pasa", compuesta por Daniel Alomía Robles en 1913 y patrimonio nacional de Perú, transformándola en "If I could", lo cual le significó no sólo un bochorno artístico, sino también un serio conflicto con el gobierno de ese país.
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Pero hay un individuo que no necesitó saquear riffs, ni estribillos, ni estrofas, ni posturas, ni improntas determinadas a tal o cual músico, ya que TODA SU OBRA constituye un impresionante COMPENDIO DEL ASALTO PERFECTO a las fórmulas probadamente exitosas que pudo hallar dentro del rock, en 30 años de dudosa carrera. Así cimentó su triunfo Leonard Albert Kravitz, justamente, en base a succionarles ideas a varios creadores originales, entre ellos, Prince, Beatles, Sly & the Family Stone y Jimi Hendrix.

Hacedor de hits indiscutidos, dueño de una magnífica voz, y guitarrista-multinstrumentista oportunista como pocos, este monarca del copy/paste utilizó retazos de lo más efectivo del hard-rock, funk, glam y pop, produciendo un suceso pocas veces visto, capaz de edificar un imperio monetario inaudito, salvo por un detalle: que como bien reza el dicho popular, “la mentira tiene patas cortas”, y es en este álbum donde el artista le vio la entrepierna a Dios. No en vano, “Baptism” tiene la portada que tiene. En ella se ve al músico nadando en la sangre de los creativos que a él le convino sorber. Y no porque sí el disco se llama “Bautismo”, pues lo más probable es que Kravitz, contrito, haya decidido bautizarse en 2004 para librarse de su enorme pecado original (¡y capital!).

Todo es débil, repetitivo e insustancial aquí, donde, a pesar de tocar Lenny casi todos los instrumentos, las buenas intenciones se esfumaron (igual que en River Plate, que cada día se asemeja más a Perú, y no tanto por su atuendo). “Minister of rock ‘n roll” es pura autoindulgencia, “I don’t want to be a star” es mera hipocresía (es fácil cantar que sólo se desea una Chevy y una vieja guitarra cuando se vive en una mansión descomunal), y “Sistamamalover” recrea en exceso la receta de Prince (¿Sexy motherfucker?). “Storm” pudre el aire con su horrendo rap, a cargo de Jay-Z, y el corte pasatista “California” apesta a duplicado de la banda Fountains Of Wayne. “Where are we running?” y “Flash” se parecen al peor Kiss, en plena diarrea estival, mientras que “Calling all angels”, “What did I do with my life?”, “Baptized” y “The other side” se exhiben como sebosas baladas melodramáticas, hechas ex profeso para humedecer coños de teenagers.

Una producción digital que sólo logra que los fans pidan a gritos que Lenny vuelva a escuchar “Mamma said” y que retorne al modo analógico valvular de grabación. Aunque yo pienso que, para editar impurezas como ésta, mejor sería que Kravitz buscara un lugar en las pasarelas como modelo de alguna marca de jeans.
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Conclusión: Lenny explicó en una entrevista para Guitar One la razón por la cual algunas celebridades no merecen ser famosas: “Miren a esos ídolos que ensalzamos. Un montón de sujetos que no hacen más que caminar por una alfombra roja y que concurren a fiestas de alta sociedad, sólo para engancharse con la gente correcta. Por eso son famosos. ¿Y para qué?”.
Lo extraño es que eso es exactamente lo yo que pienso de él.

"¿Hacia dónde estamos corriendo?", se pregunta Kravitz en este clip. No sé ustedes, pero yo sé a dónde corre él. Hacia la gloria de Jimi Hendrix que jamás alcanzará este émulo de todo y paladín de nada.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "5" (1998) ó "Lenny" (2001).
ANTIDOTO: "Let love rule" (1989).

PASATIEMPO: Descubra el grupo oculto más sobrexpuesto del planeta

2009-09-12T14:29:00.002-03:00

Eligiendo un nivel de dificultad (acorde con su fanatismo), arme este puzzle y podrá ver la imagen de una de las bandas más oligofrénicas del ancho mundo del rock and roll.
Sugerimos realizar este entretenimiento sólo si se dispone de demasiado tiempo en balde.

Jigsaw Puzzle by Crazyprofile.com

VILLAGE PEOPLE - Renaissance

2009-09-06T14:25:00.017-03:00

Imploraba yo, mientras transcurría mi espeluznante excursión por el Valle de la Esfera Espejada, en Bailandia, que mi mal trance finalizara cuanto antes. Aquí y allá, vastas depresiones repletas de humo maloliente de acetato de vinilo achicharrado, plástico corrompido y papel ilustración ilegible revelaban los estragos perpetrados por el fuego perenne. La ascosidad se acumulaba a la vera del estrecho sendero y los precipicios, antes insondables, estaban atiborrados de deshechos rítmicos. Así, con la poca vista que tenía para clasificar la roña circundante, observé cómo se acopiaban los más increíbles ejemplares que el género discotequero pudo concebir. Caminé por un desfiladero que me llevó hasta la esencia misma de la malandanza reinante. Poco a poco pude hacerme de valor para afrontar los hedores de abandono cultural, y de ese modo, descubrir objetos que me eran familiares. Tiradas al azar, se amontonaban partituras de canciones olvidadas, alguna vez exitosas, una de las cuales me llamó la atención. Era “Born to be alive”, de Patrick Hernandez. Mi gemebunda memoria aún podía evocar su fugaz estribillo apisonado por el tiempo.

"Time was on my side

when I was running down the street,

it was so fine, fine, fine

A suitcase and an old guitar

and something new to occupy

my mind, mind, mind

You see you were born, born,

born to be alive."
.

Más boñiga se insinuaba ante mi absorto ser. Una portada medio incinerada del disco “Tear down these walls“, de Billy Ocean, escondía, vergonzante, el único álbum de Jazzy Mel, fundido con un magazine de la Ritchie Family. A su lado yacía un cassette sin cinta de Eddy Grant, etiquetado “En vivo en el Country Club de Banfield”.
Por doquier se esparcía la vergüenza, por lo que apuré mis pasos para salir del embotamiento que me invadía. Más adelante vi pedazos de memorandos pusilánimes, como aquél del sello Phonogram que felicitaba a Lipps Inc. por el éxito de “Pucker up”, una copia de la recesión del contrato por el que BMG expulsaba de su staff a Boney M., debido al fracaso de su “Eye dance”, y lo que más me conmovió: el organigrama de la campaña que encumbró al dúo Milli Vanilli a la condición de superastros.

Ah, ¿pero qué hacía yo en ese festival del ocaso? A la par que tejía un sinnúmero de conjeturas, mis pies tropezaban con una edición limitada de “Rock solid”, de Commodores, y mi cuerpo se hundió en un lodazal de viscosa resina. Lo último que alcancé a ver, antes de desvanecerme, fue un sobre interno despedazado del álbum “Unite”, de Kool & the Gang, y un flexidisc, ya convertido en triste cenicero, de Denise LaSalle, pues la líquida fetidez me llevó inconciente hasta una letrina natural en la que sobrenadaban más improperios artísticos. Volví en mí sobresaltado y, nadando como pude entre la suciedad, llegué hasta la orilla. Desde ese ángulo pude divisar un promontorio en el centro del mugriento lago, que, a modo de santuario, ostentaba varios ejemplares de “Renaissance”, de la banda insignia del disco sound californiano: Village People. Advertí que no estaba solo en esos parajes infernales, y que dicho tabernáculo había sido erigido adrede por criaturas del Averno. Entonces comprendí que aquello era una señal de seres confundidos que veneraban a dicha obra nociva.
Con restos de reediciones de “Rockollection”, de Laurent Voulzy, “Emotional rescue”, de los Rolling Stones, y el maxi-single “It’s alright”, de Gino Soccio, construí una balsa y remé hasta aquel altar. Allí descubrí un obsoleto reproductor de video que invitaba a ser encendido, mas no bien hube puesto la primera canción (“Do you wanna spend the night”), se vieron proyectadas en los acantilados imágenes de danzarines demoníacos disfrazados de coiffeurs, que iniciaron un atroz baile que no recuerdo haber visto ni en Música en Libertad. Amanerados performers que dejaban muy mal parados a los autores de “Macho man” y “Y.M.C.A.” acompañaban los monstruosos números pretendidamente new romantic, inequívocos indicios de que los Village People ya no eran aquellos divertidos pseudo gays, con atavíos de policía, cacique, albañil, marinero, motociclista y vaquero, sino espectros carroñeros ochentistas, émulos del peor chiste postmoderno.
La pesadilla parecía no terminar nunca, pero, por suerte, el timbre de casa me despertó anunciando a un vendedor de plumeros.

Al margen del mal sueño, “Renaissance” me pareció una de las ideas más colosalmente estúpidas de toda la historia de este estilo, que no se destacó precisamente por su brillantez. El fallido hit “5 o’clock in the morning”, el despreciable “Action man” (si fuera de Devo, merecería la silla eléctrica), más “Big mac” y “Diet”, posibles sobrantes del film “Can’t stop the music”, nos dan una clara imagen de lo desconcertados que estos tipos estaban en 1981. ¿Se habían vuelto punks? Digo esto porque “Food fight” suena a una pésima banda tributo a Ramones, incluido un órgano Farfisa muy sacado de contexto.
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Epílogo: Mil gracias al gran Dante Alighieri por tanta inspiración, y un millón de gracias a Village People por haber sido los causantes de que en mi adolescencia haya elegido el difícil camino del rock, en vez de la cómoda autopista hacia el hedonismo bolichero.

Village People en un banquete medieval donde se comen los mejores cortes de la mejor carne de artistas "en serio" del género disco. Con lo que más tarde defecaron se produjo "Renaissance".

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Fox on the box" (1982) ó "Sex over the phone" (1985).
ANTIDOTO: "Village People" (1977).

STING - Sacred love

2009-08-27T11:11:00.021-03:00

Hace ya un tiempo publiqué en mi blog una encuesta que invitaba a votar la fórmula musical más acertada. He aquí, de nuevo, las opciones. Medítenlas.

½ Rolling Stones x Bob Marley (-1) = Viejas Locas

Reggaetón + distorsión + MTV = Limp Bizkit

Syd Barrett + Moody Blues ÷ alta gerencia = Pink Floyd

Deep Purple – originalidad + ¼ V8 x Beto Orlando = Rata Blanca

Bon Jovi + Los Nocheros = Maná

Axl Rose – (Slash x infinito) = Chinese democracy

Abba x Angra + castillismo + distorsión = Bare Infinity

Satriani – humildad x CQC = Diego Mizrahi

Sigur Rós – dinero + Radiohead = Bauer

Erasure + Virus ÷ (Scissor Sisters x Pimpinela) = Miranda!

Motörhead + Larralde + Goebbels = Almafuerte

Coldplay + delay ÷ i-pod + ONG = U2

Redonditos – (talento x obviedad) = Pier

Enrique Pinti x Coco Silly = Mona Jiménez

Indio Solari – (lucro cesante x impunidad) = Pato Fontanet

Paz Martinez + GG Allin = 0

Ahora permítanme definir una ecuación para Sting:

(Police x barrio privado) – (World music x tortuga azul apoliyando) + (8 hs. sexo tántrico x Live 8) = Gordon Sumner.

¡Atención fanáticos de Ricky Martin, Fergie, Joss Stone, Rihanna, Santana y toda esa caterva adulada por egresados de la efímera carrera de graboperfoverificación! Éste es el disco perfecto que colmará de dicha sus vacías vidas, el disco correcto que yo regalaría a un alto ejecutivo de una empresa petrolera si quisiera sumar puntos a mi currículum para ingresar en su staff, el disco ideal para cualquiera que desee poner una sucursal de McDonald’s en Bhután, y, por supuesto, el disco indicado para que nuestro matrimonio presidencial-imperial decida afincarse definitivamente en El Calafate, para abandonar sus sueños mesiánicos y no manipular más al vapuleado Pueblo.

La apoteosis del sueño eterno tiene su cenit en esta desgracia inhumana, más apropiada para un oso polar hibernando que para una anciana colmada de somníferos. La banda sonora, que puesta en modo ‘repeat all’, haría mucho más llevadero el letargo helado de Walt Disney. El álbum menos estimulante que jamás haya grabado el otrora maestro de escuela, ex-prócer de la new wave, y actual ícono de la new age, se llama “Sacred love” (2003).

Bien podría haberse dedicado Sting a la política ambiental o a amasar pan en un horno de barro etíope, en vez de haber contribuido a la separación de The Police. Una carrera inmaculada que fue luego degenerada por un antojo seudojazzístico, peligrosamente A.O.R., y que cayó en bagatelas como este álbum, y demás, apenas menos latosos, como “The soldier’s tale” y “Songs from the labyrinth” (en la que condimenta con calmantes la obra del compositor post-renacentista John Downland.). Y mejor ni hablar de bandas de sonido de films aptas para comatosos, tipo “Dolphins” o “Bee movie”.

Pensar que hay tanta gente insomne que permanece despabilada frente a alevosos lavados de cerebro pergeñados por la Iglesia Universal del Reino de Dios o hipnóticos anuncios de TeVeCompras, concebidos por egresados de la Gestapo. ¡Qué desperdicio de vida, señores! ¡Aquí esta su solución final! Prueben con una escucha entera de este tributo al Valium y verán cómo sus ojitos se entregan a los dominios del dios Hipnos, de la manera más plácida y menos angustiante, pues en esta obra anestésica ¡no sucede un carajo!

Un álbum de canciones incoloras, inodoras e insípidas, donde el artista mezcla todo tipo de sedantes -étnicos y pop-, y que los sumergirá en un estado embrionario del que únicamente podrán sobreponerse mediante una fuerte dosis de éxtasis. Prueben, si no me creen, barbaridades como “Inside”, “Send your love” (con el “superastro del flamenco” Vicente Amigo), “Whenever I say your name” (junto a la dudosa diva del soul Mary Jane Blige) y “The book of my life” (con Anoushka Shankar, otra hija de ya se imaginan quién). La única salvedad está dada por “This war”, donde la banda parece desperezarse un poco de la modorra sistematizada. De los demás números escapen prestamente, si no quieren quedar inertes de por vida, pues una vez adormecidos, los sorprenderá Sting disfrazado de Freddy Krueger.

Es bien cierto que, llegada cierta edad, hay que encontrar el equilibrio de la mente y el cuerpo. Siendo “Sacred love” el extremo catatónico de la cosa, habría que escuchar algo del antiguo Napalm Death para alcanzar el vértice excitante del rollo. El promedio entre ambas propuestas nos daría la verdadera armonía deseada; de lo contrario, se caería en un aburrimiento tal, que llevaría a uno a intentar embustes como la hipócrita reunión de Police, en 2007.

Conclusión: Sting sostiene que dedica 8 horas diarias a hacer el amor tántrico con Trudie Styler, y previendo que 6 horas, como mínimo, las destine a dormir, le quedarían sólo 10 horas para sus asuntos particulares. Suponiendo que el salvataje de los manatíes y los derechos humanos en Burkina Faso le insuman unas 4 horas, con el agregado de 2 horas para resolver cuestiones de negocios, y 3 horas más para la vida familiar y el aseo personal, le restaría sólo una hora libre para componer y ensayar.

Ahora entiendo por qué le salen vaciedades como ésta…

¿Este es el mismo tipo que cantó "Fall out"? Claro, aquella era una coyuntura en la que imperaba el punk rock, y ésta, la de un mundo fatalmente globalizado. Sting canta "Whenever I say your name", junto a Mary J. Blige, y nadie sale de la modorra. Pero no es culpa de la estrella del soul invitada. Es que un tema así no lo saca adelante ni Jello Biafra.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "The soldier's tale" (1988), "Dolphins" (2000), "Songs from the labyrynth" (2006), "If on a winter's night..." (2008) ó "Symphonicities" (2010).
ANTIDOTO: "Nothing like the sun" (1987).

BON JOVI - This left feels right

2009-08-16T19:30:00.014-03:00

Elvira y Ernesto hacen su entrada triunfal por el pórtico del salón de fiestas, repleto de parientes e invitados. Los recién casados habían sugerido al disc-jockey que pusiera el clásico “It’s my life”, de Bon Jovi, pero el DJ, no muy avezado en discos de rock (como todo DJ) hace sonar la versión del álbum “This left feels right”, y la gente, estupefacta, comienza a abandonar el recinto, dejando sola a la pareja con toda la comida, el cotillón y una torta de siete pisos sin estrenar. El flamante matrimonio sobrevive apenas unos escasos días hasta el accidente fatal que pone fin a su viaje de bodas.

Randall, un científico que estudia a los pandas en los bosques de China, decide llevar para una expedición el álbum de grandes éxitos de Bon Jovi que un colega le ha obsequiado. Le parece buena idea animar con música a estos simpáticos animalitos en serio peligro de extinción, mas, como sabe mucho de zoología y poco y nada de hard-rock, les hace escuchar el éxito “Livin’ on a prayer”, pero en la versión del CD “This left feels right”. Sin explicación aparente, los pandas se despiertan de su apacible letargo y seguidamente caen como fulminados de los eucaliptos. Toda la comunidad es aniquilada y Randall se queda atónito, restregándose la barbilla.

Giovanna logra vender una costosa mansión en la isla de Capri a unos entusiastas compradores estadounidenses. El día de la operación, reúne a los interesados en su oficina, no teniendo mejor idea que reproducir en su estéreo la célebre balada “Bed of roses” para crear buen clima. Al no disponer del disco “Keep the faith”, no tiene más remedio que poner la adaptación incluida en “This left feels right”. Los potenciales adquirentes se levantan enfurecidos de sus asientos y se esfuman por la puerta de servicio. No sólo se pierde un negocio récord en la historia de los bienes raíces, sino que los compradores le inician una demanda millonaria por daños. Giovanna se embarca en un carguero pakistaní y desaparece del mapa.

Si “This left feels right” es un álbum que reúne los más grandes triunfos de la banda de Sayreville, New Jersey, ¿por qué razón fue el causante de tamañas adversidades?
Simplemente por un motivo inapelable: como a la banda se le habían terminado las luces hacía mucho tiempo, a algún manager se le ocurrió la “bendita” idea de readaptar sus más grandes sucesos y reunirlos en una especie de rejuvenecido “lo mejor de” para intentar recuperar el público perdido por tanto disparate editado con anterioridad, como “Crush” o “Bounce”. Sin embargo, los temas fueron tan vilmente arruinados y tan pésimamente arreglados, que casi dan por tierra una carrera de más de un cuarto de siglo, sólo en pos de un capricho monetario. He ahí el efecto malévolo de este delito auditivo, repleto de baladas empalagosas, de un gusto tan infame que harían dar arcadas a un médico forense con tendencias coprófagas. “Bad medicine”, “Lay your hands on me”, “You give love a bad name”, “Keep the faith” y otros tantos números otrora significativos -más los indicados ut-supra- fueron rearreglados en una veta tan acústica y parsimoniosa, que harían que un James Taylor parezca un astro de speed-metal en comparación, y tan ‘hortera’ y pueril, que lograrían que, a su lado, un Miguel Bosé se eleve al estatus de mártir anarquista.

Bon Jovi es un grupo que no ha gozado ciertamente del favor del consumidor masculino de heavy metal, pero sí del femenino de baladas tiernas, una audiencia siempre ávida de nuevos príncipes azules. Una agrupación que cimentó su gloria, en gran parte, gracias al carisma indudable del carilindo de John Francis Bongiovi (alias Jon Bon Jovi), lo que la llevó a vender una cantidad apabullante de discos a lo largo y ancho del Globo, pero que, luego de varias obras muy discutibles, llega a 2003 con las mentes de sus creadores vacías de inspiración y llenas de sedantes, para producir este oprobioso y miserable álbum de fallida “nostalgia”. Y no hablemos ya del título, que traducido sería “Esta izquierda se siente derecha”, lo que constituye toda una declaración de principios en sí misma.

Por último, sepan que este desastre marcó el rumbo inflexible de futuras porquerías, como el pegajoso “Have a nice day” y el excesivamente country “Lost highway”, que hundieron a la banda más y más en el hondo légamo cochino, sitial del que dudo que vuelva a levantarse alguna vez.
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Advertencia: Hay un conocido dicho que reza: “los asientos de los managers están tapizados con piel de músico”. Si amás este álbum y sos manager, podría tocarte en suerte la parte de la espalda de algún buen guitarrista de hard rock. Pero si adorás este disco, y sos fan del antiguo Bon Jovi, seguro que te corresponderá un trozo del culo de algún percusionista de salsa.

Bon Jovi, en concierto, tocando "It's my life" ante una audiencia llena de preciosas féminas. Una ocasión únicamente ideal para jóvenes desesperados por la caza mayor. Todas las demás personas que no estén en situación de celo, habrán de concluir que de este tipo de eventos no se puede obtener nada más.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Crush" (2000), "Bounce" (2002), "Have a nice day" (2005), "Lost highway" (2007) y "The circle" (2009).
ANTIDOTO: "New Jersey" (1988).

OZZY OSBOURNE - Under cover

2009-08-07T10:56:00.011-03:00

Mi ex–estimado Ozzy: ¿Qué voy a hacer contigo? ¿Cómo puedo ser imparcial y bienintencionado luego de oír esta barbaridad que grabaste en 2005? ¿Te parece correcto arruinarme el fin de semana de ese modo tan gratuito e impune? ¿No tenías nada mejor que hacer que recurrir a tan gastado recurso para no caer en el aburrimiento? Bien podrías haber empleado mejor ese tiempo en hacer un largo viaje alrededor del mundo o iniciarte en deportes menos suicidas como el parapente o el salto bungee.
Nunca tan bien citado aquello de “cuando no hay nada que decir, es mejor no decir nada", que nunca me canso de afirmar, pero ahora lo hecho, hecho está, y ahora yo debo lidiar con este “Under cover” tuyo, que todavía sigo eructando como una lasaña en mal estado.

A ver… No es que hayas desfigurado las canciones ni reinventado las mismas. Nada de eso. No hiciste más que interpretarlas robóticamente, sin ningún sentimiento, ni ganas, ni fuerza, ni pasión. Y es que acá, en tu álbum de versiones, no ocurre nada trascendente. Y eso es lo imperdonable. Sigues teniendo esa voz tan chirriante y opiante que funcionó con mágica destreza en Black Sabbath y en tus obras solistas de metal clásico, pero que hace agua en estos temas, mucho más apropiados para otra clase de cantantes, y que contribuyeron sólo a satisfacer las voraces ansias de acumulación de capital de tu mujer, la insaciable Sharon.

No te bastó con hacer el ridículo en tu reality para la maligna MTV, un grotesco que luego perpetuaron tus colegas Gene Simmons, para la cadena A&E, y Brett Michaels, para VH1, y que algún día podría continuar el Pato Fontanet en el penal de Sierra Chica, pero para el Animal Planet.

Tu disco es aún más indecente y artificial que "In a metal mood", de Pat Boone, y no te deja precisamente un mal sabor en el paladar. No, no, no. Te brinda sobrados motivos para iniciar acciones legales al dueño de la disquería por no haberlo prevenido a uno de su perfidia. No quieras saber lo que te depararía a ti si te tuviera a mano. Tu bien ganada fama de “padrino del heavy metal” se ha desgranado sin remedio, haciéndote ver como un tísico “ahijado del bubblegum”, y tu prestigio de “príncipe de las tinieblas” se ha disuelto en gotitas de bilis, transformándote en un “lacayo de mañanas campestres”. Ya lo ves: la cabeza que le arrancaste con los dientes a aquella pobre paloma no sirvió de nada; tampoco aquel joven canadiense de 19 años que se suicidó escuchando un tema tuyo.

No todo lo que tocas se vuelve oro, Ozzy, porque no eres el rey Midas, ni mucho menos; más bien diría que tu disco es pura pirita, el “oro de los tontos”. Una nutrida lista de covers de artistas -que tú dices que te influenciaron en la juventud- pasa arbitrariamente por el reproductor sin que uno salga de su asombro. Decadentes e inútiles versiones de “Rocky mountain way” (Joe Walsh), “In my life” (The Beatles), “Mississippi queen” (Mountain), “Go now” (Moody blues), “Woman” (John Lennon), “21st. century schizoid man” (King Crimson), “All the young dudes” (David Bowie), “For what it's worth” (Buffalo Springfield), “Good times” (Eric Burdon), “Sunshine of your love” (Cream), “Fire” (Arthur Brown), “Working class hero” (¿Más John Lennon?) y “Sympathy for the devil” (Rolling Stones) conforman un paquete más adecuado para ser utilizado por la ETA que para refugio de un nostálgico desesperado. Y como si fuera poco, la versión dual disc incluye “Changes”, original de Sabbath cantado a dúo con la inútil regordeta de tu hija Kelly, de profesión ‘nena de papá’, y “Dinner with Ozzy”, un “mocumental” en el que, a pesar de repetir la palabrita “fuck” todo el tiempo, te ves como una rara mezcla entre el "Drácula" de Gary Oldman y la señora Mirtha Legrand.

Permíteme ahora una justa invocación:

Señores directivos del sello Epic,

señora manager Sharon Levy,

señor ingeniero de grabación Bruce Sugar,

señor productor Mark Hudson,

señor guitarrista Jerry Cantrell,

señor baterista Mike Bordin

señor bajista Chris Wyse

y tú mismo, por supuesto:

¡VÁYANSE TODOS A LA RAMERÍSIMA MATRONA QUE LOS CREÓ!

Las malas acciones se pagan en vida, Ozzy, y desde esta columna te conminamos a que pidas perdón por esta roña musical, teniendo la hombría de subirte por tus propios medios a un cohete que te lleve directo a Neptuno. Quizá te entusiasmes haciendo versiones de himnos de esas latitudes y no vuelvas por un buen tiempo a este planeta, so pena de ser apedreado (¿reality mediante?) en la plaza pública que Sharon (¿quién otra?) indique. ¡Por la dignidad de los autores que aquí deshonraste! Y no me vengas a hablar de “Black rain”, lo que me daría kilómetros de argumentos para seguir flagelándote sin piedad.
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Síntesis: Si te encanta este álbum, podrías colaborar con Sharon en sus próximos proyectos para Ozzy: un disco de valses peruanos, cien Ozzfests más, o la enésima reunión de Black Sabbath (en formol) para su 50º aniversario. Todo vale con tal de que la caja registradora siga tintineando.

Más lacrimógeno que un telenovelón venezolano, más cursi que un libro de Corín Tellado y más falso que un álbum en vivo de Milli Vanilli, este dueto onda "complejo de Electra" me ha producido una urticaria que no se me quita con nada. Espero que a ustedes no les suceda lo mismo. Por las dudas, no lo vean más de treinta segundos.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Down to Earth" (2001), "Black rain" (2007) ó "Scream" (2009).
ANTIDOTO: "Blizzard of Ozz" (1980).

SEPULTURA - Against

2009-07-27T12:06:00.013-03:00

Todos sabemos que hay un antes y un después de 2001, tanto en los acontecimientos internacionales como en los vernáculos. Aquel fue un año que nos paralizó en todo sentido. Los norteamericanos conocieron la vulnerabilidad y los argentinos padecimos la impotencia. Y muchos culparon a Dios y a María Santísima por los cambios globales, mientras unos pocos atribuíamos la crisis a un disco: “Nation”, de los brasileños Sepultura. ¿O me van a decir que los hermanitos Cavalera y Domingo Cavallo no son allegados? He ahí el nudo de mi teoría terminal.

¿Pudo un mísero álbum de pésimo thrash desencadenar tanta penuria y sufrimiento? ¿Pudo este disco nocivo ser causante de pobreza, hambruna, abuso, falta de amor, racismo, guerras, plagas, sequías, malos gobiernos, envidia, avaricia, prostitución, maltrato a mujeres y niños, vejación de la naturaleza, consumismo desmedido, violencia familiar, traumas, caza indiscriminada de animales, interés sólo por el dinero, excesivo materialismo, inescrupulosidad religiosa e indiferencia, como nunca antes se había experimentado? Ciertamente, no. Pero si a partir de ese momento todos nos hubiésemos dejado seducir por el mal camino artístico que se inició con esta obra devastadora, de seguro habríamos transitado con él la más aceitada autopista hacia el Apocalipsis.

“Nation” fue la consagración de la decadencia de Sepultura, pero, así y todo, no fue su peor disco. El germen de todos los infortunios vio la luz tres años antes, en 1998, y se llamó “Against”. A decir verdad, no hay demasiada diferencia en materia de pavor entre ambas aberraciones, pero éste se lleva las palmas al desastre artístico, y de eso se trata nuestra columna, ni más ni menos, y no de analizar los desaciertos de la Humanidad.

¿Dónde estaba Max Cavalera en 1997? ¿Riéndose de su hermano Igor, a partir de su alejamiento de la agrupación para formar la mediocre Soulfly? Pues, ¡vaya ocurrencia! La que trajo al inoperante moreno yanqui de Derrick Green, y con él, toda una sucesión de desastres prescindibles, en los que se mixturaron thrash raquítico con hardcore improcedente, y esa clase de obras conceptuales fermentadas que aburren hasta producir calambres en la quijada.

Algunos breves tópicos a considerar:

Tendrían que haberse cambiado el nombre luego de la partida de Max. No deberían haber contratado a Green. Cuando no brama como un amputado, Green grita como si no tuviera dientes. Green apesta a Korn. Green es un simple nicho. ¡Max era la sepultura!

La música carece de fuerza. Cada canción es una burla a la siguiente. Las letras adolecen de inspiración: “see your brain, watch it drain, see your greed, watch it breed”. Yo digo que se logran mejores rimas en un Kindergarten. Los ritmos tribales se redujeron a la par de la foresta amazónica. La colaboración de Jason Newsted en el tema “Hatred aside” es sólo tolerable. “Against” es el único número a rescatar del desbarajuste reinante y no hay nada más que agregar a esta gelatina light deprimente.

Duda existencial I: ¿Para qué se editó este álbum?
a. Para defender los derechos de los jíbaros... – Frío, frío.
b. Para cautivar el morbo de Stephen King... – Tibio.
c. Para engrosar las arcas de sus miembros... – Caliente.
d. Para demostrar que están más cerca de un escenario que del asilo... – ¡Se quemó!

Para todo aquel que quiera iniciarse en este grupo, corra a comprar “Beneath the remains” o “Chaos A.D.”. ¡Nunca esto! ¡Jamás! Con este trabajo, Sepultura se sepultó a sí mismo.
Pero no serían las únicas veces que esto le sucedería a la banda de Belo Horizonte, pues la misma fatalidad se perpetuaría, en 2002, con “Revolusongs” –EP por entero conformado por versiones–, en 2003, con “Roorback” –una muestra de egolatría para ser botada al cesto más cercano– para terminar de coronarse en la actualidad, con el flamante “A-Lex” -una obra conceptual basada en… “La naranja mecánica” –.
¡Cuánta obviedad! ¡Y después llaman “gordos” a los dirigentes matones de la CGT! Estas son las verdaderas paradojas: las flaquezas de gente obesa por tanta riqueza. Hoy en día, Sepultura no tiene un solo Cavalera en sus filas. Entonces, ¿para cuándo la reunión?

Duda existencial II: ¿Por qué se publicó este disco?
a. Por amor al arte... 4,5%
b. Por amor al amor... 9,3%
c. Por amor al dinero... 23,0%
d. Por amor al pedo... 64,2%

- ¡Ey! Nos sobra un 1%...
- Claro... Es para “adornar” a revistas y sitios como Headbangers, Metallerium, Zero Tolerance, Metal Hammer, Outburn, Heavy Rock, Amazon, Decibel, Hails and Horns, Metal Maniacs, Revolver, All Music, Subterranean, Kerrang!, Terrorizer y demás pasquines y paginillas, más o menos corporativas, para que escriban bien sobre ellos.
¡Al diablo, señores! Los Peores Discos no se amilanará cuando se trate de denunciar abusos como “Against”, y continuará, a como dé lugar, con su noble tarea de separar el trigo de la paja.
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Epílogo: Si amás este álbum, estás listo para aniquilar al género humano. Pero si amás al género humano, estate listo para aniquilar este álbum.

A Sepultura, el hardcore le queda tan cómodo como un reggae a Marduk. Vean si no, este clip en vivo del tema "Against".

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Nation" (2001), "Roorback" (2003) ó "A-Lex" (2009).
ANTIDOTO: "Beneath the remains" (1989).

GALERIA: Más artistas humillados en este blog

2009-07-20T15:26:00.001-03:00

RED HOT CHILI PEPPERS - Red Hot Chili Peppers

2009-07-18T13:28:00.016-03:00

- ¿Sabés qué sucede cuando les suministras depresivos a Fishbone?
- No sé.
- Lo mismo que cuando les das anfetaminas a Village People.
- ¿Qué?
- ¿Qué pasa?
- A vos te pregunto, bolas…
- ¿Qué pasa con qué?
- Vos, tarado. Dijiste no sé qué gansada de Fishbone y Village People.
- Ah, sí. El álbum debut de Red Hot Chili Peppers. ¿A quién le toca?
- A mí. Estoy pensando. Che, ¿y qué hay con eso?
- Nada. Pensá tranquilo.
- Quise decir… ¿Por qué comparaste eso con los Peppers?
- No. Yo dije “el álbum debut de los Peppers”.
- ¿Y qué diferencia hay con los otros?
- Hay.
- Si son todos ‘una cagada’.
- No. De cada disco podés rescatar varios temas.
- Ja, ja. Vos sos el que se tiene que rescatar, mono.
- Me podés pasar el coso ése de una vez. ¿Qué te pensás que es? ¿Terapia?
- Sí, chabón. Está bien.
- Bueno, te decía que el debut de los californianos es un hondazo en los genitales.
- ¿Por qué ése y no cualquier otro? A mí me parece una banda muy hinchapelotas, siempre haciendo lo mismo. Hay tres discos que me van: “Mother’s milk”, “Californication” y “Blood sugar sex magik”, que son buenos, pero, por ejemplo “By the way” y “Stadium arcadium” son aburridísimas fotocopias de los que te nombré. Éste que vos comentás ni sabía que existía.
- Porque sos un gil que sigue a la masa. Tus únicas fuentes de información son Taringa y el Rincón del Vago.
- Callate, no exagerés. Y pasame el coso, que hace como tres horas que lo tenés.
- Eh, si recién me lo diste. Bueh, mirá, la cosa es así. Flea era demasiado joven y da la impresión como que, de tanto saltar, se dio la cabeza contra el techo del estudio. Anthony Kiedis canta horrible, es como si fuera otro tipo, no sé, tipo Chuck Mosely.

- O el mono Navarro Montoya.
- No es para tanto.

- Loco, ahora me vas a decir que no era una propuesta original para 1984…
- Podés ser todo lo original que quieras, pero tenés que presentarlo bien en tu primer lanzamiento. Este funk suena feo, inmaduro, mal ecualizado, mal masterizado, mal tratado, mal parido, maldito, mal todo.
- Estás como loco, man.
- Vos escuchame. Sólo zafan dos temas, “Get up and jump” y “Police helicopter”, que tienen el estilo de sus futuros éxitos, pero lo demás naufraga en una isla desierta poblada sólo por ladillas hambrientas. El violero Jack Sherman toca como si estuviera matando coyotes en otro estado y Cliff Martínez parece estar despidiéndose todavía del Captain Beefheart. La propuesta no fragua nunca, a pesar de las buenas intenciones.
- Muchos sostienen que “By the way” es el peor disco.
- No, es éste. Che, ¿me das el coso que me toca a mí? Uy, mirá quién viene ahí...
- Es Mecko. Ése sí que la tiene clara.
- Sí, aunque últimamente dicen que está más predecible que recital de Keane. Vas a ver que te dice “ese disco es una mierda y si lo comprás sos un idiota”.
…
- ¡Mecko! ¡Vení, loco! Acercate un toque.
- Hola, ¿cómo están?
- Muy bien. Escuchame. Estábamos filosofando sobre Red Hot Chili Peppers. ¿Vos qué opinás?
- Que tienen varios álbumes.
- Hablábamos del primero.
- Ese disco es una mierda y si lo comprás sos un idiota.
- ¿Así de cortita? Ja, ja.
- El resto ya lo habrán parloteado ustedes.
- Pero era tu opinión la que queríamos. Nosotros sólo estábamos boludeando.
- ¡Tal cual! Cuando los Peppers lo grabaron, también estaban boludeando.
- Ah…
- Bueno, chau, chicos. Me tengo que ir.
- ¿Ya te vas? Ok, capo… gracias.
…
- Me dejó con un mal sabor en la boca.
- Siempre hace lo mismo. Te lo dije.
- Dejalo, si sigue así se va a hundir en su propia caca.
- Dale, pedí la cuenta. Y pasame el coso, que me toca a mí.
- Flaco, ¿cuánto te debemos?
- Serían 45 pesos.
- Está bien, pero… ¿cuánto es?
- Dije… serían 45 pesos.
- Ok. Vos me estás hablando de una posibilidad. ¿Ahora me podés decir cuánto es en realidad?
- ¡Ey! Me parece que se están pasando de la raya, pendejos. Les dije que son 45 pesos. ¿Qué son? ¿Retardados?
- No, vos dijiste “serían” y eso es tiempo potencial futuro. Una probabilidad.
- ¿Van a pagar o no?
- ¿Sabés por qué decís “serían” en lugar de “son”, como debería ser? Porque eso lo inventó la gente de McDonald’s para que a la hora de sacarle la plata al cliente sea menos compulsiva la situación y, a partir de ese momento, todo el mundo lo adoptó.
- ¿Te das cuenta que la gente cada vez habla peor?
- Páguenme, carajo.
- Dale, pagá y vamos.
- Sí, mejor nos vamos de este sitio inculto.
…
- Caminemos…
- ¡Che, nos dejamos el coso en el bar!
- No te creo. Tenemos que volver. Sin eso no somos nada.
n
Conclusión: Lo que estos chicos se olvidaron en el bar bien podría ser un PSP, un tamagotchi o un cubo mágico, tanto da. En realidad es mi homenaje a los que enferman a la gente diciendo todo el tiempo “coso” en lugar del nombre del objeto aludido.
Ah, me olvidaba (y perdonen que sea reiterativo). ¡Este disco es una mierda y si lo comprás sos un idiota!

El clip original de "True men don't kill coyotes". Si en lugar de entrenar tanto para el salto en alto los Peppers hubiesen dedicado ese tiempo a hacer un buen disco, esta nota jamás habría existido.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: no hay.
ANTIDOTO: "Mother's milk" (1989).

STEVIE WONDER - With a song in my heart

2009-07-10T10:56:00.019-03:00

Vísperas de la Navidad de 1963, en Concordia, Provincia de Entre Ríos. Waldo se había casado con Atenea, su amor de secundaria, y gozaba de una existencia próspera y plena. Todas las noches, al regresar del trabajo, cenaban juntos lo que ella había preparado con notorio esmero. Jamás faltaban flores para su linda esposa y ella nunca escatimaba esfuerzos en satisfacer a su marido, prodigándole todo tipo de atenciones y mimos, cimentando así una rutina agradable que transcurría entre besos, piropos, algún leve descaro, insinuaciones y el cumplimiento siempre placentero de sus deberes maritales.

Waldo amaba la buena música de su época y había tomado por costumbre sorprender a su cónyuge con un bello long-play cada fin de semana, pese a que Atenea no era precisamente una fanática de la melomanía, no obstante, sabía sobrellevar el momento de la mejor manera. “¿Cuánto puede durar un LP? ¿35 minutos?”, decía ella siempre, medio en broma, pero cuidándose de no herir la sensibilidad de su marido.

Waldo se desvivía por introducir a su mujer en el disfrute musical, y para ello se dejaba asesorar por Osvaldo Marchesini, el erudito dueño de una disquería del centro de la ciudad, adonde Waldo iba en busca de novedades de música popular. Don Osvaldo le recomendaba éste o aquel disco que Waldo se hacía envolver sin titubear. Así pasaron por el domicilio del matrimonio las Ronettes, Lee Hazlewood, Nat King Cole, Solomon Burke, Johnny Cash, The Ventures, Roy Orbison, Bill Cosby y otros astros del firmamento pop, que deleitaban el alma de Waldo, y conformaban, por así decirlo, los piecitos danzantes de Atenea. Ésta, mucho más afecta a las novelas históricas, hacía ver a su esposo como que estaba pasando un momento delicioso, cuando en realidad… ejem… a decir verdad, tampoco era que estaba padeciendo frente a la Inquisición.

Cierto día, Waldo, creyéndose ya más versado en el asunto, pasó por la tienda de discos indagando sobre el sello Tamla Motown (emblema del soul y el rhythm & blues), a lo que Don Osvaldo le sugirió llevarse “That stubborn kinda fellow”, de Marvin Gaye, una joven promesa negra de la citada discográfica. No convencido, Waldo preguntó por otro álbum que se hallaba semioculto detrás de un tocadiscos en desuso. “No, no, ése es para devolución”, le comentó Marchesini, “pues nadie lo quiere”. Waldo, luciendo cierta picardía en el rostro, pidió que se lo entregara igual, aduciendo: “Que el veredicto lo dé mi mujer. Envuélvalo, pero para regalo de Navidad”.

De regreso a casa en taxi, Waldo recordaba la reiterada frase de Atenea, “¿cuánto puede durar un LP? ¿35 minutos?”, riéndose para sus adentros, mientras le echaba una ojeada al flamante disco adquirido. Lo que no imaginó es que serían los 35 minutos más escalofriantes de su vida. Casi finalizando el lado B del álbum “With a song in my heart”, de Stevie Wonder, Atenea sufrió una metamorfosis que transformó su perpetuo rostro resignado en otro de alarmante aspecto sicótico. Se levantó del sofá, arrancó el LP de la bandeja giradiscos y con éste en mano, comenzó a destrozar cuanto plato, cuadro, espejo y adorno encontró a su paso. Más tarde, golpeó a su marido con un atizador hasta que el pobre, como pudo, salió de la casa arrastrándose del dolor.

Waldo y Atenea fueron el primer matrimonio separado en la historia de Concordia. Habían estado juntos por… ¡siete meses!

Esta historia es ficticia, claro está, pero sus consecuencias no están lejos de lo que realmente podría ocurrir si uno no toma en serio los efectos que desencadena este vinilo.

Este disco es más aburrido que una partida de ajedrez por radio y más inaudito que una licenciada en trabajo social de derecha. Stevie, el genio del soul que el mundo admiraría años más tarde por gemas como “Songs in the key of life” o “Innervisions”, tenía sólo 13 años cuando se editó este despropósito. Berry Gordy, presidente de Tamla Motown, le hizo cantar, al mejor estilo crooner, estándares de swing y smooth-jazz con orquesta sinfónica, lo que le quedó al novel artista más desubicado que morrón en clericó, máxime cuando éste estaba en plena etapa de cambiar la voz. Hay momentos que producen angustia cuando Wonder intenta alcanzar notas muy altas, pareciéndose demasiado a una Doris Day con gripe aviar. Esto se hace evidente en números como “Make someone happy” o “Dream”, siendo “With a song in my heart” la única excepción en la que el intérprete no hace el ridículo. En suma, un error garrafal en materia de sentido común.

Cuenta un viejo chiste de la época que reunir a Stevie Wonder y Ray Charles para un concierto de piano a cuatro manos sería un riesgo enorme, pues el primero mueve su cabeza lateralmente y el segundo, asintiendo. Podría haber un choque de cráneos monumental y el recital acabaría en catástrofe.

Epílogo: No intentes agasajar a tu pareja con este álbum, porque tendrías que abandonar tu casa, no “con una canción en el corazón”, sino con un horrendo disco en el traste.

Y sigo comparando. Este disco tiene menos onda que bandera de chapa y es más inservible que asiento eyector de helícóptero. Y el intérprete, que posee menos visión que un muerto boca abajo, nos regala esta abominación, más pesada que muestrario de yunques y más seca que toalla de sacerdote azteca.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Tribute to uncle Ray" (1962), "Stevie at the beach" (1964) ó "Eivets Rednow" (1968).
ANTIDOTO: "Innervisions" (1973).

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB - The effects of 333

2009-07-01T11:59:00.012-03:00

Siempre afirmé que está muy bien eso de experimentar, porque expande la mente, enriquece el espíritu, favorece la circulación, abre el apetito, ayuda a evacuar y lubrica los genitales. Pero también hay que entender que la experimentación es un riesgo, y como tal, se debe efectuar con cuidado, so pena de perderlo todo en el intento, y que la sangre se espese, los oídos se llenen de copioso betún industrial, el cerebro se comprima y los huesos se vuelvan quebradizos, porque si éstos son “los efectos del 333”, ni quiero imaginar lo que podrían ser los del “666”. (El doble, claro. ¡Qué tonto!)

Los Black Rebel Motorcycle Club realizaron dos notables álbumes primales que recuerdan mucho a los primeros Jesus & Mary Chain, Ride, algo de The Doors, My Bloody Valentine o The Stooges, abundantes en pasturas garageras y sicodélicas, virando el sonido a propuestas más bluseras y folk en su tercer intento. Su cuarta entrega promedió los conceptos de las tres predecesoras, dibujando un interesante folk rock con sabias dosis de distorsión. No sé si es factible considerar esta obra de 2008 como la quinta de este valioso trío de San Francisco, siendo que se trata de un intento de emular a Lou Reed, generando su propio “Metal machine music”, lo que ya es decir mucho en materia de irritación.
“The effects of 333” fue editado en forma independiente, con el único auspicio del blog de My Space del grupo, y se puede adquirir únicamente por la vía del download. ¡Y vaya si tiene lógica esto!

El disco desconcierta, turba, altera, trastorna, inquieta y aturde las cadenas de ADN de cualquier mamífero racional, dejándolo postrado por varias horas hasta descubrir el porqué de tanto martirio al divino botón. Pero no crean que este desconcertante trabajo se trata sólo de acoples y absoluto ruido, pues existen al menos dos números con guitarras sonando, pese a que éstas desaparecen pronto. ¿Y la música? Olvídense, porque no la hay, ya que todo el resto del material que nos ofrecen Been, Hayes y Shapiro es puro garabato abstracto de shit ambient y noise continuo, sin una molécula de ritmo o estructura armónica. Agregado a esto, hay naves espaciales que despegan todo el tiempo, radios mal sintonizadas, y clara intención de crispar al oyente; por carácter transitivo, un atentado al propio sello discográfico Abstract Dragon.
Esto es algo común en artistas auténticos de ese estilo, pero para una banda de indie-rock constituye toda una peripecia suicida. Es que el resultado final es demasiado árido como para no desear que aparezca en medio del desierto al menos medio acorde de algún track de “Howl” para paliar este embauque metasonoro.

Asimismo resulta desaconsejable una escucha de este álbum en estado canábico, puesto que se comerán el peor viaje de sus vidas. Percibirán imágenes angustiantes de ambulancias estrepitosas, barbas de choclo disecadas, ciénagas con papel picado, calvicies prematuras, pantallas azules, hormigón azucarado, frutas de estación, vía muerta, calle con asfalto siempre destrozado, tren de carga, el humo y el hollín están por todos lados, hoy llovió y todavía está nublado. Amén de otras tantas gansadas que me niego a relatar, pues la mayoría de mis lectores de Fotolog o Facebook no gastan ni un triste minuto de sus atareadas vidas en examinar estas líneas. ¿Quieren hacer la comprobación? Pues bien, los que realmente leyeron esto, citen en su comentario la palabra “moco”. Verán cuántos lo hacen…

Para ellos, las aves de paso, va esta especial noción del disco: Без всяких сомнений, одной из ключевых фигур 2008 года в музыке стал Трент Резнор. Правда, прежде всего запомнилась даже не музыка, а невероятная активность и продуктивность лидер, выпустившего в течении короткого периода времени сразу альбома. Причём первый из них инструментальные экзерсисы аж в частях. Возможно, Резнор открыл ящик Пандоры и теперь каждый музыкант сочтёт своим долгом выпустить свои студийные эксперименты, на которые никогда не позарились бы рекорд-лейблы. “The effects of 333” – это инструментальных эмбиент-вещей, в которых невозможно опознать гитарных героев BRMC.

A los fans de esta agrupación les prevengo que para disfrutar de este fastidio deben quitarse sus acostumbradas vestimentas de bluejeans, camisas negras y camperas de cuero, para reemplazarlas por trajes de polipropileno naranja, con algún toque de plumas de avestruz y apliques de bronce con cuero de antílope previamente ametrallado.
Además, sería bueno que se enteren estos chicos californianos que si queremos escuchar ambient vamos a ir a las propias fuentes del género, es decir, a The KLF, Pan Sonic o Pierre Schaeffer, pero sobre todo a lo mejor de Aphex Twin o el “Absynthe”, de Naked City. ¡Nunca a estos principiantes de ocasión!
n
Síntesis: Hay mucha gente en estos días por la calle usando barbijo. Si amás este disco es porque sos de los que interpretan que le están haciendo un homenaje al finado de Michael Jackson.

No existe ningún video en You Tube acerca de este disco. Menos mal...

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: no hay.
ANTIDOTO: "B.R.M.C." (2001).

ABBA - Ring ring

2009-06-24T17:26:00.014-03:00

¿Alguien puede darme la pauta de por qué estos suecos son la banda más homenajeada y, a la vez, más parodiada de la historia? Nadie escapa a ese encanto, capaz de movilizar a encarnizados detractores y de emocionar a trillones de adoradores. Ellos representan un fenómeno que nadie puede ignorar.

Los nombres de Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus, Benny Andersson y Anni-Frid (Frida) Lyngstad formaron el acrónimo “ABBA”, un mote que, al principio, les trajo problemas con una empresa marisquera que, al cabo de unos años, terminarían comprando. Estos dos matrimonios ganaron fama mundial empleando melodías pegadizas, arreglos delicados, letras sencillas y un sonido propio, debido a las armonías de las voces femeninas y el clásico "muro de sonido" estilo Phil Spector. Al crecer su popularidad, el grupo viajó por todo el planeta, al mismo tiempo que se ocupaba de sus familias, soñaba en sueco y grababa álbumes en inglés.
¡Nada más enternecedor! Sus canciones tuvieron un gran impacto, no obstante, en la cima de la popularidad, ambos matrimonios se disolvieron y los cambios en sus relaciones se reflejaron en letras más complejas y composiciones más pretenciosas, que ya no agradaban ni al hijo monaguillo de una maestra jardinera. El grupo experimentó un declive remunerativo y finalmente decidió tomarse un descanso temporal, que se extendió indefinidamente. Pese a esto, permanecieron fijos en las listas radiofónicas y aún hoy continúan vendiendo tres millones de discos por año. Su música fue versionada por artistas de los más diversos estilos y es la base del musical “Mamma mia!”, un suceso inusitado de taquillas.

Pero hubo un tiempo en que estos simpáticos escandinavos, en concordancia con su origen nórdico pagano, fueron una despiadada y desalmada banda de gore-metal. Tiempos en los que muy lejos estaban de entretener a las abuelitas, madres e hijas de familias tipo. Frida salía a escena aullando semidesnuda y blandiendo un trozo de carne en descomposición, y una vez arrodillada, metía su puño en la intimidad de Agnetha, quien no se quedaba atrás. La rubia diablesa, no menos desabrigada, escupía su odio y hacía gestos obscenos al público, incitando al caos y la rebelión. Desgañitaba su garganta, peor que Angela Gossow, de Arch Enemy, vociferando con voz gutural consignas que harían palidecer a un Devin Townsend. Benny, tras incendiar su piano cubierto de púas, pintarrajeaba con spray rojo los graffitis más blasfemos sobre el tétrico telón negro, mientras estimulaba a Björn para que orinara a los fans más cercanos al escenario. Nadie podrá olvidar sus fulminantes solos guitarreros de ultratumba, de un volumen ensordecedor, que dejaban pasmado al auditorio. Sí, tiempos que mejor sería dejarlos en el olvido, pero que, sin embargo, dieron la perfecta excusa para que la banda se pasase rápidamente a las filas del euro-pop.

Bueno, ahora, en serio...
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El grupo estaba dando sus primeros pasos, perdido en una nebulosa de confusión, buscando lograr su primer hit fuera de la Madre Patria. Así nos encontramos frente a una muy amateur obra que devino en su debut, “Ring ring” (1973), un fracaso en materia de arte, pero no así de ventas locales.
Para empezar, el álbum posee una rareza, que es “Disillusion”, único tema firmado por Agnetha en toda su carrera, y que pudo haber sido un título mucho más adecuado para este disco que “Ring ring”, un temita tan tarado como cualquier reflexión de Iván de Pineda. Aquí reina un desconcertante estilo bubblegum tomado a la chacota (“He is your brother”) y algo de pésimo rock tirado a la marchanta (“Rock and roll band”), basado en los deshechos de los conjuntos que Benny y Björn habían liderado en los 60s.
El otro trauma resulta de las fracasadas vocalizaciones masculinas, que, por suerte, no se repitieron en el futuro. "Me and Bobby and Bobby's brother" y "I saw it in the mirror" son cucharadas de almíbar que se escurren en la boca de Silvia Süller, mientras que la agusanada letra del pegadizo "Nina, pretty ballerina" nos hace sentir que estamos comiendo unas divertidas albóndigas, envueltas en papel higiénico de doble hoja.

Su segundo disco, “Waterloo”, fue otro papelón (igual que el de Napoleón en 1815) que tampoco cuajó en las listas de varios países europeos, a pesar de lo cual, lograron imponerse en el Festival Eurovision 1974. El triunfo definitivo llegaría recién con su tercera placa, “Abba”, con la que forjarían aquella fórmula mágica que los llevaría a ser la agrupación más vendedora de la historia de la música popular, totalizando la friolera de ¡450 millones de discos vendidos!
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Conclusión: Todavía hay gente que sostiene que ABBA es una basura comercial. Pobres diablos que siguen creyendo que el rock es rebeldía y revolución y que el pop es pura banalidad. Un éxito lo tiene cualquiera, pero ser una banda transgeneracional no es moco de pavo. Acá hubo genialidad. ¿Qué clase de mentecato se animaría a negarlo?
¡Yo, Mecko!

Clip en vivo de "Ring ring". De izquierda a derecha: León Gieco, Raúl Padovani, Susú Pecoraro y Virginia Da Cunha. Esto no es ABBA. Estos son los Tios Queridos de incógnito o The Mama's & the Papa's del Torneo Argentino B.

OTRO EJEMPLAR DEL MISMO TENOR: "Waterloo" (1974).
ANTIDOTO: "Arrival" (1976).

PANTERA - I am the night

2009-06-10T15:40:00.021-03:00

Elegí “I am the night” (1985), pues quería darles a estos tejanos racistas una tercera oportunidad. Tampoco era cuestión de crucificarlos de entrada, en su mismísimo debut “Metal magic”, o en el posterior vinilo “Projects in the jungle”, aunque motivos no me faltaban. ¿Era necesario esto? ¿Qué culpa tiene la Humanidad de que existan estos tres discos infectos? Ahora me doy cuenta de que no merecían ninguna chance; no hasta el recambio de vocalista –“Terrence Lee” Glaze por Phil Anselmo- que se produjo recién en su cuarta placa. No hubo ideas rescatables en sus primeros trabajos, más dignos de un fondo para lucha libre que del sagrado arte de componer y difundir metal, y calculo que nadie podrá discutir esto, ya que Pantera, por esos años, era una banda de cabotaje, y su nefasto repertorio de pésimo glam-rock alimentaba los gérmenes y moscas que suelen sobrevolar este prototipo de desperdicio conceptual. Adulteraciones del tamaño de un quintal de mala leche condensada corrompida quiebran los códigos más elementales de convivencia en el planeta que uno habita, donde se tiene la desgracia de compartir oxígeno con estos vaqueros machistas y xenófobos de séptima categoría. ¡Ni que sobrara el precioso gas en estos tiempos!
Este álbum, último en que cantó el ñoño de Glaze, surgió de la reincidencia de unos sujetos muy neófitos indagadores de la deposición ajena, y contiene litros de bilis pestífera, contaminando todo hasta lo inconfesable. Cómo será el estigma vergonzante de ésta y las otras obras infernales, que la banda no las reconoce como válidas y ni siquiera las menciona en su sitio web oficial.
De todas ellas, ésta es la peor, ya que hiede a desesperación, a fracaso rotundo, a manotazo de ahogado, a confesión apócrifa arrancada por la CIA, a error sistemático y recurrente, es decir, a verdadera m-i-e-r-d-a, sin más vueltas. ¡Para qué andar con eufemismos!

A riesgo de perder el sentido por tanto olor a vómito y orín que destila este insulto a la música, voy a tratar de adentrarme en esta letrina auditiva para desinfectar lo que más pueda. Sepan disculparme si me desmayo en el ínterin.

Cansados de no saber qué dirección tomar en el estudio, los hermanos “Dimebag” Darrell y Vinnie Paul Abbott se encerraron en el interior de un camión recolector de basura e intentaron componer (reciclar) algo más que las atrocidades que ocuparon sus dos primeros intentos desgraciados. Les salió un producto 3,3% más digno que “Metal magic” y 2,4% más inteligente que “Projects in the jungle”, pero 99,1% menos relevante, pues al menos éstos son intentos germinales que podrían despertar la curiosidad de un proctólogo, en cambio “I am the night”, siendo una obra más definitiva, merece mucho más escarmiento, pues se cae de maduro que al tercer álbum cualquier banda que se precie detenta la experiencia suficiente como para no cometer más burradas imperdonables.

Prueben hoy mismo, antes de sacar la bolsa de desperdicios a la calle, oler profundamente en el interior de la misma. ¿Asqueroso, verdad? Esa es una leve impresión sólo comparable a escuchar incontinencias de la calaña de “Daughters of the queen”, “Right on the edge”, “Forever tonight” y “Down below” (regrabada luego por Anselmo para el álbum “Power metal”). Si lo desean (no es obligatorio) pueden salvar de la bolsa únicamente los riffs de “Hot and heavy” y “Come-on eyes”, pero arrojen el sobrante al cinturón ecológico.

Ya desde su portada felona, verdadero homenaje al esfínter, este disco puede contagiarles toda clase de enfermedad mental, al punto de que terminarán babeando en un mugriento neurosiquiátrico estatal, y ahora que el electroshock ha sido desterrado de las prácticas médicas, bien podrían considerar los hombres de blanco esta nueva idea de tratamiento. Perderán el criterio, la cordura, el juicio, el discernimiento, y rodeados de insanía, acabarán rugiendo como Eddie en “Piece of mind”. Y no les pido que husmeen los temas de “Metal magic” y “Projects in the jungle”, pues entrarán en un coma 4 que los sumirá en un estado vegetativo del que no lograrán recuperarse, amén de la pérdida de todas las funciones vitales, paro cardiorrespiratorio, supervivencia sólo a través de medios mecánicos, cuando no una parálisis midriática y muerte cerebral por autólisis.

Esto no es Pantera, y si lo fuera, sería la Pantera Rosa o una afamada marca de peines. Por eso, sigan mi recomendación: Todo intento de indagar en este grupo debe circunscribirse exclusivamente a la etapa que va desde “Power metal”, y las siguientes obras maestras de groove-thrash-metal “Cowboys from hell” y “Vulgar display of power”, hasta la separación definitiva, en 2003. Una trayectoria que poseyó sus altibajos, pero que, por suerte, no reincidió en el descarrío de su etapa primal, de la que aconsejo, sugiero, ruego e imploro no imbuirse jamás de los jamases.
n
Epílogo:
- ¿Qué hace un perro carpintero de noche?
- No sé.
- Taladrando.
Si te gusta “I am the night”, sos de las personas que hacen este tipo de chistes.

Audioclip de "Daughters of the queen", del álbum "I am the night". Luego de escuchar este tema, pienso que ellas, en lugar de ser las hijas de la Reina, son en realidad las hijas de la Pavota.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Metal magic" (1983), "Projects in the jungle" (1984) ó "Power metal" (1988).
ANTIDOTO: "Cowboys from hell" (1990).

LUIS ALBERTO SPINETTA - Only love can sustain

2009-06-03T17:38:00.014-03:00

Muchos dirán que este posteo es un número puesto, un cheque al portador y una obviedad, pero no por eso tenía que dejarlo afuera de este espacio. Si bien es cierto que este chasco -reconocido como tal por el propio Spinetta- pasó al olvido raudamente, quisiera recordarles que este sitio no se caracteriza precisamente por su culto al olvido y la impunidad, y, por tal tenor, he decidido desenterrarlo para una merecida segunda autopsia.

Comencemos nuestro ritual profanador con esta frase: “Sólo el AMOR te puede sostener, álbum ignominioso”. Léase: el AMOR de los incondicionales, que todo lo perdonan y suavizan, y el tiempo, que todo lo cura y redime.

A prima facie, y quitando las marcas iniciales de podredumbre, observamos que esta verdadera mácula al público seguidor del "Flaco", que data del año 1980, fue apoyada por una producción sin precedentes, y secundada por un guitarrista legendario como Gustavo Bazterrica (La Máquina de Hacer Pájaros, Abuelos de la Nada y Banda García) y tres prestigiosos sesionistas, que fueron puestos a disposición de este garrafal coqueteo con el mainstream más mustio: el multi-percusionista brasileño Paulinho Da Costa (vean en Wikipedia con quién no tocó), más los bateristas Alex Acuña (Weather Report) y Terry Bozzio (Zappa, Missing Persons, UK). Otros indicios nos señalan que hubo excesos por parte de ciertos productores reconocidos por su labor con estrellas como John Lennon o Frank Zappa, quienes además aportaron una limusina para el traslado de Spinetta desde el aeropuerto hasta el estudio de grabación, amén de una orquesta de cuerdas completa, no sea cosa que la melosidad de este engendro les supiera poco edulcorada.

Definir este disco como soft sería comportarse como el rey de los indulgentes. A su vez, categorizar este álbum como jazz-fusión, sería actuar como un paladín del eterno traspié. Pero unir ambas definiciones sería más inadecuado y pérfido que crear un fotolog tributo al brigadier Agosti o juntar un millón de firmas para que se reúnan los Jóvenes Pordioseros.

Pero el Flaco no es el único culpable de esta calumnia, cuya portada se vería mejor en un comercial de lociones astringentes. Nadie debe olvidar a Gino Vanelli, quien no sólo aportó temas a esta vergüenza, sino que diseñó el sonido y la impronta general de “Only LACK can SUME PAIN”, pues nada aquí suena a Spinetta, pero sí mucho al estilo del caretón incurable de Vanelli, artista asociado a nombres tan rockeros como Herb Alpert o Montserrat Caballé.
El otro gran responsable de esta befa no es músico (aunque él haya insistido en esta postura en demasiadas oportunidades), sino tenista. El siempre sorprendente Guillermo Vilas, según lo indican más irregularidades halladas en este “fiambre”, contribuyó con sus propias “letras”, más dignas de un brochure de suplementos nutricionales que de un disco del más grande prócer de nuestro rock. (Recordemos que el multifacético “Willy” es padrino del rapper Dante... Homónimo.)

El álbum en cuestión se cantó íntegramente en inglés y su preciso objetivo fue la conquista de los mercados yankees de smooth-jazz. Claro está que fracasó atómicamente y que enmarañó las relaciones entre el Flaco y los productores. En Argentina se editó como “Sólo el amor puede sostener” y, como no podía ser de otro modo, la extravagancia fue aborrecida de tal manera, que obligó a Luis a hacer un replanteo urgente de su carrera. Pero no todo fue a parar a la alcantarilla de la indiferencia. De los restos de los agarrotados instrumentales que pueblan esta indigestión sonora, surgió el nombre de la magistral banda que el Flaco desarrolló en el siguiente lustro: “Intermedio Jade (Instrumental)”, es decir, Spinetta Jade.

En cuanto a la trayectoria solista de Luis, la misma tuvo su reivindicación con la edición, en 1982, de su notorio álbum de canciones encontradas “Kamikaze”, y su posterior secuela pop “Mondo di cromo”. Hasta hoy, todas sus obras observaron fielmente la fórmula spinettiana, más tranquila que enérgica, más aburrida que vibrante, pero con mínimos desvíos discutibles, que podrían ser el split con Fito Páez, el intento efímero con Charly García, la participación en el infame “antitributo” beatle, pergeñado por los temibles Durabeat, y la fugaz relación amorosa con una apetecible top model y actriz.
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Conclusión: Para conocer el perfil de un típico entusiasta de este disco de morondanga, sugiero que vean esta foto de John Oates. ¡Cuidado! Les advierto que es algo fuerte. Ah, y, por supuesto, no dejen de investigar cuanta pic exista de Gino Vanelli, para martirio de sus entrañas más sensibles.
Esto es todo por ahora. Nos vemos en otra entrega de “Las mil y una maneras de infringirse un dolor de bolas y no morir en el intento”.

De más está decir que no existe material en video de este disco, por lo que les traigo este fragmento de reportaje hecho por el Bebe "Cantimplori". Si abren sus mentes, percibirán que, de manera subconsciente, el Flaco en realidad está hablando sobre "Only love can sustain".

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: no hay.
ANTIDOTO: "Kamikaze" (1982).

PASATIEMPO: ¡A jugar con los Jonas Brothers!

2009-06-01T13:45:00.001-03:00

Cliqueando primero la foto y luego pasando el mouse por toda su superficie, Ud. podrá zarandearlos, aturdirlos, menearlos, mezclarlos y revolverlos, hasta volverlos locos. En una de esas, a estos hermanos se les aclaran las escasas ideas que tienen y empiezan a hacer algo de buena música.

Water Effect by Crazyprofile.com

THE B-52'S - Good stuff

2009-05-27T11:30:00.006-03:00

- Fíjese que el disco se llama “Good stuff”. “Materia buena”, ¿no? Pero esto no es algo bueno, es patético.
- ¿Podemos concentrarnos en los problemas de su infancia?
- Ya hablamos mucho de eso, licenciada. Además, le dije que mi prioridad esta semana era encontrar una buena razón para cumplir con mis lectores.
- Siempre es lo mismo con Ud. Es incapaz de afrontar sus problemas más acuciantes y, por tal motivo, descarga sus fracasos a través de ese blog suyo, que lo único que enfatiza es su capacidad de ocio.
- Es pésimo este disco, no hace bailar a nadie, sus arreglos son inauditos, paupérrimos. Mire, yo crecí con esta banda. Los vi hacerse grandes, los vi declinar, reunirse, ¡todo!
- ¿Pero de qué banda me está hablando?
- The B-52’s. ¿No se dio cuenta todavía?
- Yo no sé nada de música, pero… ¿me puede decir qué tiene que ver esto con nuestra sesión de hoy? Me parece que no estamos avanzando si Ud se empecina en embarrar la cancha con sus naderías.
- Más embarró la cancha la banda de Athens con esta pequeñez. Su discografía, luego de sus dos primeros trabajos maravillosos, comenzó a tambalearse peligrosamente.
- ¿Por qué no se sienta? ¿Tiene que estar todo el tiempo caminando como gato enjaulado? Me está poniendo nerviosa.
- ¿Sabe lo que pone el sitio Allmusic en la sección ‘artistas similares’? Que se parecen a Talking Heads, R.E.M., The Cramps, The Cars, Violent Femmes, Sigue Sigue Sputnik… ¿EN QUÉ SE PARECEN? ¡Qué sitio tan imbécil! No me extrañaría que esté la Rolling Stone detrás de esto.
- Ja. Ahora la culpa la tienen los Rolling Stones. ¿Podemos concentrarnos en lo nuestro?
- Es una revista, licenciada.
- ¡A lo nuestro!
- Para Ud es fácil. Total, después de mí, vendrá otro chiflado y el mundo seguirá girando. Pero yo tengo un PRO-BLE-MA.
- ¿Uno?
- Miles de dólares gastados en este sancocho. Algo así como comer tallarines con dulce de rosa mosqueta. Aunque, pensándolo bien, no estaría tan mal. En algún restó de Palermo Sensible se lo cobrarían una fortuna, bajo otro nombre, tipo: “Hebras de bosque humidificado al trance austrohúngaro”. Tengo ganas de vomitar. Hacerme esto a mí, con lo que los quería. ¿Qué está anotando? Si me va a escribir la nota de la semana, avíseme.
- Estoy haciendo mi trabajo. ¡Siéntese!
- Como quiera. Mucha gente cree que todo lo que hizo este grupo fue bueno, pero “Mesopotamia” fue un esquivo EP, mal producido por David Byrne, que se salvó de ser elegido para mi review sólo porque en la versión CD le agregaron “Party mix!”, que es un compilado de remixes que me encanta. Que si no… Ahora, éste se zarpa de vulgar. No está Cindy Wilson. ¡Ella no habría permitido esto! ¿Sabe por qué? Porque era la que frenaba la impulsividad de Kate Pierson. Y Fred Schneider… ¡qué triste! Intentando buscar un hit como sea. Como Fidel Nadal: siempre con rumbo incierto y ahora desesperado de dinero.
- ¿De qué año es este disco, Mecko?
- 1992.
- ¿Y 17 años después se sigue haciendo problema? Se ve que le sobra energía…
- Es que me resistía a escucharlo. Algo me decía que no debía hacerlo. Que me arrepentiría. Y sí, escuché “Dreamland” y “Is that you Mo-Dean?”, que sólo harían bailar a un colocador de alfombras con muchas horas extra encima, y me estreñí. Luego, “Vision of a kiss” y “Breezin’” tienen el mismo ritmo fastidioso, cansino y empalagoso. Ni siquiera el corte de difusión, “Good stuff”, logra algún gancho aprovechable. A ver si nos entendemos: este álbum es un mal facsímil tardío del fresco y eficaz “Cosmic thing”, de 1989. Así de sencillo.
- Mecko, ¿cree que está bien pagar 100 pesos la sesión para venir a hablar de discos malos? No desperdicie su dinero, ni mi tiempo. Se lo digo con franqueza. Para mí es indistinto. Yo lo escucho, Ud se descarga, no soluciona nada, y la semana que viene volvemos a foja cero. Ud decide si realmente quiere un cambio, porque así no va a ningún lado.
- Entonces está de acuerdo con mis allegados, que dicen que mi blog es un esfuerzo en vano, que no me da de comer y todo eso…
- Yo no dije tal cosa. Sólo que está ocupando demasiado espacio en esos menesteres y me parece que hay problemas mucho más importantes que resolver. Sus relaciones interpersonales, su motivación laboral…
- ¿Sí?
- Sin equilibrio, Ud será únicamente apto para defenestrar. ¡Piense! Si su exclusivo impulso rector es ese blog, va a terminar sus días en absoluta soledad. Perderá lo poco que le queda: su mujer, sus niños, su trabajo… Todo en pos de una causa mesiánica.
- Yo sé que tengo una misión que cumplir. ¿Por qué Ud y mis amigos no quieren que la lleve a cabo?
- Ok, Mecko. ¿Por qué no vuelve la semana que viene? Va a ser más productivo para todos, ¿no cree?
- Ese blog es mi leitmotiv, licenciada.
- O el mejor pretexto para seguir justificando su evasión. ¿Seguimos la próxima?
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Diagnóstico: Si te gusta “Good stuff”, te espero en el café que está justo frente al edificio donde está el consultorio de mi terapeuta. Tenemos tanto de que hablar…

Otra odiosa canción de este temible álbum: "Hot pants explosion", en una versión en vivo. El show, en general, estuvo buenísimo, pero en este tema la mitad del público aprovechó para ir al baño.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: no hay.
ANTIDOTO: "The B-52's" (1979).

THE CURE - 4:13 Dream

2009-05-21T12:02:00.010-03:00

He llorado toda mi vida. Y así fue al nacer. Por cierto, alguien me contó que el neonatólogo acotó en su momento que yo lo había hecho por demás. Mi infancia, a pesar de ser apacible, no estuvo exenta de llanto. Me hacían gimotear los atardeceres de domingos, los potajes de mi abuela, los desplantes amorosos, los partidos de fútbol perdidos a último minuto, y tantas otras cosas que por no recordarlas me dan ganas de llorar. En la adolescencia, mi sensibilidad fue en aumento y continué sollozando por casi todo lo que me rodeaba; mayormente, los discursos de Fin de Curso me dejaban los lagrimales más secos que garrapata de peluche.

Hasta que conocí a The Cure, en 1983, había berreado con muchas canciones alusivas a mi eterno estado depresivo. A ver si las reconocen: “Don’t cry”, “Cry for a shadow”, “Crying in the rain”, “I’ll cry instead”, “Crying in the chapel”, “Crying, waiting, hoping”, “Cry, baby”, “Sister don't cry”, “Cry from the street”, “Cry for eternity”, “The sky is crying”, “Go cry on somebody else's shoulder”, “Crying song”, “Fool to cry”, “Crying out for love”, “No woman no cry”, “When a blind man cries”, “Cry baby cry”, “Boys don’t cry”, “Cry me a river”, “Cry to me”, “I’m crying”, “Perro llorón”, “Mil veces lloro”, “No llores por mí, Argentina”, “El llanto”, “Llorando en el espejo”, “El rey lloró” y “Tango llorón”.

Como dije, Robert Smith y los suyos me brindaron renovados motivos para seguir con mi llanto perenne. En esa época, yo vestía de riguroso negro, de pies a cabeza, con sobretodo incluido, y solía delinear mis ojos, además de peinarme como un sauce… ¡llorón!
Creerán que mi existencia era una completa amargura, pero yo disfrutaba de mi condición de plañidero. Al respecto, recuerdo mi obsesión por cortar cebollas y mi continua presencia en las marchas anti-edictos policiales, que siempre finalizaban con gases lacrimógenos. Y hablando de represión, ¡qué despelote se produjo en las afueras del estadio de Ferro, en pleno show de The Cure, allá por 1987! Yo estuve allí, y mojé el pasto con mis lamentos.
Demás está decir que me compré todos los discos de la agrupación de Sussex, y me conmoví con “Three imaginary boys”, “17 seconds”, “Faith”, “Pornography”, el asombroso vivo “Concert” y “The head on the door”; me emocioné con “The top”, “Kiss me kiss me kiss me”, “Disintegration” y “Bloodflowers”, y en pocos casos, como “Wish”, “Wild mood swings” y “The Cure”, me costó un poco más llegar al sollozo, pero, a fuerza de concentración, no tardé en ver cómo me afloraban las lágrimas. Ya era notorio que mi pasión por la dark-wave y el post-punk gótico se habían intensificando hasta niveles alarmantes.
Lloré junto a Saúl Ubaldini y Domingo Felipe Cavallo, lloriqueé separaciones y reconciliaciones, propias y ajenas, y me conmoví con teleteatros y realities, muchos de los cuales atesoré en videos. Obviamente, esto hacía que yo ingiriera litros de líquido para no deshidratarme.

Mi destino estaba signado por el llanto y yo ya suponía muy difícil cualquier desvío en el rumbo inexorable de mi vida, hasta que sucedió lo imprevisto. Fue a fines de octubre del año pasado, cuando sufrí un cambio muy brusco, que hizo que no volviera a llorar nunca más.
La causa tuvo que ver con la audición del 15º álbum de estudio de The Cure, último hasta hoy: “4:13 Dream”. ¡Qué manera de reírme a carcajadas! Es que Robert ya no es aquel hombre espectral que en otras épocas me inquietaba con sus sonidos de flanger y sus lánguidas letras, sino una pobre viejita quejosa, con los pelos revueltos, que reniega con unos nietitos ansiosos por salir a jugar al patio. Un lugar común tras otro, apuntalando, a duras penas, la más grande autoparodia melodramática que haya editado banda alguna. Todos los temas pretenden alcanzar el status de joyas del pop oscuro, pero la mayoría zozobra sin remedio en una trampa macabra que se podría traducir como ‘eutanasia creativa’. Lo poco rescatable es la base de bajo de “The reasons why” –no así su letra, que nos habla, una vez más, del suicidio-, el riff de guitarra de “The hungry ghost”, el buen minimalismo de la mal producida “Underneath the stars”, y la enorme sinceridad en “It’s over”, donde Robert canta: “No, I can’t do this anymore”. El resto va de incómodo a hilarante, máxime, el corte de difusión “The only one”, que fue lo que más me hizo desternillar. La voz de Smith está en cuarentena, gente.

Por fin me había dado cuenta de lo inútil que había sido mi vida, dedicada a un disfraz inconsistente y fugaz. Hoy tienen que verme yendo a los cabarets del microcentro, contando chistes de gallegos, jugando al truco con mis nuevos amigos del Club de Autos Especiales, tomando vino en damajuana, escuchando a Memphis la Blusera, excitándome cada domingo con el Turismo Carretera, y leyendo el Clarín (por los clasificados, ¿vieron?).
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Epílogo: Estoy seguro de que a los emos jamás les ocurrirá una epifanía tan fuerte como la mía. Porque, a pesar de promover el llanto como bandera, sus bandas favoritas siempre fueron una risa.

Sólo otra versión más de la ultra-repetida formulita 33% "Boys don't cry" + 33% "Friday I'm in love" + 33% "In between days" + 1% de letra flamante, con la que el archi-reciclado Robert Smith y sus acólitos pretenden convencer a sus ya ajetreados seguidores.

No pierdan el tiempo con esto. Hay mucha música interesante para ver en YouTube. ¡Diviértanse! El que quiera llorar, que vaya a la iglesia.

OTRO EJEMPLAR DEL MISMO TENOR: "Wild mood swings" (1996).
ANTIDOTO: "Pornography" (1982).

MÄGO DE OZ - Mägo de Oz

2009-05-12T01:11:00.009-03:00

¿A quién puede gustarle este agravio al metal? Esto es sencillamente una burla al buen gusto, una afrenta al sentido común, un vilipendio gratuito a la buena intención, y un arbitrario desfalco al comprador. En muchos años de melomanía jamás me había topado con tamaña porquería española, que sólo puede satisfacer a torpes e infames buscadores del más insignificante hard rock, mal fabricado en serie, y que ocasiona severas alucinaciones, como, por ejemplo, imaginarse a un Walter Giardino, muy desahuciado, buscando cantante para unos Rata Blanca pasados de oporto, y que al no encontrarlo, ficha a un Joaquín Sabina eunuco, perdido en la agonía de la peste bubónica.

Se supone que el folk metal nos debería situar ficticiamente en una comarca perdida en lo más sombrío del Medioevo, donde abunden castillos inexpugnables y seres fabulosos que luchen contra caballeros andantes, quienes también gusten de aniquilar dragones y conquistar con sus laúdes el favor de preciosas doncellas sumisas. Pero la triste realidad es que aquí, en el disco debut de la banda madrileña Mägo de Oz (alias “Möco de Tos”), la supuesta Edad Media es una muy trasnochada de fines del siglo XX, donde unos pobres homeless agonizan rogándoles algo de chute a unos junkies de plaza, mientras sueñan con apedrear vidrieras y vociferar groserías a unas emponzoñadas rameras que los miran con abulia y desdén.

Los lectores ibéricos no querrán disculparme por lo que pienso de su rock, pero, exceptuando contados casos, nuestros humildes músicos “sudacas” pueden cepillarse las pelusas con sus pares peninsulares. ¿Es esto lo que tienen para ofrecernos de su más granada cosecha de metal progresivo? Estos guarros inoperantes y grotescos, meros aprendices de bandas serias como Empyrium, Helheim, Enslaved, Finntroll, Bathory, Skyclad o Moonspell deberían volver a la escuela primaria para ver en qué rincón del salón de clase se les perdió la dignidad, además de la goma de borrar.
¡A no fastidiar más! Esta banda es una reverenda suciedad mal defecada, no por un fulgurante dragón, sino por una pálida iguana con cólico renal, y este álbum no es la vigorosa espada Excalibur, sino una endeble imitación de una Victorinox fabricada en Myanmar.

Estas archi-recontra-basuras, ya desde los títulos, nos hacen vomitar profusamente el agua corrompida sobrenadante de un galeón casi hundido que yerra a la deriva durante años, y nos anticipan el bochorno seudo-poético que impera en esta obra insultante (y en casi todas las siguientes de la banda, me animo a apuntar.). Nadie, que no sea un deficiente, puede tomar en serio los contenidos de canciones como “Lo que el viento se dejó” o “T’esnucaré contra’l bidé”. Veamos…

“Te succionaré el cerebro
por la oreja con un aspirador.

Te arrancaré tu sucia lengua
por decir que odias el rock'n'roll.

Te sacaré tus lindos ojos
y los bañaré con pus y alcohol.

Una inyección de lejía,
nena, es la solución.

Cariño, se ha terminado
que rompas mi guitarra esta vez,

que escondas todos mis discos,
te voy a esnucar contra el bidé.

Te voy a cortar las venas
con mi maquinilla de afeitar.

Te arrancaré los pechos
y en la herida luego le echaré sal.

Maltrate usted a su señora
si no le gusta el rock'n'roll

Ampútele las piernas
y luego métalas en formol.”

¡Yeah, man! ¡Esto sí que es poesía! Luego de leer estos versos, afirmo que Federico García Lorca todavía no nació.
Y qué decir de los desprevenidos que vieron en la contratapa que hay covers como el clásico de Status Quo, “Gerdundula”, y el inoxidable “Gimme some lovin’”, de Spencer Davis Group, y se pasmaron al encontrar sólo la hecatombe en ellos. Los mismos que quedaron absortos cuando notaron que en “Yankees go home”, el baterista Txus Di Fellatio (¿cómo dijo que se llamaba?) debió apretarse demasiado el pantalón "marcabulto", pues da la sensación de que se le salieron los pulmones por la boca, cosa que, por desgracia, no ocurrió. Por otra parte, no menos tunantes resultan los relinchos del vocalista Juanma Rodríguez -sobre todo en el insoportable tema “El lago”- que nos alientan a saltar desde un trigésimo piso, a fin de evitar sufrimientos mayores en la vida.

Por último, cualquiera de las fotos de enfiestados etílicos que abundan en Fotolog es más apropiada que la que decora la portada de esta blasfemia al metal, que además detenta el logotipo celta (¿celta?) más amateur de la historia.
Quiera el Altísimo no devolverle la vida a Judy Garland, para que no se le aparezca en la noche al violinista Mohamed, con el propósito de introducirle un brazo del hombre de hojalata en su peludo trasero.
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Conclusión: Si te gusta este disco, vos sos uno de los "alpedistas" que se tomaron el laburito de chequear si es verdad que la película “El mago de Oz” está sincronizada con el álbum “Dark side of the moon”. Pero si te encanta esta banda, es porque no podés distinguir entre la inmortal obra de Cervantes y los consejos de José Luis Torrente.

El tipo más común de grasa es aquél en que tres ácidos grasos están unidos a la molécula de glicerina, recibiendo el nombre de triglicéridos. Los triglicéridos sólidos a temperatura ambiente son denominados grasas, mientras que los que son líquidos son conocidos como aceites. Todas las grasas son insolubles en agua, teniendo una densidad significativamente inferior.

Las características de Mägo de Oz no son precisamente las de los aceites.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Belfast" (2004), "A costa da morte" (2007) ó "La ciudad de los árboles" (2007).

ANTIDOTO: "Finisterra" (2000) ó una buena dosis de etanol intravenoso.

SANTANA - All that I am

2009-05-04T10:40:00.027-03:00

Este CD no sólo es dañino para la mente y el cuerpo de las personas de bien, sino que también lo es para la computadora. Al colocarlo en el reproductor, pide descargar un software protector de la moral y las buenas costumbres (alias ‘troyano’), que resguarda los intereses mundanos del otrora paladín del latin-rock y la espiritualidad, Carlos Devadip Santana, al punto de dejar el operativo casi muerto e inaugurada una cómoda autopista para spywares y hackers. Y si uno no acepta instalarlo, el dispositivo rechaza el compacto, así de simple.
¿No era castigo suficiente para los desprevenidos consumidores la pésima música contenida en “All that I am”? ¿Qué bicho le picó al guitarrista que destilaba fuego en sus solos y que logró una propuesta única en su género? Esto no es propio de un músico de rock, sino de un buffet de malintencionados abogados que considera que, ante todo, uno es un pirata del asfalto. ¿Hasta dónde llega el sistema a ponernos condiciones en un álbum que –se supone- versa sobre el amor y la unidad del género humano? Si por lo menos se tratase de una auténtica gema a preservar, pero no, estamos en presencia de una quimera que desnuda el lado más meloso y grasiento del latinismo más laxante.

Carlos Alberto Santana Barragán nació en Autlan de Navarro, México, en 1947, y fue iniciado por su padre en la música de mariachi, aunque Carlitos prefiriera el sonido beat que imperaba en los 60’s. Cuando su familia se mudó a San Francisco, tuvo que aprender inglés rápidamente y empaparse de los nuevos sonidos, estudiando a los grupos de rock que tocaban en la ciudad y siguiendo su evolución.
En 1966 crea su famosa banda homónima, con la que llega a triunfar en el famoso Festival de Woodstock, de 1969, impresionando al público con su abrasadora fusión entre rock y ritmos afro-latinos. Recordemos que fue el único artista que tocó en dicho festival sin tener ningún disco editado, pues tal era su prestigio.

Ése fue el punto de partida del enorme éxito del músico a lo largo de cuatro décadas, con grandes discos clásicos innovadores, como "Santana", "Abraxas", "Santana III", "Caravanserai", "Borboletta", el triple en vivo "Lotus" y "Moonflower", y memorables himnos como "Black magic woman", "Gypsy queen", "Jingo", "Oye como va", "Soul sacrifice", "Samba pa ti", "Europa" y "Toussaint L’Overture", que coronaron su carrera, la que llegó al pináculo en 1998, cuando ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll. Al año siguiente, incentivado por su nueva condición social –la de burgués asimilado- edita su trabajo más vendedor: "Supernatural". El resto de su trayectoria es fácil de conjeturar: riqueza, obsecuencia y recicle.

Por tal tenor, y en nombre de los buenos tiempos idos, le pido a usted, Carlos:

a) ¡BASTA DE DUETOS CON GENTE INSUSTANCIAL!
¿Tanto placer le dio compartir “honores” con Michelle Branch, Sean Paul, Mary Blige, el rapero Big Boi, Steven Tyler, Joss Stone, Will.i.am (Black Eyed Peas) y Kirk Hammett (Metallica) en este disco? ¿No le bastó con 'chichonear' con “rockeros” de la “talla” de Dido, Seal, Maná, Tina Turner, Jennifer López, Macy Gray, POD y Plácido Domingo, en los anteriores? ¡Linda gente! La crema del aguante, ¿no?

b) ¡BASTA DE MÚSICA PARA EJECUTIVOS!
En la sala de reuniones que preside Mark Zuckerberg –inventor de Facebook- se tararean sus canciones, y en todos los cócteles empresariales se “aprecian” sus prefabricados duetos.

c) ¡BASTA DE MÚSICA FUNCIONAL PARA EL DELEITE CORPORATIVO!
Ponga las barbas en remojo y patee el tablero de lo que sólo satisface a las multinacionales. ¿No tiene plata suficiente como para darse ese “lujo”? Yo creo que sí.

En temas como “Hermes”, “Twisted” o “Trinity” aún subsiste algo de la vieja esencia, y se perdonan, pero el promo-single "Just feel better" y todos los demás cortes bien podrían pasar como “copyright by Robi Draco Rosa”.

d) ¡BASTA DE ABURRIMIENTO ACADEMICO COMPLACIENTE!
Un poco de sangre rockera no le vendría nada mal a su actual realidad, plagada de productores caros, y a su ego, rodeado de los mejores sesionistas del Mundo, que nada genuino transmiten.

e) ¡BASTA DE HACER SIEMPRE LOS MISMOS SOLOS!
Ya tengo las guindas que me las piso de escuchar tanto “yeite” reiterativo, y de que cualquier ganso me sermonee que lo suyo es “sentimiento”.

f) ¡BASTA DE MALAS FOTOCOPIAS DE “SUPERNATURAL”!
A usted le gustan los cambios estilísticos, pero ahora está ciego de rutina, avidez y conformismo. Repetir un modelo exitoso hasta el hartazgo es pan para hoy y hambre para mañana.

A propósito... Leí por ahí que quiere fundar una iglesia propia. La verdad, no me extraña que, luego de haber publicado este negociado, quiera lavar sus culpas rezando.

g) ¡BASTA DE DARLE LA ESPALDA A LOS AUTÉNTICOS FANS!
A usted le fallará la memoria, pero el pueblo rockero aún le tiene estima. Recuerde que los adinerados para los que usted toca son muy cambiantes, y cuando la diversión se esfuma, se van corriendo a ver el show de su amigo y colega Andrea Bocelli.
n
Síntesis: El título de este álbum, “All that I am”, significa “todo lo que yo soy”, y si esto es todo lo que Carlos Santana es, me da mucha pena. ¡Y ganas de afeitarle el bigote a ese VIGILANTE TRAIDOR!

Esta promo nos brinda un muestreo del álbum "All that I spam", de Carlos Chantana. ¡Es que éste no es Santana! Al menos no el que yo adoré desde 1966 hasta 1982. Éste es otro. Y pensar que hubo papafritas que gastaron ríos de tinta hablando de la muerte de Paul McCartney, en 1967, y que había sido sustituido por un doble. Qué pérdida de tiempo, ¿no? ¡Acá tendrían que haber investigado, idiotas!

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Beyond appearances" (1985), "Freedom" (1987), "Shaman" (2002), "Santana and friends" (2006) ó "Guitar heaven: the greatest guitar classics of all time " (2010).
ANTIDOTO: "Abraxas" (1970).

KORN - See you on the other side

2009-04-28T11:03:00.020-03:00

Mariana vino al Mundo haciendo bromas. Cuando la partera la nalgueó para que emitiera su primer llanto, se negó a hacerlo, crispando los nervios de su madre. Durante su primera infancia martirizó a sus padres simulando accesos de tos severa y cólicos inexistentes, intensificando su rebuscado comportamiento. Más tarde, en el colegio, fue la verdugo de muchos inocentes compañeritos, convidándoles laxantes disimulados en cajas de chicles normales, cortándoles el elástico a las niñas, o bajándoles los pantalones en medio del patio a los desprevenidos varones. Ni hablar de chanzas más tradicionales, como pegar chicles en el pelo, colocar tachuelas en los bancos y dejar manzanas podridas en el escritorio de la maestra.

Cabría preguntarse si alguien tomó cartas en el asunto, pensando en vengarse. No, nadie, porque Mariana poseía un carisma y una belleza a toda prueba, y todo se le perdonaba cuando ella ponía su mejor carita angelical, diciendo: “Mariana no hace más macana”.

.
Los años pasaron y las bromitas escolares comenzaron a aburrirla; era hora de comenzar a pensar en grande. En las horas libres de secundaria trazaba planes diabólicos para horrorizar a sus pares, como filmar a las parejitas debutantes y repartir copias de los videos entre los estudiantes. Cierta vez, en un día de campo, Mariana deslizó somníferos en la cantimplora del profesor de plástica. Una vez dormido, lo desnudó y dejó atado a un árbol. Al momento de regresar, la niña se las arregló para que nadie notara la ausencia y el ómnibus partió. El pobre docente no supo qué hacer durante las quince horas que duró su martirio, hasta que llegó el rescate.

En otra ocasión, aprovechando la ausencia paterna, invitó a cuatro amigas a su casa-quinta. La velada transcurrió amena entre bromas amistosas y relatos de suspenso, hasta que, de una puerta lateral, surgieron varios delincuentes armados y encapuchados, quienes se llevaron a Mariana y mantuvieron a sus amigas desnudas y maniatadas, bajo amenazas de violación y muerte, por un buen espacio de tiempo. Más tarde, las chicas fueron conducidas al parque con la idea de ser eliminadas en la piscina. Los gemidos de espanto iban en aumento hasta que los victimarios, temerosos de que algún vecino pudiera oírlos, revelaron finalmente su identidad. Eran sus compañeros de clase, comandados por la propia Mariana, que no paraba de reír a mandíbula batiente. Milagrosamente, todo terminó en carcajadas generalizadas, por lo que Mariana salvó una vez más el pellejo.

Luego de graduarse (y de haber pergeñado mil y una diabluras en el viaje de egresados), Mariana, que ya conocía de sobra sus dotes dramáticas, ingresó a la Academia Nacional de Teatro. La carrera pareció apaciguar sus crueles inclinaciones, que se encaminaron hacia la normalidad durante aquellos cuatro años de estudios. Llegó el examen final que otorgaba el título consagratorio. Para dicha evaluación los alumnos debieron presentar, en función privada, una obra escrita por todo el grupo, pero en la que ella sola se encargaría de la música. La obra, que trataba sobre los problemas de la adolescencia, debía iniciar con música de nü metal, y la impredecible Mariana no tuvo mejor idea que llevar un disco de Papa Roach, lo que puso de muy mal talante a los actores, haciendo fracasar el ensayo general. Aunque parezca lo contrario, ¡la muchacha no lo había hecho adrede! Ella amaba a Papa Roach, y el injusto descrédito hizo que reincidiera en su antigua conducta réproba. “Mariana vuelve a hacer macana”, se dijo, resentida.

Los miembros del grupo debieron realizar enormes esfuerzos para torcer la firme decisión del director de excluirlos del Festival de Fin de Cursada, pero gracias al encanto de Mariana, quien logró convencer al director que obviara aquel desliz, éste les concedió la infrecuente oportunidad de ir directamente a la evaluación final en el propio Festival, algo que ciertamente no debían desaprovechar. Y Mariana exigió volver a elegir la música, pero ante el lógico escepticismo de sus compañeros, coligió: “Tranquilos, chicos. Esta vez será un disco de Korn”.

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El día de la presentación el teatro estuvo repleto y Mariana mostró un particular rictus intrigante. No sólo silbó y dijo “víbora” todo el tiempo, sino que vistió de amarillo, infringiendo los códigos más elementales de un estreno. Cuando se abrió el telón, comenzaron a escucharse los primeros acordes de “Twisted transistor”, de “See you on the other side” (el peor álbum de Korn, sin Brian “Head” Welch -convertido al cristianismo más acérrimo- y debut en Virgin Records) y las demás canciones insípidas y bailables lograron el efecto más infortunado. El público, enfurecido, comenzó a destrozar las butacas del recinto, a la vez que arrojaba los matafuegos al escenario. Intervino la fuerza policial y Mariana tuvo que huir despavorida del edificio.

Epílogo: Nadie volvió a verla jamás. Algunos cuentan que se convirtió en una amarga ermitaña que vagó sin cesar por los hielos antárticos. Si fue así, roguemos al Cielo que no se haya llevado consigo este CD, ¡por el bien de los pingüinos, que ya bastantes problemas tienen!

...

See you on the other side, KoRn, because you’re dead!

¿Alguien sabe dónde vive "Munky" Shaffer? Se los pregunto porque tengo al teléfono a una tal Mariana que pregunta por él. ¿No saben nada? Bueno, sigan disfrutando de esta promo del álbum que llevó a la ruina artística a sus mentores. Ahora, si para muestra no basta un botón, cómprense una mercería.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Take a look in the mirror" (2003), "Untitled" (2007) ó "Korn III: Remember who you are" (2010).
ANTIDOTO: "Korn" (1994).

Anexo necesario: Bien, ahora fuera de broma... Korn nunca fue una gran banda (fuera de lo que puedan opinar adolescentes sub-15, cuya única actividad recreativa sea eyacular sobre monitores LCD de 19", con RedTube on-line) y sus integrantes jamás fueron buenos músicos, yendo del tinte mediocre al retardado en cuestión de pocos años. De hecho, tuvieron que ir a buscar al legendario Terry Bozzio, en 2006, con sus 56 años, para que les diera una mano.

A pesar de esto, Johnattan Davis es el peor de todos ellos, a pesar de que su voz abarque un amplio espectro: desde lo más irritante a lo más industrialmente aceptado. Señores: aquí, en esta autoparodia, todas las canciones apestan, más que nada porque este arriesgado paso al tecnopop les ha salido muy mal, y hasta los fans más incondicionales -en el fondo de su corazón- detestan el disquito en cuestión. Así y todo, lo que sí se puede rescatar es el tema "Coming undone", que es el mejor del álbum, alcanzando un notable puntaje de 0,5 sobre 10, según mi sano juicio, algo nada sorprendente en el estándar promedio de ese tan discutible sub-sub-género llamado nü-metal.
Todo lo demás huele a culo, aunque "Tearjerker" e "Hypocrites" sean las que más hiedan. Tal vez, por situarse simbólicamente en lo más interno del trasero, ya casi en el recto.

Mi consejo para aquellos que se encuentran transitando los difíciles caminos del nü-metal es éste: Descarguen "Twisted transistor" y/o "Coming undone", y DETÉNGANSE ALLÍ. Ahora, en cambio, si aman el género, eviten este trabajo de laboratorio en quiebra y vayan directamente a la discografía de Disturbed. Verán como, de a poco, les vendrán unas ganas incontenibles de erigirme un monumento, el que, desde ya, no aceptaré, simplemente porque no hace falta.

Aunque, de todas maneras, gracias por el gesto.

STARSHIP - Knee deep in the hoopla

2009-04-17T18:31:00.019-03:00

Existen muchos incautos que aún hoy se preguntan por qué una banda como Jefferson Airplane, que supo ser ícono en los dorados sesentas hippies, se transformó en un grupo de hard-rock comercial pretendidamente progresivo llamado Jefferson Starship, y de este beneplácito –todavía con algo de redención- a la infausta blasfemia apta para todo público denominada Starship.

La música más pasteurizada, homogeneizada, filtrada, estéril y servil, plagada de sucias estrategias del más malintencionado marketing, se da cita en esta oda al lifting curricular, titulada “Knee deep in the hoopla”, aberración que se podría traducir como “Hasta las rodillas en el bullicio”, pero que yo (arbitrariamente… ¡qué me importa!) deseo transcribir como “Hasta el cuello de mierda”. Porque estos sujetos lo estuvieron, ¡y cuán profundo!
(Nota: "Hoopla" se le dice también al juego que consiste en arrojar aros para embocarlos a distancia en distintos obstáculos.)

Pienso que este pastiche es todavía más execrable que el teen-pop, pues detenta el agravante de haber sido producido por las esquirlas de una banda histórica -luminaria en los festivales de Monterey y Woodstock-, que fue perdiendo su brillo gradualmente, hasta caer en la infamia inapelable que traen conjuntas la desesperación comercial y la falta total de escrúpulos artísticos.
Idea pueril, si las hubo, que funcionó muy bien a la hora de llenar el ávido monedero de sus mentores, pero que quedó en la memoria de los bienintencionados como el paradigma más cabal de lo miope y lo efímero. Música funcional para amas de casa, locutores de campañas proselitistas, y todo aquél que se afana en lograr encumbrados cargos en empresas de venta piramidal. Alimento suculento de radios complacientes, ideales para amenizar juntas de ejecutivos de multinacionales, y hediondo muzak para elegantes paseos de compras destinados a las más altas esferas del poder.
Sólo el estremecimiento que produce el chirrido de una tiza sobre un pizarrón se compara con los atemorizantes números que proliferan en este asco de álbum. Baterías de cartón que emulan handclaps flagelantes, de una obviedad rayana en lo enfermizo (Donny Baldwin), amalgamadas con los sintetizadores más vulgares y genéricos del peor pop de 1985 (David Freiberg), sirven como maltratado andamiaje para disfrazar el tenue bajo (Pete Sears) y la guitarra semi distorsionada tipo hair-metal (Craig Chaquico). Toda esta engañifa sobreproducida se completa con las afectadas voces estereotipadas de Grace Slick y Mickey Thomas, en un modo tan eunuco, que no transmiten más fuerza que un vino blanco de mesa rebajado con agua bendita.
Lo bien que hizo Paul Kantner en no ceder la palabra “Jefferson” a esta estafa, pues Slick y Thomas se la habían disputado para el proyecto. El fallo judicial, en favor de Kantner, obligó a éstos ilusos a continuar simplemente como… ¡Starship!

Cualquiera de los tres “discuchos” que grabó esta pandilla de delincuentes sonoros, merece la expiación a través del fuego, pero este “debut” se destaca especialmente por contener un superhit que desnuda el costado más emblemático de la estupidez humana. A causa de lo que dice su estribillo: “we built this city, we built this city of rock and roll”, me viene a la memoria el Segundo Mandamiento, que reza “no tomarás el nombre de Dios en vano”, y el cuarto, que refiere a honrar a tu padre y a tu madre. Si consideramos al ROCK AND ROLL como potencial progenitor de estos homúnculos, los comentarios huelgan. Tristemente, aún hoy en día, el temita sigue siendo muy difundido en emisoras de nostalgia, léase “Pop 101.5” o “Blue 105.3”, así como también el otro enorme éxito del siguiente álbum, “Nothing’s gonna stop us now”, que, de manera inaudita, fue nominada al Oscar como mejor banda sonora por el baladí film “Mannequin”.
Las otras penurias del disco son “Sara”, muy influenciada por el sonido synthpop de bandas tipo Alphaville, y la turbia balada “Love rusts”, torpeza mayúscula digna del Grammy a la pelotudez universal. Sólo restaría la mención de “Hearts of the World (Will understand)”, canción que, desde el título, ya nos habla de un perfecto ejemplo de demagogia no exenta de vileza. Todo lo demás podría cuajar con precisión en la ambientación de películas como “Top gun” o “Rocky IV”.

Cómo le habrá remordido la conciencia a Grace Slick -ayer deidad psicodélica y hoy pintora top class (foto)- esta paliza al público pensante, pues años más tarde, ella resucitaría a Jefferson Starship con el culposo apelativo de Jefferson Starship: The Next Generation. ¡Vaya! ¿Next generation? No habrá próxima generación para esta clase de salvajadas. No sé si los chicos de hoy saben muy bien qué es lo que quieren, pero sí estoy seguro de que coinciden en lo que NO, y ésta es una clara muestra de lo antedicho.
Nunca tan bien citadas las palabras de Pete Townshend en “My generation”: “Espero morirme antes de volverme viejo”.
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Consejo: Si amás este disco, podés ir a visitar a Grace Slick a su mansión. Ella te agradecerá que hayas gastado tu precioso dinero en esto, mientras toman el té y juegan a la canasta.

Mientras me encontraba buscando en You Tube el video de "We built this city", a fin de "amenizar" esta nota, hacía todos los intentos por evitar el vómito. Al mismo tiempo, veía que mi cuñada tarareaba esta canción. La sensación que me produjo semejante contraste de intenciones para con un mismo tema, resume todo el espíritu de este blog.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "No protection" (1987) ó "Love among the cannibals" (1989).
ANTIDOTO: acetilcisteína.

MANÁ - Amar es combatir

2009-04-08T00:44:00.036-03:00

Una mañana común y silvestre de abril, un par de años atrás, yo desayunaba y analizaba los resultados del waterpolo. ¿Estaba soñando? Esto fue lo que leí:

ZONA "CAMPEONATO":

Spacemen: 3 – UB: 40
Opus: 4 – Vocal: 5
U: 2 – V: 8
Sigma: 6 – Episode: 6

Fun Boy: 3 - The Migil: 5
Suzie: 4 – Us: 3
Dave Clark: 5 – Sex Clark: 5
Current: 93 – Dulces: 16

Heaven: 17 - East: 17
L: 7 – Danger: 4
Ben Folds: 5 – Gang Of: 4

Mack: 10 - D: 12

Área: 12 - Room: 92

The Count: 5 - Univers: 0

Eiffel: 65 - Vega: 4

Zero: 7 - S Club: 7

Redemption: 87 - Group: 87

Finger: 11 - Click: 5

The B-: 52 – Sham: 69

Attaque: 77 – La: 25

ZONA "PERMANENCIA":

Soul Kid: 1 - Fan: 3

Altern: 8 - MC: 5

+: 44 - Salem: 66
Charlie: 3 - Maroon: 5

Galaxie: 500 - Black: 47

Circus: 2000 - Death From Above: 1979

June Of: 44 - September: 67

Fórmula: 5 - Conexión Nº: 5

Gamma: 2 - Matchbox: 20

Sum: 41 – Level: 42
Club: 8 – Buenos Aires: 8

Stars On: 54 - The Jackson: 5

Remo: 4 - Family Force: 5
G: 3 – Q: 65

Equipe: 84 - Eve: 6

Blog: 27 - Modern Day: 0
Blink: 182 – Front: 242

Airport: 5 - Bleach: 03

Deltron: 3030 - Kassin: 2

M: 83 - Pg: 99

Bastante embrollado, bajé las escaleras hacia la calle. Soy vendedor de sitios de Internet y debía visitar clientes, para lo cual emplearía diversos medios de transporte público. Lo malo era que mi i-pod (?) se había caído al retrete, mas resolví no hacerme mala sangre.
El primer colectivo que tomé me llevó desde Adrogué hasta Lomas de Zamora, y la música que emanaba pertenecía al entonces más reciente álbum de Maná: “Amar es combatir”. La canción era “Labios compartidos”, su principal corte. Medité: “Pocas bandas tienen la capacidad de repetirse tanto. Esto puede ser algo malo o bueno, según se mire, pero seguro que a quienes les guste la banda, les satisfará escuchar una y otra vez lo mismo, y yo no diría sólo que sus álbumes se parecen entre sí; también sus canciones.”

Más tarde tomé otro colectivo que me acercó a la vieja estación de Monte Chingolo. Cuando tomé asiento, la locutora de la radio sintonizada anunció otro tema de Maná: “Bendita tu luz”.

Reflexioné: “¿Por qué se me hace tan soporífera esta banda? Quizás se deba a la forma de cantar de Fher Olvera, sumada a lo monotemático de sus letras, que hacen de su obra una cantinela que lleva al agotamiento. Habrá que seguir esperando que cambien de chip, pero lo veo difícil.”

Una vez hube atendido a mi siguiente cliente, tomé un remís hasta Bernal para una entrevista en una fábrica de encurtidos. Tanto en el auto, como en la recepción, se escucharon dos cortes más del disco: “Ojalá pudiera borrarte” y “Manda una señal”.

Cavilé: “Tengo la teoría de que si a cualquier canción de este grupo se le pudiera serruchar la parte cantada, se conseguiría encastrar cualquier otra letra de sus complacientes discos. Ninguna canción suena original, pues todas contienen invariablemente las palabras “amor” y “corazón”. Es el mismo producto estereotipado, reciclado una y otra vez desde “Falta amor”. ¡Que se jubilen ya!”

Tuve que soportar 29 emisiones más de “Labios compartidos” en otros colectivos y taxis, y también en el hipermercado de Avenida La Plata, donde almorcé, con el agregado ocasional de “Somos mar y arena” y “Dime, luna”. A pesar de lo exitoso de mi gestión comercial, aquellas melodías ya me tenían los nervios de punta y las criadillas en escabeche, por lo que, pretendiendo descansar la mente, opté por tomar un minibus ejecutivo que me llevaría confortablemente de regreso a casa. Pero, como no podía ser de otra manera, en el vehículo sonaba: “El rey tiburón”, y por enésima vez, “Labios compartidos”. Y ahí sí que perdí el control, lo que hizo que los pasajeros entraran en pánico.

Aullé: “Estos retoños de una gran perra, vigilantes fabricados con la peor margarina de la manoseada roseta de su reiteradamente ultrajada madre, no tienen nada mejor que hacer que seguir en su encajetadísima postura de cantar siempre la misma mierda. Hijos bastardos de Bon Jovi y del peor churrasco mal cagado de Los Nocheros, bisnietos de un container de excremento de patovica antirreglamentario, mezcla con aceite rancio del más relajante stripper de pulpería de provincia. Claro. A las mujeres les gusta esta cretinada. Insaciables que se relamen de gusto con ‘pps’ de machos en pelotas y que tienen en su cuarto una gigantografía del tonel de diarrea llamado Alejandro Sanz, más otra de Richard Gere meditando.”

Luego me descargué contra el chofer: “Pero vos sos hombre, pedazo de condón de ocasión, ¿y te gusta esta grasada? Sos un nimio paramecio con un coeficiente de 35. Ponete media pila, tirá ese disco a la renegrida ostra que lo concibió, y comprate uno de Cannibal Corpse, mariposón de hule. ¿Entendiste, polichinela mal nacido de la peor cesárea? O querés que te lo explique a sopapos, rata a medio envenenar, sobrino de una gran hiena en descomposición. ¡Odio a Fher Olvera y a todos los que aman a Maná! ¿Así que amar es combatir? Yo te voy a combatir por amor a vos y a esos ahijados dilectos de Nosferatu, que pululan entre los desperdicios de un Yorkshire con displasia.”

No recuerdo nada más. Pasé los siguientes meses en coma hasta que me finalmente desperté. Ya no trabajo. Ya no tengo rencores. Por culpa de Maná, ahora soy el nuevo Tommy, todo el día insensible, jugando al 3D Pinball.
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Prevención: Si toman un medio público, no salgan de su casa sin auriculares. Muchos colectiveros, taxistas y remiseros son parte de una peligrosa logia secreta que responde a su líder, Fher Olvera, ¡y quieren dominar el mundo secándonos el cerebro!
¡Qué pasa! ¿No me creen?

Por favor, no miren este video, porque la próxima vez que vayan a Cancún y encaren a una chica, van a querer estar rodeados de una cohorte de mariachis que los seguirán a todos lados preguntándoles cómo se hace para entrar ilegalmente a Estados Unidos. Lo peor es que ellos sí van a ingresar, pero ustedes se quedarán sin remedio en la frontera preguntándose compungidos dónde queda la casa de Verónica Castro.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: todos sus discos, sin excepción.
ANTIDOTO: glucagón.

CHRIS CORNELL - Scream

2009-04-02T12:28:00.009-03:00

- Hola, ¿mister Timbaland?. Acá le hablamos de Interscope Records. Tenemos un artista al que le encantaría trabajar con usted. Su nombre es Chris Cornell.
- No sé de quién me hablas, chico.
- Eh, él estuvo en Soundgarden. ¡Y también cantó en Audioslave!
- No sé quiénes son esos, brother.
- No importa. ¿Le sobran algunos ritmos de las sesiones de Duran Duran con Timberlake?
- Yeah, man. ¿Cuánta lana van a pagarme?
- Suficiente como para ahogarse en una piscina repleta de oro líquido.
- ¡Hecho!
El disco se impulsó y desarrolló en unos pocos meses, luego se editó y, como era de esperarse, resultó un chasco. Ergo… ¿Reunión de Soundgarden para 2010?

Ahora bien, ¿por qué ocurrió algo así? ¿No es esto acaso un síntoma inequívoco de que el espíritu del rock está definitivamente amputado, de que cualquier cosa se transforma en cualquier uva, y de que los artistas y productores cada día se defecan más en las expectativas de los seguidores, sin importarles la calidad? Lamentablemente, hoy en día lo único importante es la plata, pues la cultura va y viene.
En la serie animada infantil “Bratz”, las chicas, empecinadas en consagrarse dentro de la cultura “cosmo”, forman una banda de rock como una de las condiciones sine qua non para lograr sus objetivos de pertenencia fashion. Lo mismo sucede en el mundo del marketing: el rock ya es un vehículo excelente para vender cualquier mercancía. Habría que inventar, pues, algo nuevo que lo suplante y que vuelva a ponderar la rebelión como premisa generacional.

“Scream” es la antítesis de la obra de Cornell, atestada de sequencers, computadoras, drum machines, sintetizadores, distorsión vocal y un productor millonario de hip-hop. ¿Qué? Dejen eso para deficientes que no saben cantar ni escribir su propio material. Chris posee una maravillosa voz y, cuando quiere, puede tomar una guitarra y hacer buena música, en vez de ponerse disfraces que le quedan incómodos y ridículos. Absurdos como el cuasi reggaeton “Time” y la intervención de Justin Timberlake en “Take me alive”, empañan toda esperanza de redención de este artista. ¿Se preguntarán si se puede esperar algún milagro de todo esto? Sí, pero para eso hay que ir hasta el final de “Watch out” y esperar el track oculto. Mi recomendación es que rescaten ese “hidden track” y tiren el resto al retrete. Sepan que no hay mucho más que agregar acerca de esta bobada de álbum de desconcertante electro-pseudo-grunge, que suena a unos Westlife pasados de esteroides, y que no merece siquiera el mote de producto pop.

Ahora, si me permiten, voy a hablarles de algo mucho más deleitante que este descarrío, tanto como para escurrir el mal sabor que queda en la boca luego de paladear esta insolencia al buen gusto. He realizado un estudio acerca de las sensaciones que transmiten los caramelos Superácidos LIPO, perfectamente equilibrados en cuanto a acidez-gusto-duración, bajos en azúcar y aptos para celíacos. Su cobertura rugosa temprana ya es una tentación en sí misma y va desapareciendo, conforme se los va catando, hasta moldear formas inverosímiles. Cada sabor transmite una sensación única, a saber:

UVA: Los codiciados violetas nos llevan a experimentar un ‘love-in’ psicodélico, en el que los Grateful Dead danzan alrededor nuestro, hasta alcanzar el paroxismo de una bacanal colmada de pura libido colectiva.
PERA: Verdes como un denso y húmedo bosque de Hungría. Cada rama y cada pequeña roca del sinuoso camino se conjugan en sincronía con líquenes y musgos, mientras hadas y gnomos urden planes para envolvernos en sus encantos.
FRUTILLA: Rojos como la auténtica pasión, ideales para tener sexo en plan tántrico, recorriéndose los cuerpos en completa armonía y dicha sin límite. Se disuelven en sus bocas como la orquídea que invita al distraído insecto a perder la cabeza por amor.
ANANÁ: Blancos como las arenas de paradisíacas playas en recónditas islas del Pacífico, libres de pruebas nucleares y con atardeceres soñados en condominios lujosos, donde las sensaciones aluden directamente al placer más pueril del Trópico.
LIMÓN: Con los amarillos nos acercamos a la noción más augusta del poder, y nos sentimos emperadores de lo imposible, en un mundo de aristas competitivas y sobrios ademanes, necesarios para una organización empresarial eficiente.
NARANJA: Si bien son los menos deseados, no son pocas las reacciones que producen. Imagínense en una planta embotelladora de líquido lavavajillas, cuya línea de producción, de golpe, se sale de su cauce. Vislumbren el contratiempo que ocurre cuando miles de litros de detergente naranja inundan las diferentes oficinas de la planta industrial. Ustedes, muertos de risa, mientras que al gerente le da un colapso.
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Conclusión: Querrán saber si el dueño de LIPO me pagó por escribir esto. No, ni en un millón de años. Y si así fuera, seguramente sería 2000 veces menos que lo que pagó Interscope a Timbaland por producir el atroz “Scream”.
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"Morena, dale con tu técnica que yo tengo tu táctica, dale boster, aceita las automáticas, yo soy tu gangster, mami, tú eres mi lunática, dale morena, que tú eres mi psicótica. Baila morena, baila morena, perreo pa' los nenes, perreo pa' las nenas." (Letra de "Baila morena", de Don Omar, con que Timbaland arengó a Chris Cornell para realizar "Scream".)

Y yo digo: "Black hole sun, won't you come and wash away this trash."

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: no hay.
ANTIDOTO: "Euphoria morning" (1999).

STATUS QUO - Famous in the last century

2009-03-24T15:04:00.009-03:00

Desde muy pequeño, Jaime amaba jugar con camioncitos. Se pasaba todo el tiempo imitando los ruidos de los motores de cuanto vehículo le era regalado. Su padre, un prominente médico de Buenos Aires, veía con ojos suspicaces la conducta de su hijo, a quien, casi a diario, inquiría con comentarios hirientes del tipo: “Jaime, algún día vas a tirar a la mierda esos chiches y te vas a convertir en doctor, como yo”, a lo que Jaime contestaba invariablemente: “No, papá, voy a ser camionero.”

Jaime hizo de todo en su pubertad, desde vender revistas viejas hasta cortar el pasto, a fin de juntar dinero para una camioneta. Guardaba lo recaudado en un recoveco secreto de su habitación y, finalmente, tras varios años de sacrificio de no comer ni una golosina, juntó el capital suficiente para comprarse un pequeño utilitario desvencijado con el que inició sus primeros repartos.

A la par de esto, su tío le regalaba para su 18º cumpleaños un álbum de una nueva banda prometedora que, dada su afinidad con el sonido típico del mundo del transporte, lo cautivó de inmediato. El disco era “Piledriver” y el conjunto era Status Quo, máximo exponente del boogie-rock. Jaime se hizo seguidor religioso de esta leyenda, al punto de no querer escuchar otra cosa y estar enterado al dedillo de todos sus lanzamientos.
“Ya sé que son grasas, papá, pero tienen algo. ¿Sabés qué es? Que son ingleses, y hasta para hacer música de camioneros son finos.” Por supuesto que el padre oía todo esto como si proviniese de un altavoz del mismísimo Infierno, indignado por la cada vez más acentuada vocación de su hijo.

A los 32 años de Jaime, los Quo ya habían editado unos cuantos discos, muchos de ellos notables, y que nuestro protagonista atesoraba en formato de cassette -o magazine- en su flamante camión Deutz: “Ma Kelly's greasy spoon”, “Dog of two head”, el citado “Piledriver”, ”Quo”, y los notables “On the level” y “Blue for you”. Los sonidos de un poderoso autoestéreo plateado retumbaban en la cabina y Jaime meneaba sus largos cabellos rubios, fascinado por los grandes hitos del grupo de Francis Rossi y Rick Parfitt. Mas no todo eran rosas, claro, ya que la banda también había editado mezquindades, tales como “In the army now”, “Ain’t complaining” o “Don’t stop”, pero Jaime hacía la vista gorda y seguía cantando lo poco que de esos discos se podía rescatar. El camión devoraba kilómetros de carreteras, mientras los pueblitos del Interior se sucedían y las melodías se intercalaban sin cesar, entonadas por Jaime, siempre con la frescura de la primera vez.
A esta altura, ya estaba más que claro que Jaime nunca sería médico, como su padre lo soñaba. En vez de eso, progresaba manifiestamente con su oficio y se lo veía por todos los pueblos de la Argentina, luciendo su Scania ‘R’, el armatoste insignia de una flota propia de 23 vehículos, uno por cada álbum de Status Quo editado.

“¿Cómo andás, Jaime querido?”
“Llámeme Jimmy, señora.”
“Sí, claro, es que nunca me acostumbro.”
“Porque Ud. no conoce los códigos del rock.”

Sin embargo, nada está destinado a perdurar para siempre. A pesar de disfrutar de una existencia plena, nadie imaginó que Jaime sufriría el gran impacto de su vida, suceso del que jamás lograría recuperarse. En 2000, Status Quo publicaba su apocalíptico “Famous in the last century”, un nuevo álbum de covers, más feo todavía que “Don’t stop” y más ordinario que canapé de polenta.
Los estropajos musicales se sucedían y Jaime no salía de su asombro. Versiones repelentes de clásicos de los Everly Brothers, Chuck Berry, Buddy Holly, Little Richard, Robert Johnson y Elvis -entre otros-, hechas con el mayor desgano del que se tenga memoria, todo debido a una supuesta obligación contractual ineludible, pero que, sumada a una total ausencia de boogie, dieron forma a un bochorno de proporciones épicas.

A raíz de esto, Jaime cayó en una aguda depresión y su vida se derrumbó. Tenía 46 abriles cuando realizó un último viaje a Buenos Aires para estacionar su camión en una agencia de usados. Entregó las llaves y se dirigió a pie a la Facultad de Medicina, donde se inscribió. Cursó la carrera en tiempo récord: 4 años. Entregó el título de médico a su anciano padre, quien no cabía en el cuerpo de la felicidad. Lo abrazó y besó sin dejar de notar que Jaime no movía un solo músculo facial. ¡Qué importaba! El cometido había sido logrado.
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En los años siguientes, Jaime ejerció la medicina sin chistar y no volvió a escuchar a su banda favorita, ni a sonreír siquiera. Más aún, aprendió a odiar el rock con inédito fervor. Había satisfecho los deseos de su padre pero se había transformado en el ser más amargo y antipático del conurbano.
Cierta vez, cuando viajó a Mendoza con motivo de un importante simposio médico, alguien lo reconoció en la calle.

“¿Cómo andás, Jimmy querido?”
“Llámeme Jaime, señora.”
“Sí, claro, es que no me acostumbro.”
“Porque Ud. no conoce los códigos del jazz.”

"Good golly, Miss Molly", por Status Quo, en vivo en la pizzería "Los Inmortales". Bueno, ahora en serio. Este tipo de muestras de involución hacen que, al lado suyo, tipos como Hijos Del Oeste parezcan TV On The Radio y Toti Iglesias el maestro de música de La Monte Young.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Back to back" (1983), "In the army now" (1986), "Ain't complaining" (1988) ó "Perfect remedy" (1989).
ANTIDOTO: "Dog of two head" (1971).

ELTON JOHN - Victim of love

2009-03-11T19:57:00.008-02:00

No tengo absolutamente nada en contra de los gays, de hecho, tengo algún que otro amigo artista del palo, y tengo cierta consideración por sujetos como Morrissey, Pansi Division, George Michael, Roddy Bottum, Stefan Olsdal o nuestro Iorio.
Pero cuando el asunto pasa por escribir cancioncillas para princesas muertas, o triviales leitmotiv para exclusivo deleite de modistos y señoras de alcurnia, la cosa se empieza a complicar, porque todo acercamiento a un glamour excesivo decanta inevitablemente en la peor podredumbre por garrafal altanería.
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Éste no es el Elton John genuino de “Honky Château” y “Goodbye yellow brick road”. No, señoras. La imagen que nos muestra Elton en este álbum pletórico de música disco, hace que Bruno Gelber, a su lado, parezca un guerrero bravío al estilo de Conan, el bárbaro.
Debido a este desastre, bien podría considerarlo para el juicio de Nüremberg, pero, en cambio, preferiría que viajemos al interior de su mente, en el preciso instante en que nuestro agasajado meditaba sobre los resultados de su mayor atrocidad perpetrada hasta la fecha -el repugnante “Victim of love” (1979)-, a fin de que él mismo haga su descargo.

¡Oh, musas mías en el ineluctable ocaso de mi exangüe creatividad! Volved a mis dominios a enseñarme el camino atinado. El encanto de mi carrera se extingue, cual corola de la flor más vistosa venida a menos, y las luces de mi camerino ya no se ven como otrora, cuando lucían a tono con mis trajes de lamé y yo brillaba junto a mi lustroso y nacarado piano. Mis sentidos quedan hoy oprimidos por la mezcla de diversos perfumes enrarecidos que brotan de extraños incensarios, junto con fortuitas melodías vacilantes que no alcanzan a sorber inspiración alguna. ¿Verdad que en los buenos tiempos la gente se sentía embriagada frente a mi delicada magnificencia? ¿Y que es de mí, ahora, deidad caduca, en el aciago ocaso de mi ser? Sucumbir frente a las tentaciones de la riqueza fácil, ah, si sólo pudiera rehacer...
¡Oh, mis rosas, mis encajes, mis candelabros, mis ornamentaciones escénicas fastuosas, descascarándose sin piedad y acumulándose cual polvo insignificante en el suelo mismo de la vergüenza!
Inconmensurable vacuidad de folios en blanco, de sosería estéril con partituras vacías aguardando ser atiborradas con sutiles notas gráciles y armonías etéreas que ahora yacen espectralmente arruinadas por quien yo creía era un iluminado por los dioses, todo a causa de mi afán desmedido de gloria instantánea. Mis refinados ademanes y mis gigantescas gafas -símbolos inequívocos de una pretérita era platinada-, convertidas en nimias lentes de contacto de la decadencia irremediable.
¿Dónde estás, mi adorado Peter Bellotte, apego insustituible en mi hora de infortunio? Tú, que has invadido mi alma con tus encantos, que has seducido mi ininspirado espíritu y mancillado mi prestigio con aquellas composiciones tuyas que prometiste serían descollantes, desapareces de súbito de mi vida para dejarme solo y desamparado frente al oprobio generalizado, de cara a la bestialidad mediática que desea, al presente, mi pronta caída.
Tú, que encandilaste mi aura con los embrujos de la pista de baile, con aquellos fatales flirteos de adversas influencias de Donna Summer, lamentas –dices- las magras secuelas de nuestra creación, de nuestra supuesta indulgente labor en conjunto.
Tú, mi bienquisto y dilecto guía, mi Peter Bellotte, ¡me has partido el corazón!
¡Oh, Pete! ¡Ah, Pete! (Snif)
Pues bien, se preguntarán ustedes si me siento arrepentido de este ludibrio. Indudablemente, sí. Pido perdón a la música, al arte, al género humano, al honorable Chuck Berry por ultrajar su “Johnny B. Goode”, y a toda la inmensidad del Cosmos, por ritmos tan impúberes e improcedentes -cuando no, aterradores- como los de “Born bad”, “Thunder in the night”, “Spotlight” o “Street boogie”, pues no tenía dominio cabal sobre mí mismo y, por ende, de lo que hacía. Y, pese a que la casi totalidad de los temas pertenecen a mi ahora renegado Peter, no quiero con esto descargar las culpas ni dejar de hacerme cargo por semejante desventura discográfica, pues es mío el nombre que ha sido deshonrado y no el de aquél. Mal que me pese, fui “víctima del amor”.
Soy yo, por supuesto, Sir Elton Hercules John, nacido bajo el nombre de Reginald Kenneth Dwight, quien se ha burlado de mi amado público, y juro no volver a incurrir en semejantes desgracias, so pena de acudir, sin dudarlo un instante, al cuchillo lacerante y justiciero, el que escindirá mis venas y concluirá mi triste existencia.

Mmmmm… Ok, Elton, quedamos así.
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Conclusión: Coquetear con la música disco conlleva sus riesgos. Podés alcanzar el status de una rutilante “dancing queen” o, como en el caso de Elton John, quedar reducido a una miserable sierva de la gleba.

Aquí tienen a Elton haciendo su música disco en este audioclip de "Born bad". Ahora sólo faltaría que Gloria Gaynor y Rick James renazcan de sus sepulcros para hacer el mejor gore metal.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Leather jackets" (1986), "Duets" (1993), "Aida (Original concept album)" (1999) ó "The muse" (1999).
ANTIDOTO: "Goodbye, yellow brick road" (1973).

AARON CARTER - Aaron Carter

2009-03-02T10:53:00.011-02:00

Memorias de aquel infausto 2071. La Tierra ya no era el mejor lugar para vivir. Su aire, enrarecido por siglos de contaminación, hacía estragos entre la población de más de 12.000 millones de habitantes, regidos por una minoría de sólo 60.000 aristócratas gobernantes globales, poseedores de la totalidad de los bienes de capital y de los escasos manantiales de agua que aún sobrevivían, luego de la última gran peste virósica devastadora.

No obstante, en nuestro Mundo todavía seguía imperando cierta noción de Humanidad, pues nadie sospechaba todavía que se podía llegar estar mucho peor que eso.

Aún recuerdo cómo habían sido los festejos por el Centenario de la edición del álbum beatle “Revolver”, en una rara versión -lanzada en 2066-, de retrovinilo posdigital enriquecido con silicio sintético. Ésa era la muestra de música popular que el trasbordador Marathon VI debió haber llevado al espacio exterior, en representación de nuestra civilización, junto con un vasto popurrí de diversos ejemplos artísticos y culturales, seleccionados entre diferentes pueblos, y no el bochorno que finalmente se embarcó.

Pero, como ya dije, no fue así. Algún viejo directivo idiota y mesiánico de la NASA sustituyó, a último momento, el mencionado paradigma musical por el álbum debut de Aaron Carter, un teen popstar olvidado por el público desde hacía muchas décadas. El disco en particular fue lo de menos, ya que todos los de este imberbe minusválido son idénticos en contenido y calidad.

Pero eso no fue todo. Créase o no, por un descuido de otro imbécil por el estilo, no se incluyó ningún otro ejemplo cultural más que el mencionado. Es decir, ese disco fue lo único que viajó hacia Próxima Centauri.

¡Y aquel aparente error inocente derivó en catastróficas consecuencias para nuestro planeta!

El trasbordador, luego de cinco años de travesía, a una velocidad de Mach 760, acabó colisionando contra el Palacio Gubernamental de un tranquilo y laborioso planeta llamado 2M1207b, y luego de una minuciosa inspección del envío terrestre, por parte del Consejo de Sabios alienígena, éste llegó a la conclusión de que el género humano es infinitamente más pacato y primitivo que su propia civilización.

La reacción ante el innecesario agravio no se hizo esperar. Una enorme flota de naves, de proporciones indescriptibles, provista de una tecnología demasiado avanzada para nuestro raciocinio, invadió la Tierra, y en menos de cuatro días redujo a cenizas el 84% de lo que aún quedaba vertical sobre la superficie terrestre. Sobre llovido, mojado: millones de personas perecieron en aquella operación, lo que casi significó el fin de nuestra era.

Una vez cumplida su terrible misión, la expedición volvió a sus lejanos dominios para nunca más volver. Jamás volvió a saberse nada de la misma, no obstante, los invasores dejaron, a modo de “souvenir”, un curioso arcón esferoidal realizado en un metaloide inédito, conteniendo un dispositivo, que, luego de ser frotado, reprodujo el siguiente mensaje:

“TERRICOLAS: USTEDES SON UN MANOJO DE VETUSTOS INFRADOTADOS QUE HAN INSULTADO NUESTRA INTELIGENCIA, Y, CREEMOS TAMBIÉN, LA DE TODA LA COMUNIDAD INTERESTELAR.

SI ÉSE ES EL EJEMPLO DE SU DIMINUTA CULTURA ARCAICA, HEMOS HECHO MUY BIEN EN NO MENGUAR ESFUERZOS PARA VOLARLOS DEL MAPA. NO MERECEN PIEDAD Y ESTO SERÁ SÓLO EL COMIENZO, YA QUE LA AFRENTA HA SIDO COMUNICADA AL RESTO DE LOS PLANETAS DE NUESTRA GALAXIA.

NO PODEMOS CREER QUE ESE ESCARNIO HAYA SIDO VUESTRA CARTA DE PRESENTACIÓN. SEMEJANTE DESPILFARRO DE ENERGÍA EN POS DE TAMAÑA PATOCHADA. ¿ES ESO LO QUE HAN COSECHADO DE TANTAS GENERACIONES? ¿ES ÉSE SU ARTE MÁS ELEVADO, MÁS NOTABLE Y MÁS EVOLUCIONADO? ¡MALDITOS IGNORANTES, AUTÉNTICAS DESGRACIAS DE LA CREACIÓN! USTEDES NO PUEDEN SUBESTIMAR DE ESA MANERA AL PROJIMO, Y SIENDO LA ESPECIE MÁS INVOLUCIONADA DEL UNIVERSO, ¡MENOS AÚN!

¿QUERÍAN CONOCER NUESTRA OPINIÓN? PUES LA DESTRUCCIÓN MASIVA QUE LES HEMOS PROPINADO SERÁ NUESTRO ÚNICO COMENTARIO AL RESPECTO. AHÍ TIENEN, PUES, NUESTRO VEREDICTO: SU MÚSICA NO VALE NI MEDIO GRAMO DE POLVO CÓSMICO, PATANES.

ASÍ Y TODO, CREEMOS QUE DEBERÍAN ESTARNOS AGRADECIDOS, YA QUE HEMOS SIDO BENÉVOLOS, DEJÁNDOLES ALGO EN PIE DE VUESTRA REPULSIVA CIVILIZACIÓN. PERO VENDRAN OTRAS NOBLES CULTURAS, IGUALMENTE INJURIADAS, A CONCLUIR NUESTRA LABOR, DOLOROSA PERO NECESARIA, PARA QUE JAMAS DE LOS JAMASES VUELVAN USTEDES A ARROJAR OTRA ASQUEROSIDAD COMO ESA AL ESPACIO.”

Conclusión: La vida continúa y debo ponerme a reconstruir mi casa, pero "lanzamientos" así hacen que me avergüence de formar parte de la especie humana.

Imaginen a los Midachi bailando en el caño, totalmente desnudos y con fondo de Luciano Berio. Un juego de niños, ¿verdad? Porque nada puede ser más espeluznante que este video de "Crazy little party girl", del prematuro de Carter.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: absolutamente todo lo que haya grabado este engendro.
ANTIDOTO: Igor Stravinsky - "La consagración de la primavera" (1913).

GG ALLIN - Carnival of excess

2009-02-22T16:47:00.009-02:00

Los entendidos en escatología afirman que es de buen tono ubicarse dentro de alguna categoría que ofrece el arte de la apreciación de la mierda, y no ser un simple improvisado en la materia. Aunque no lo crean, dentro de este mundo hay escultores, equilibristas, reposteros y otros, algo más moderados, los sonidistas. La ‘cacona’ atrae a estos especímenes, que por suerte no representan más del 0,002% de la población mundial, pero que, a fuerza de caos, llaman la atención irremediablemente.

La vida de Kevin GG Allin fue un compendio enfermo de arte escénico, donde no había límites para sus excesos, actuando desnudo, golpeándose con el micrófono, recibiendo puñetazos del público, dejándose escupir y lacerar, defecando en escena, comiéndose su propio excremento, arrojándoselo a la gente, dejando que sus novias vomiten, orinen y evacuen en su boca, probando todo escabio y droga barata que llegara a sus manos, violando mujeres inocentes que por alguna razón confiaban en él, y muriendo por sobredosis de heroína (lo que fue una bendición, pues había anunciado que se suicidaría en vivo, llevándose a unos cuantos del público con él). Estas “cualidades” fueron las que lo hicieron famoso. ¿Famoso? ¡Nada más lejos de la verdad! Si hay alguien que le debe más de tres cuartos de su fama a la Web es este sujeto, ignorado olímpicamente antes del fenómeno de la globalización.

¿Puede alguien con un mínimo de cerebro ponderar media actitud llevada a cabo por este reprobado engendro? Sin ánimo de comparar, pero Pink Floyd tuvo que rodearse de una parafernalia de luz, imagen y sonido para suplir una presencia escénica pobre e inanimada. Por lo tanto, sostengo con hechos que un tipo que realizaba este tipo de acciones era un tercio imbécil, otro tercio manipulador y el tercio restante incapaz, necesitando, por todos los medios, ocultar su falta total de talento artístico a través de estas aberraciones mediáticas. Nadie puede ubicar a este hombre dentro de sus más caras preferencias, simplemente porque esto atentaría contra el sentido común, y estaríamos hablando de insanos mentales, gente que no me interesa tomar en cuenta a la hora de un criterio musical.

Pero hay que ser justos. No son pocas las personas a las que la escatología les sienta como anillo al dedo y sueñan con tener una experiencia con estiércol. En la mayoría de los casos, todo queda arrinconado en sus mentes, pero GG Allin vivió ese sueño e hizo que, al lado suyo, estrellas “transgresoras” como Sid Vicious e Iggy & The Stooges se vieran como Perry Como y los Osmond Brothers, respectivamente.

No me importa, en el fondo, lo que hizo este señor con su culo, pero sí me indigna que haya usado la música como vehículo para mostrar sus patologías y ocultado la verdadera mediocridad que pasaba por su podrida mente: una música de muy baja calidad.

Puede que siempre que se hable de Allin sea por motivos extramusicales, pero, aunque la proporción es muy baja, en cada disco se puede encontrar alguna que otra canción interesante (además de shockeante), cualquier bestialidad que se pueda uno imaginar de títulos como "Suck my ass it smells", "Dog shit" o "Sleeping in my piss"; todo contenido en un punk rock corrosivo, berreta, rancio y muy maloliente, valga la redundancia.

¿Por qué elegí este disco en particular si, al fin y al cabo, es el mejor producido de todos? Porque retrata al GG Allin menos representativo, en un álbum donde escasea por completo la tan promovida violencia. En este albumejo, de neto corte COUNTRY & WESTERN, Allin -junto al Criminal Quartet- deja de lado toda distorsión y toda podredumbre, llegando incluso a sonar y ¡CANTAR! al mejor estilo Johnny Cash o John Denver. Pero, a pesar de mostrar letras algo más maduras que en otros trabajos -caso “Outskirts of life”- y buenas recreaciones de covers –caso “Carmelita”-, ¿qué quería probar con esto? ¿Que usando el género más machista y segregacionista del mundo se vería como el más macho entre todos los arios?

¡¡NINGÚN FAN DE COUNTRY ELEGIRÍA ESTE DISCO Y NINGÚN SEGUIDOR DE GG ALLIN ELEGIRÍA ESCUCHAR COUNTRY!!

Siempre cabrá la duda en torno a este siniestro personaje: ¿era o se hacía? Él especuló con nuestra duda durante toda su vida, y construyó, desde esta incertidumbre, su carrera. Internet hizo todo lo demás.

Si el punk presuntamente tenía que demolerlo todo, transgredir, vivir rápido, morir joven y dejar un adecuado cadáver, GG Allin se tomó todos estos principios al pie de la letra y se dedicó a inmolarse sobre el escenario a lo largo de los 15 años que estuvo activo.

Conclusión: No está mal que tengan un compilado de GG (podría ser “Faggots, freaks, drunks & junkies”), porque tampoco se trata de pedofilia o satanismo. Pero seguir de cerca a este monstruo es otra cosa. Piensen que en algún momento de su vida van a tener que salir a buscar trabajo, y a la turrita que les tomará la entrevista le gusta que lleguen oliendo a lavanda.

Para escuchar adecuadamente esta cursilería de cover de "Carmelita", uno tendría que comprarse un camión oxidado y destartalado, todo cagado por las gallinas y acompañado de las peores ruteras sifilíticas del condado. Si no es así, mejor hacerse mormón. (¡O escuchar otra cosa!)

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Boozing and pranks" (1985), "Aloha from Dallas" (1995), "Terror in America" (1995), "I was a murder junkie" (1999) ó "Res-erected" (1999).
ANTIDOTO: "Freaks, faggots, drunks & junkies" (1988).

SIMPLE PLAN - No pads, no helmets... just balls

2009-02-12T18:24:00.013-02:00

El poder de la música como elemento de tortura es bien conocido por su efectividad. Tal es el caso de Rage Against The Machine, la banda favorita del coronel Dan Kuehl, célebre torturador de la base norteamericana de Guantánamo, quien, luego de mantener despiertos a los prisioneros por varios días, utilizaba sus discos para someterlos a altas dosis de volumen bestial en cuartos cerrados, helados y oscuros.
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Existe cuantiosa documentación histórica que evoca estas prácticas, partiendo del Antiguo Testamento, la vez que Josué utilizó el estruendo de miles de trompetas para introducir el miedo en el corazón de los habitantes de Jericó y acabar con sus murallas. En el siglo VII a.C., la princesa china Wu Tsen gustaba de castigar a su servidumbre, sometiéndola al sonido abrumador de gongs de gran tamaño hasta producirle sordera. Bajo el reinado de Iván el Terrible, se utilizaron orquestas con balalaikas desafinadas para obtener confesiones grupales de cautivos en combate. Un abad polaco descubrió, en 1771, que el unísono monocorde es un arma muy poderosa a la hora de infligir tormento. Utilizando las campanas de una iglesia como amplificadores, hacía ejecutar a sus monjes una misma nota aguda de oboe por varios minutos, lo que enloquecía a los seminaristas descarriados. A mediados del siglo XIX, durante la Rebelión de los Cipayos, el general Padham incorporó a su equipo de intimidadores una sección de gaitas para producir severos daños neurológicos a los jefes enemigos capturados. La infame Gestapo torturó a muchos disidentes del régimen nazi, de 1937 a 1945, utilizando frecuencias provenientes de osciladores que resultaban insoportables para el oído. Las víctimas “cantaban” como zorzales al cabo de pocos segundos de tratamiento. En el film “Apocalypse now” se ve cómo una flotilla de helicópteros descarga sobre una aldea norvietnamita la “Cabalgata de las Walkirias”, de Richard Wagner, con el propósito de sembrar el terror.

Ahora bien, está en vos optar por hacer el bien o aprovecharte de la buena intención de esta columna para desatar el infierno en tus allegados. El poder devastador del álbum “No pads, no helmets... just balls”, debut de la banda canadiense proto semi pseudo cuasi emo pop-punk Simple Plan, posee todas las características para los propósitos descritos y de vos depende usar esta data a conciencia y sin fines pérfidos. No incurras en el craso error adolescente de violar el polietileno que envuelve esta auténtica “caja de Pandora”, pues todo habrá de desencadenarse. Tus venas se comenzarán a estrangular, a la vez que tus glóbulos rojos harán su recorrido final hacia el corazón sentenciado. Tus neuronas se fagocitarán entre sí, mientras que tu estómago y páncreas iniciarán un paro por tiempo indeterminado. Experimentando náuseas como nunca antes, querrás arrojarte de bruces sobre los escaparates y bastidores de la proterva disquería que te recomendó este CD. Acabarás en un calabozo, donde los fantasmas de tu propia psiquis corrompida no te dejarán tranquilo. Tu cerebro percibirá una horrible reducción y se sucederán los espasmos que te harán sentir en un sótano indefenso de Nagasaki. ¡Todo por culpa de un disco que vos creías que era sólo un poquito agitador!

Aquí las letras parecen haber sido escritas por un preadolescente de escasos trece abriles, y palabrejas como “worst ever” son usadas una y otra vez. Los primeros 15 segundos de canciones como “The worst day ever” o “Don’t mean anything” suenan idénticos, y la formulita se perpetúa hasta la ultrasaciedad en el resto de los desaciertos que pueblan esta imprecación. Respecto al tema de la edad, jamás confíes en una banda cuya base de apoyo, los fans, está luchando por zafar materias del secundario. Tontos con acné y Marshalls caros que jamás transmitirán fuerza y que tampoco tienen inquietudes claras como para comunicar algo más que chiquilinadas que desaparecerán de la memoria apenas aquéllos se gradúen.
Así es esta deshonra al punk rock, fruto de este puñado de amanerados estafadores, 100 veces menos dignos que Sum 41, 1000 veces más mezquinos que Blink~182, 10000 veces más perniciosos que Green Day, y 1000000 de veces más despreciables que Good Charlotte.

Mal que nos pese, el mensaje de este álbum es claro: “Punk IS dead”.
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Conclusión: ¿Vale la pena este sufrimiento con intenso sabor a ‘mainstream’? ¿Este pop chicle con distorsión que sólo manchará tu currículum para siempre? Mi consejo es que te apartes de este mal augurio, pues te hará perder criterio y comenzarás a respetar el ‘hair metal’ como nunca antes. Bueno, al menos en ese género de mierda los músicos te dan lecciones de cómo vivir frenéticamente, mientras que los Simple Plan te enseñan cómo elegir los dulces adecuados para Halloween. ¿Dulce o truco? No hay elección. Esto es muy dulce, y a la vez, ¡el peor truco!

This is Simple Plan's video for "I'm just kid". Just a kid? Did you say "A KID"?
Well, you're not kids anymore, dudes. So grow up as soon as possible, you little harmless high school jerk motherfuckers.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: toda su discografía.
ANTIDOTO: no hay.

RUSH - Power windows

2009-02-03T20:21:00.016-02:00

- Dios, ¿estás ahí?

- …

- Diositooooo…

- …

- ¡Por Dios, escúchame!

- Sí, Mecko, ¿me buscabas?

- Lo de siempre, mi Señor, tratando de lograr un poco de equilibrio para mi gran causa.

- El único que cree que un blog es una gran causa eres tú.

- Bueno, es lo que mejor me sale.

- O tal vez sea lo único.

- Eres cruel.

- Soy justo. Tienes otras causas en que concentrarte: mujer, hijos, trabajo. Y me parece que no van tan bien.

- Cierto. Los estoy descuidando un poco. Quizás esté muy obsesionado con esta labor de hacerle ahorrar dinero a la gente en compras innecesarias y…

- …y bla, bla, bla.

- No me tomas en serio.

- ¿En serio? Ja. Ahora Mecko se convirtió en el nuevo Redentor. No me molestes, ¿quieres? Tu blog es bueno, pero tú crees que la gente va a dejar de lado sus costumbres arraigadas de siglos de acatar y consumir basura. Mecko, por favor, ¿por qué piensas que existe la música mediocre? Es para que exista la destacada. Sin una, no existiría la otra. Sin Pat Boone, no existiría el Captain Beefheart. Yo creé a ambos, ¿comprendes?

- Sí.

- Además, si se acabara la basura, ¿a qué te dedicarías? Serías uno más que postea discos. Y a ti te gusta ser único, ¿verdad?

- No, lo primordial es ser creíble.

- Mientes. Toda persona que hace un blog quiere cultivar su ego, sin excepción. Es la pequeña cuota de fama que les otorgué a los humanos mediante Internet. Mecko: tú tienes seguidores y además conoces el oficio. ¿Acaso estás preocupado por fallarle a la “clientela”?

- Yo no desperdicio la virtud que me diste. Es sólo que, a veces, siento que el rollo se acaba y me desespero por no reiterarme.

- No es eso. En verdad creo que tienes miedo de que por tirar tanta mierda termines hundido en ella.

- Veo que Dios también dice palabrotas.

- Soy muy malo si es necesario. ¿Me viste en las Escrituras?

- Sí, temor hay, pero ahora quisiera resolver lo de esta semana…

- ¿Qué?

- Comienza la tercera temporada y la gente espera.

- ¿Para eso me pediste ayuda?

- Sí, claro. Es que elegí un tema aburrido.

- ¡Rush!

- ¿Cómo lo adivinaste?

- Ja. No en balde me dicen “Dios”.

- No puedo decidir el disco a descuartizar.

- ¡Que sea “Power windows”! Recuerdo que yo abandoné a Alex Lifeson, Neil Peart y Geddy Lee en el momento de su concepción. Tenía cosas más importantes que atender y ellos no tomaban en cuenta mis sugerencias de hacer un alto en el camino.

-¿Sabes, Señor? Me encantaría que esta nota la hagas tú.

- No debería.

- ¿Has visto que últimamente la gente dice “debiera” o “pareciera” cuando no corresponde? Es la última moda pelotuda del hablar mediático argentino. La palabra “parecería” desapareció del mapa. Y encima no se usa más el ‘dequeísmo’, ni cuando concierne. Dicen “me doy cuenta que” o “a pesar que”.

- Sí, es irritante. Pero entiendes que si la gente fuera tan ideal como tú te la imaginas, estaría viviendo en el Paraíso y no en tu planeta.

- ¡Por todos los cielos! ¡La estupidez humana!

- Está bien que medites acerca de eso.

- La charla está buena, Dios, pero tengo que escribir sobre Rush. Y me quedan sólo mil caracteres.

- No es mi culpa.

- ¡Tú inventaste Fotolog!

- Bueno, indirectamente, sí.

- Hazme el favor, entonces. Dime aunque sea un par de líneas sobre este disco.

- No hace falta mucho más.

- Te escucho.

- El trío canadiense Rush tuvo sus momentos de gloria en los setenta, con buenos discos como “2112”, “A farewell to kings” y “Moving pictures”, combinando destreza con tecnología. Como toda banda nacida del hard rock, no supo bien elegir su repertorio para sobrevivir al cambio post punk. Por ende, llegó la decadencia, con álbumes que seguían teniendo un excesivo sabor a virtuosismo progresivo.

- Era su marca.

- Tal cual, pero cuando editaron “Power windows”, en 1985, el esquema de power trío se vino abajo con estrépito. Es un álbum blando, decadente, demasiado adulto, atiborrado de sintetizadores anacrónicos que no van a ninguna parte. Da la impresión de que comenzaron a valorar a Peter Cetera, siguiendo sus normas afeminadas de producción.

- Lo bien que hice en darte esto a ti.

- Las letras de Neil Peart también encontraron su nadir. Canciones como “The big money” ya fueron escritas por Roger Waters hace 12 años, “Manhattan Project”, es una predecible arenga sobre la bomba atómica, y “Marathon” es una absurda alegoría de la vida laboral que no encuentra salida a la aplastante rutina. Ya lo ves, Mecko: este disco es un inapelable bagazo y un derroche de dinero. Puedes conservar “Mystic rhythms”, si quieres, pero todo lo demás se lo puedas dar a mi eterno Adversario.

- ¿A Satanás?

- Sí, él tiene todos los discos que tú posteas aquí.

- ¿Crees que los integrantes de Rush irán al infierno después de esto?

- No, hay otros candidatos más meritorios para el Averno.

- ¿Por ejemplo?

- Aaron Carter.

- ¡Él está en mi lista para esta temporada! ¿Cómo lo haces?

- Yo sé todo acerca de la estupidez humana, Mecko.

- ¿Cómo, Dios mío?

- Yo creé Facebook.

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Advertencia: Si tenés este disco, tiralo al Diablo. Si no, que Dios te ayude.

¿Qué es esto? ¿Rock para técnicos de la NASA? ¿Progresiva para nerds? No, nada de eso. Es Rush pareciéndose peligrosamente a Starship, Asia, Heart y Soda Stereo a la vez.

¡Dios mío! Enviame ya mismo a ver un show de Journey. Sería algo más genuino y honesto que este Steven Spielberg Trio para el Oscar a la ampulosidad.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Presto" (1989) ó "Roll the bones" (1991).
ANTIDOTO: "Moving pictures" (1981).

LINKIN PARK - Minutes to midnight

2009-01-07T20:52:00.000-02:00

Déjenme decirles qué es exactamente lo contrario a “Nevermind”, de Nirvana, lo opuesto a “Dude ranch”, de Blink-182, la antípoda del álbum debut de Korn, e incluso la antítesis de “Hybrid theory”, de nuestros “agasajados” de hoy.
Permítanme contarles entonces cómo se hace para cocinar una de las mayores porquerías de ese polémico y sospechoso género llamado nu metal.
He aquí, señores, la receta para preparar el plato más indigesto, caro e insensato de la historia del arte culinario de retaguardia.

“MINUTES TO MAINSTREAM A LA LINKIN PARK”
(O el “revuelto gargajo” más desagradable de sus vidas, con precisas instrucciones para aterrorizar a sus amigos). ¿Listos para empezar? ¡A cocinar, se ha dicho!

Ingredientes:
· 6 músicos inútiles desprovistos de todo talento creativo.
· 12 canciones insignificantes supuestamente escogidas de entre 150.
· 1 productor indicado para arruinar su buena reputación.
· 10 millones de dólares en promoción
· 50 millones de imbéciles comprobados propensos a consumir este plato.
· Otros elementos culinarios que no viene al caso enumerar ahora.

Consejos prácticos:
Dejar de lado todo tipo de esencia de metal alternativo, ya que, de tomar en cuenta estos “tips”, harían más rica y tolerable esta comida, y, como ya lo saben, no es ése el propósito.

Preparación:
Mezclamos en un bol los seis músicos y agregamos al productor Rick Ruben para lograr un pastiche inconsistente, en todo sentido. Luego añadimos una pizca de nuez cascada ‘emo’, cocinamos a fuego arrebatado y rociamos todo con bastante energizante, puesto que la preparación, desde el vamos, carece de toda energía.
¿Qué les parece cantar algo de “Leave out all the rest” mientras cocinamos. ¿Se animan? ¡Vamos!

"WHEN THE TIME COMES,

FORGET THE WRONG THAT I'VE DONE.

HELP ME LEAVE BEHIND
SOME REASONS TO BE MISSED.

DON'T RESENT ME!

AND WHEN YOU'RE FEELING EMPTY,

KEEP ME IN YOUR MEMORY.

AND LEAVE OUT ALL THE REST,

LEAVE OUT ALL THE REST!"

Buenísimo. Seguidamente, ennegrecemos el caldo con diuréticos, algo de distorsión pasteurizada y aderezo Shinoda en mal estado. Agregamos cuantiosas dosis de sudor adolescente y profuso contenido explícito en base a palabrotas, con mucho sabor a ‘teen pop’, y desprovistas de todo gusto y credibilidad.
¿Qué cuernos está saliendo? Mmmmm... Bueno, no importa. Sigamos…
Repitiendo esta operación varias veces, vamos a observar cómo se forman en el caldo melodías cursis con ‘rapitos’ estériles, del tipo “Bleed it out”, “In between” o “Hands held high”, baladas enmeladas con ciclamato, a saber: “Shadow of the day” o “The little things give you away”, dos cortes genuinos, caso: “No more sorrow” y “What I’ve done”, y sólo una canción sugestiva: “In pieces”. A pesar de la heterogeneidad de este potaje, todas las tonadas contienen la misma invariable tabla nutricional: estrofa soft electro + estribillo hard violero.
Una vez armado el estofado primal, procedemos a dorar la píldora del desgano con varias cucharadas de sopa fría, ideal para revolver la grasa y no encontrar jamás el fideo de la imaginación. Pero piensen en la cantidad de fans de NSYNC que cautivarían con esto, gente linda.
Cuando rompe el hervor de los huevos, volcamos la pobre sustancia en una cacerola oxidada. Fritamos algunas albóndigas (junto con la salsa Lavigne, sustituto perfecto para la discontinuada “salsa Bennington”) en el más ordinario aceite de ricino Good Charlotte, esparciendo bastante polvo de ángel sobre la pasta base obtenida.
Ey, acabo de darme cuenta de algo: en los temas 2, 3 y 4 se repite la misma frase infradotada: “And no one cares” (y a nadie le importa). ¡Listo! ¡Quedamos así!
Agregar disimulantes y arruinantes para obtener el color verde inmaduro deseado. Desmoldar y dejar reposar 14 meses. Servir en bandeja giradiscos en desuso y acompañar con el sabor inconfundible de la salsa agria Evanescence. Decorar con abundante cantidad de crujientes billetes y pastillas de éxtasis vencidas, suficientes para hacerlo parecer un plato ‘cool’ y rebelde, pero no por eso menos rentable.

El secretito:
Esta inmundicia debe ir envuelta en un packaging de lujo, no sea cosa de quedar mal con la “distinguida clientela”. Así, el éxito del terror está garantizado, pues, con esta receta, nuestro guisado obtendrá nada menos que 20 discos de oro y 7 de platino. ¡Qué mundo generoso!
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Síntesis: Es terrible pretender entender cómo algo que entra por el estómago puede causar tanto daño al oído. Ya lo dijo una vez, el poeta tucumano: “Y este amor que hasta ayer nos quemaba, hoy el hastío ya le dio SABOR A NADA”.

Si pudieron con esta comidita infernal, acá les traigo el postre: "Bleed it out". Que les aproveche. Y si les cae mal, les paso el teléfono de un conocido que vende sales digestivas al pormayor.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: todos sus discos.
ANTIDOTO: no hay.

EDITORIAL: Las fiestas que nos merecemos

2008-12-23T21:16:00.022-02:00

Fin de un año exitoso para este blog autodefinido como "La planta purificadora de la música", donde el objetivo ha sido, una vez más, cumplido: advertirles sobre los excesos y la basura en la industria discográfica, ahorrarles dinero en compras innecesarias y hacerles ganar tiempo en downloads inútiles y perjudiciales para la salud.

"Feliz fiesta" es el deseo de Mecko para todos los seguidores acérrimos, lectores ocasionales, colaboradores desinteresados, amigos de siempre y detractores necesarios, prometiéndoles para 2009 más críticas despiadadas, sin descuidar la libertad de criterio, la sobriedad en el tratamiento informativo y el esmero en el trabajo periodístico.

Tengan todos un muy buen 2009, sin Santa Clauses corruptos, ni trineos oxidados, ni renos alcoholizados, ni pirotecnia asesina, ni regalos indigestos. Sólo paz, prosperidad, trabajo, amor, salud y buena música, lo que no es poco pedir.

Nos vemos el próximo año en la tercera temporada de Los Peores Discos. Mientras tanto, disfruten su sidra y voten las nuevas encuestas. Hasta pronto...

JOHN & YOKO / PLASTIC ONO BAND - Sometime in New York City

2008-12-11T12:18:00.018-02:00

¿Quién puede negar la importancia de John Lennon como figura emblemática de la música, de la PAZ y de la cultura? ¡Nadie! Pero dejemos esas blablablinas y blablabletas para los sitios que enseñan cómo ayudar a cruzar la calle a viejecitas indefensas, o para algún iluminado que elabora cándidos “pps” predicando sabiduría por boca de ganso (con fondo de “Imagine”). Aquí se cuecen otras habas: las del Lennon confundido, errado, displicente, demagógico y pretencioso.
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Cierta vez, John dijo “avant-garde es mierda en francés”, y a pesar de ello, se le atribuye ser el alma vanguardista de los Beatles, injustamente, pues era Paul McCartney quien investigaba los límites de la experimentación, contribuyendo, sin nada de marketing, al progreso de esta faceta del cuarteto. Así las cosas, John, tras acercarse a la galería Indica y conocer a la resentida y fracasada artista conceptual Yoko Ono, comenzaba a darse cuenta de que el pop podía ir más allá de sus efectivas y seguras canciones. Recordemos que en esos momentos Lennon pasaba por un estado de depresión galopante y se hacía arcilla en las manos de cualquier falso gurú y, claro está, de Yoko Ono. Y ésta, ni corta ni perezosa, hizo de él su mejor y más efectiva escultura.
Por ende, John sacó a relucir sus flamantes dotes de vanguardista abrumando a la opinión pública con rarezas indigestas como “Two virgins”, “Life with the lions” y “The wedding album”, intentos de muy mal gusto y peor resultado que, de haber sido hechos por alguien con menos estampa, habrían quedado en la peor inadvertencia. Y ni hablar de “Revolution 9”, un capricho que manchó el Álbum Blanco (ojo, no quiero decir con esto que “Ob-la-di, Ob-la-da” lo encumbró) y que trajo consecuencias nefastas en el seno del grupo, sin olvidarnos de su empeño en incluir a Yoko en las sesiones, a pesar del rechazo y la burla del resto.
Tal fue su vocación experimental que, pasada esta etapa, no volvió a incursionar en esas extravagancias. Por tal motivo, no voy a elegir dichos discos para mi cometido, pues sería menos adecuado que afirmar que Miguel Mateos actuó con el Kronos Quartet.
Los tiempos psicodélicos caducaban y la realidad, de la mano del “mayo francés”, se volvía más belicosa y comprometida. Ya no servía de nada seguir alucinando con las cajas electrónicas del mago Alex, por lo que había que ponerse a tono. Y John dejaba de ser hedonista para acariciar una muy condimentada campaña por la PAZ, luciendo su inconformismo en ocupaciones de cama, encierros en bolsas, recolección de bellotas y rapado de su cabello. Mientras tanto, Yoko vaciaba las arcas de Apple consumiendo toneladas de genuino caviar ruso.
Luego del fracaso del pacifismo, John y Yoko decidieron radicarse en EEUU, pero ante la negativa de las autoridades locales de concederles visados, John se volvió un iconoclasta social irritando a las instituciones al apoyar actos políticos contrarios a la administración Nixon. Esto le valió persecuciones de la CIA, hasta que, en 1974, con la caída de Nixon, llegó la esperada victoria para el matrimonio y el gobierno yanqui dejó en PAZ al ídolo.
Con el nacimiento de su hijo Sean Ono, Lennon se convirtió en un ama de casa abnegada y, como era de prever, abandonó toda agitación comenzando a viajar por todo el Mundo bajo estricta supervisión de su esposa, alejándose de las malas vibras.
Una vez más, el aburrimiento de millonario lo agobió y decidió volver con un álbum destinado a un público menos rockero que el de Bruno Gelber, pero que cosechó sus lauros, más que nada, por la espera de cinco años sin nada nuevo.
Lamentablemente, un mal parido puso fin a su vida el 8 de diciembre de 1980.
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Luego de grabar dos discos notables, y en plena etapa combativa, John publicó en 1972 su trabajo más execrable, el inaceptable álbum doble “Sometime in New York City”, donde hace gala de su actitud más panfletaria, llenando la obra con torpes letras políticas y pálidas canciones para una ineluctable náusea. La mitad del repertorio, cantada por Yoko, llega al punto culminante con el insufrible griterío de “Don’t worry Kyoko”, una crueldad que dura hasta el Juicio Final, más otras porquerías indescriptibles, como la colaboración con Frank Zappa “Scumbag”, las atroces “We’re all water” y “Jamrag”, y la hipócrita “The luck of the irish”, que dan ganas de ir a dinamitar la torre Dakota.
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En resumen: El disco de estudio tiene sus escasos momentos de lucidez, con Lennon intentando hacer algo de buena música, pero el volumen en vivo, llamado “Live jam”, es un vilipendio merecedor de la orinada más copiosa. (Give PISS a chance!)
Sigan mi consejo: filtren el elogioso himno feminista “Woman is the nigger of the world”, la bella balada country “John Sinclair” y el pegadizo rock “New York City”, y arrojen el resto a las llamas, para su purificación, para el buen nombre de John Lennon -que en PAZ descanse-, pues ésta es, sin dudas, la peor manera de acercarse a su obra solista.

No me malentiendan, pero yo prefiero un solo de triángulo de Linda McCartney antes que este abuso nipón emperifollado con parvas de horror e impunidad, llamado "We're all water". ¡Maldita bruja! ¿En qué convertiste a John?

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Unfinished music No. 1: Two virgins" (1968), "Unfinished music No. 2: Life with the lions" (1969), "Wedding album" (1969) ó "Heartplay: Unfinished dialogue" (1983).
ANTIDOTO: "John Lennon / Plastic Ono Band" (1970).

SMASHING PUMPKINS - Zeitgeist

2008-12-05T19:29:00.007-02:00

¿Está cansado de soportar mala música? ¿Se siente harto de ver esos pésimos discos acumulando polvo y sin posibilidad de venderlos? ¿Ya no sabe qué hacer con esas canciones que lo llevaron a lamentarse de por vida por su compra?
Presentamos el Melody Healer: un invento revolucionario que cambiará su manera de percibir la basura musical.

“El Melody Healer cambió mi vida. Es increíble lo que puede lograr ese producto. Yo mismo oí transformarse “Rock in a hard place”, de Aerosmith, en Led Zeppelin IV”.

El Melody Healer no necesita de caras interfaces ni conexiones extrañas. Es un pequeño inducidor hipnótico, totalmente inocuo, que se conecta directamente a su equipo reproductor. Funciona con una pequeña batería y no necesita de costosos dispositivos. Es muy práctico. ¡Y es sensacional! Hará las delicias de su familia. ¡Nunca más caras largas ni rostros sufridos por desilusión! Usted no volverá a preocuparse porque un disco le resultó decepcionante. El Melody Healer hace que la vida sea más digna de ser vivida.

“Cierta vez compré “Ain’t complaining”, de Status Quo, y sí, realmente fue terrible. Pasé dos meses regañándome por mi deplorable compra, hasta que un amigo me recomendó el Melody Healer. Ahora, ese disco me suena completamente diferente. Lo escucho desde una nueva perspectiva, como psicodelia del paraíso. Lo siento como un nuevo amanecer“.

“Aún no puedo creer cómo hizo el Melody Healer para transformar el nauseabundo “Under wraps”, de Jethro Tull, en el mágico “Odessey and oracle”, de los Zombies. Estoy muy agradecida”.

¿Malos álbumes que ocupan un precioso lugar? ¡Nunca más! El Melody Healer hará parecer sus desperdicios como música celestial. Su sistema de random hará que usted jamás sospeche lo que vendrá. Siempre será diferente, gracias a su memoria con más de 5000 hermosas y deleitables obras musicales.

“El Melody Healer me hizo una mejor persona. Y mi familia también se siente como nueva. Lo conectamos al televisor, y en lugar de la música de “Pasión de sábado”, escuchamos una sinfonía de Brahms”.

- ¿Y cómo funciona, Tom?
- ¿Qué cómo funciona? Veamos un ejemplo. He traído un disco ciertamente aterrador, como es “Zeitgeist”, de Smashing Pumpkins.
- ¿Qué tan horrible es, Tom?
- Verás, Linda. Este álbum es una reunión a medias, sin James Iha, cuyo resultado devino en algo mucho peor aún que “Machina II”. Jimmy Chamberlin toca su batería en un modo ‘heavy’ que nada cuaja con el resto, pero la culpa es de Billy Corgan, quien puso el resto de los instrumentos encima de esto, sin nada de potencia. Su forma de cantar apesta y las letras políticas son de una debilidad alarmante. Los efectos usados –sobre todo el fuzz- son paupérrimos y definen este nuevo sonido desconcertante de la banda. Una enorme cantidad de estiércol de plesiosaurio –incluida una foto de Paris Hilton-, donde lo único que a duras penas se exime es el single “Tarantula” y una pequeña parte de “Bleeding the orchid”. Pero infamias seudo experimentales como “United States”, o la aburridísima “Starz”, podrían ser la excusa perfecta para llevar a Corgan y Chamberlin a la silla eléctrica.
- ¡Por todos los cielos!
- Sí, Linda, este disco no sólo es inaudible, sino que es una estafa, pues es un trabajo solista de Billy Corgan encubierto. Y lo peor de todo es que se publicó en tres versiones distintas, desconcertando a los seguidores. ¿Te das cuenta? ¡Tres veces casi lo mismo! Este asco… ¿Lo estás escuchando?
- Sí, es algo espantoso. ¿Qué podemos hacer con esto, Tom?
- Fíjate ahora qué sucede cuando enciendo el Melody Healer.
…(ON)
- Vaya, es increíble. ¿Realmente tú pusiste “Zeitgeist”? No puedo creerlo. Estoy escuchando “Ágætis byrjun”, de Sigur Rós. ¿Cómo lo haces?”
- El Melody Healer es un milagro. Él lo hace todo. Pero espera, aún hay más… Si llamas en las próximas 24 horas, te llevas de regalo el Mini Healer, una solución ultra portátil que hará que no padezcas más a esos automóviles que pasan a todo volumen exhibiendo sus molestos sonidos tropicales. ¡El Mini Healer los hará oírse como organillos ambulantes de una plaza parisina en pleno siglo XIX!
- Tom, me has hecho sentir muy feliz.
- No fui yo. Fue el Melody Healer.
- Ha, ha. ¡Seguro!
…(OFF)
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Y usted no espere más. Haga ya mismo su orden llamando al número que está en su pantalla. Es otra iniciativa de Art Popó Multimedia para una vida más placentera. ¡Llame ahora!

Billy Corgan más tatuajes = Marcelo Tinelli.

"Tarantula" menos distorsión = Bailando por un sueño.

OTRO EJEMPLAR DEL MISMO TENOR: "Teargarden by Kaleidyscope" (2010).
ANTIDOTO: "Siamese dream" (1993).

GUNS N' ROSES - Chinese democracy

2008-11-27T11:34:00.008-02:00

El añejamiento es uno de los procesos más importantes en la elaboración de un buen vino. Por lo general, éste se realiza en barricas de roble, siendo las más utilizadas de origen francés. La madera le proporciona al vino sus propios taninos y valores aromáticos, que se van entrelazando lentamente con los de la uva. Las barricas se llenan y se colocan en hileras, unas sobre otras, donde permanecerán alrededor de seis meses. La temperatura de la cava donde reposarán debe ser baja, de unos 5º, y la humedad relativa ambiente rondará el 75%.

Estas condiciones climatológicas controladas favorecen una acción de micro-oxidación lenta y homogénea, al tiempo que reducen la merma, es decir, la pérdida de líquido por evaporación. Después de los primeros seis meses de reposo, el contenido se trasiega a otra barrica con el objetivo de separar el vino limpio de los residuos situados en el fondo, además de buscar un cierto grado de aireación y respiro. Antes de su embotellado, el vino pasa por un proceso de clarificación y filtrado, para luego dejarlo envejecer el tiempo que el enólogo considere necesario, pudiendo ser de 12 a 24 meses, aún en el barril.

Cuando el vino pasa por fin a la botella, comienza una segunda etapa de su proceso de envejecimiento, que también se conoce como crianza en botella. Las botellas reposarán en posición horizontal para que el vino esté en permanente contacto con el corcho, humedeciéndolo en su cierre hermético. El elíxir que ha evolucionado correctamente durante la fase de oxidación, se afina y redondea en la botella, enriqueciéndose su aroma. Es en ese momento, cuando el vino adquiere una mayor complejidad y elegancia, y prueba de ello es que la crianza en botella de los grandes vinos puede alargarse durante muchos años hasta su gloriosa defloración final.
Ahora cierre los ojos y determine, a través de la apariencia, aroma y sabor, qué elementos distintivos están contenidos en el vino, tales como sabores cítricos, frutas tropicales, especias, hierbas, minerales y maderas. Mientras más complejo, más variedad de sabores placenteros; de la nariz hacia adentro, todos en perfecta armonía.

Ahora veamos el mismo procedimiento, pero con “Chinese democracy”, el último mal trago de la devastada bodega de Guns n’ Roses.

El alejamiento es uno de los procesos más peligrosos en la elaboración de un buen álbum. Por lo general, éste se realiza en prestigiosos estudios de grabación, siendo los más utilizados aquellos de origen californiano. La producción excesiva le proporciona al disco sus propios vicios y excesos, que se van entrelazando velozmente con el mal gusto y la desesperación. Las tomas grabadas se llenan con notas superfluas y vergüenza ajena, y se colocan en hileras unas sobre otras donde permanecerán un par de años. La temperatura de la sala de audiencias donde se corromperán, debe ser alta, de unos 55º, llena de tensiones y malentendidos, y la terquedad relativa ambiente rondará el 200%.

Estas condiciones musicológicas descontroladas favorecen una acción de macro-decepción veloz y dispar, al tiempo que aumenta la hartura, es decir, la pérdida de todo mérito por saturación. Después de los primeros seis años de reposo, el contenido se envía a otro estudio… jurídico, con el objetivo de separar el elemento bueno de los músicos incautos dejados en el camino, además de buscar un cierto grado de renovación y prórroga ante el daño cometido. Antes de su publicación, el álbum pasa por un proceso de expectativa y engaño, para luego dejarlo envilecer el tiempo que Axl Rose y sus entuertos psicológicos consideren necesario, pudiendo ser de ¡hasta una década!, pese a Internet.

Cuando el disco pasa por fin al mastering, comienza una segunda etapa de su proceso de envilecimiento, que también se conoce como marchitamiento por descomunal especulación. Las canciones permanecerán en posición arbitraria para que la música esté en permanente alejamiento del público, manipulando un secreto a voces. El vino picado que ha involucionado detestablemente durante la fase de expectación, se enmohece y deteriora en un cajón, empobreciéndose su esencia restante. Es en ese momento, cuando el disco adquiere una fama desmesurada, y prueba de ello es que el apolillamiento en disquerías de los peores discos puede prolongarse a lo sumo por unas semanas más hasta su merecido olvido total.
Ahora abra los oídos y padezca, a través de la ansiedad, hediondez y terror, qué elementos destructivos están contenidos en el álbum, tales como riffs insípidos, baladas autocopiadas, grasitud, vulgaridad, falsedad y demagogia. Mientras más ansiado, más cantidad de desilusiones desagradables; del esfínter hacia afuera, todas en rápida descomposición.
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Conclusión: Más vale comprarse una damajuana de Soy Cuyano que esta inmundicia, esta incitación a la auto-amputación lingual llamada “Chinese democracy”. Si Ud. lo compró, es porque no diferencia un Rutini de un vinagre Menoyo.

Vean este spot de TV que presenta el álbum ante el público norteamericano. El mensaje es claro: en noviembre, seas lo que seas, republicano, demócrata, liberal, independiente, inteligente o infradotado, tendrás democracia china.

En fin... Ante esta predicción, yo opto por tomarme un Termidor en tetra-brik, cerrar los ojos e imaginarme en una dictadura jupiteriana. ¡Cualquier cosa menos esto!

OTRO EJEMPLAR DEL MISMO TENOR: "The spaghetti incident?" (1993).
ANTIDOTO: "Appetite for destruction" (1987).

EDITORIAL: Llegaron las monstruosas remeras de "Los Peores Discos".

2008-11-24T20:09:00.014-02:00

¡Salud, queridos fans de "Los Peores Discos"!

Ustedes saben que para ser un auténtico sciome, no sólo basta con tener mal gusto, también hay que saber mostrarlo.

Llegan las fiestas de Fin de Año, y en otro esfuerzo sin precedentes, Art Popó Multimedia les acerca su colección de prácticas, frescas y coloridas remeras de manga corta o larga.

Seguidamente, les presentamos los primeros modelos para ir pensando con cuál vamos a "hacer capote", o a qué idiota decidiremos sorprender.

Los pedidos deberán hacerse únicamente por correo electrónico a fraticornicos@yahoo.com, consignando nombre, teléfono, dirección de entrega, modelo, código, cantidad, forma de pago y motivo por el que se desea adquirir estas payasadas. (Existen interesantes descuentos por compras al por mayor.)
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A pesar de lo que representan, se trata de prendas de altísima calidad, realizadas 100% en el más fino y puro algodón importado. El trabajo de estampado es de una delicadeza y definición pocas veces vistas, asegurando una durabilidad increíble. Ojalá aborrezcan estos modelos, tanto como a nosotros nos enfermó el haberlos diseñado. A apurarse con los pedidos, pues hay stock limitado, y puede que se agoten (hay gente para todo).

Demás está decir que todo lo recaudado se destinará a la campaña "BASTA DE ROCANROL", que se inició hace unos meses, para evitar la proliferación de ese género inmundo, permitiendo así el fortalecimiento del Rock and Roll.

Modelo "POLITRAUMA" - Código 67092 - Precio: U$S 515.-

Modelo "ENGENDRUM" - Código 73314 - Precio: U$S 485.-

Modelo "ESTIERCOOL" - Código 25401 - Precio: U$S 785.-

Modelo "TOBUL" - Código 57656 - Precio: U$S 990.-

THE SHAGGS - Philosophy of the world

2008-11-20T11:00:00.006-02:00

El de hoy es un post diferente, libre de toda ironía y maldad, y concebido desde el más puro cariño. Disfrútenlo, porque la semana que viene se me volverá a escapar el Stalin que todos llevamos dentro.

La madre de Austin Wiggin, luego de leerle la palma de la mano a su hijo, había pronosticado que se casaría con una hermosa rubia, que tendría dos hijos más después de su viudez, y que sus hijas mujeres formarían una renombrada banda musical. Siendo que sus dos primeras profecías se habían cumplido, Austin se puso en campaña para consumar la tercera. Retiró a sus hijas del secundario, les compró instrumentos y las obligó a ensayar y componer material.

El problema era que The Shaggs (Betty, Dorothy y Helen Wiggin), pese a los imperiosos deseos de su padre, no tenían ninguna aptitud musical y eran tan desastrosas, que lograron, sin querer, el galardón de “peor banda de la historia de la música”.

Austin persuadió al técnico de un estudio de grabación para que las registrara “en caliente”, a pesar de que éste le había dicho que las chicas necesitaban… ¡un poco de ensayo!

Así, de la forma más impensada, se publicó "Philosophy of the world", en 1969, resultando, como era de imaginar, un fracaso absoluto –debido, en parte, a que la compañía se quedó con el 90% de los ejemplares-, pero, a la vez, posibilitando el nacimiento de un milagro. En nuestros días, un vinilo original cuesta 1000 dólares.

Frank Zappa dijo de ellas: “Son mejores que los Beatles, aún hoy”, Carla Bley señaló: “Me dejaron la mente en blanco”, y Mecko concluyó: “Luego de escuchar este disco (en estado tóxico), uno pide a gritos volver al vientre de mamá”.

Hay dos corrientes de opinión en torno a este trío: la primera argumenta que eran unas ‘genios’ provistas de unas mentes adelantadas a su época, pero la segunda afirma que sufrían algún tipo de retardo mental. Para mí, la combinación entre ambas teorías lograría el diagnóstico más acertado, y desde ese punto de vista, las chicas produjeron el trance hipnótico más increíble desde que el hombre descubrió el fuego.

Nadie puede negar que hay un antes y un después en la vida de un melómano que tiene la oportunidad de experimentar la música de estas simpáticas hermanitas. Uno puede amarlas o aborrecerlas, mas nunca permanecer indiferente. Ellas son, repito, la peor banda de la historia, pero como siempre señalo en estos casos: ser el más malo de todos te hace parecer, desde otra perspectiva, como que sos el mejor de tu especie. Como River Plate en el Torneo Apertura 2008. Dando vuelta la tabla, la cosa cambia, al menos desde la óptica del surrealismo. (Y no quiero con esto justificar nada, mal que me pese.)

No se puede hablar de cortes de difusión, ya que cualquiera o ninguno lo es. Las canciones hablan de cosas cotidianas y sencillas, como la importancia de los padres (“Who are parents?”), un auto deportivo (“That little sports car”), un desencanto amoroso (“Sweet thing”), una mascota (”My pal Foot Foot”), e incluso apreciaciones bastante acertadas sobre la estupidez humana (“We have a saviour” y “Philosophy of the world”).

La instrumentación es conmovedoramente caótica y lúdicamente desquiciante. Una batería que parece haber sido grabada en otra ciudad, que va por su propio sendero, sin atender a las guitarras siempre desafinadas, que se sumergen en su propio autismo paralelo. Estrofas de enorme longitud que rompen por completo cualquier concepto armónico, sin noción de ritmo, ni idea alguna de lo que es un acorde. ¡Así es este pintoresco delirio! Lo más impresionante es que esta música podría haber sido compuesta hace una semana y ser una propuesta nunca antes vista, pero no, tiene casi 40 años de increíble vigencia.

Ya no interesa cómo ni por qué fueron llevadas estas chicas por su padre al estudio. No incumbe si tocan espantosamente, ni si su música carece por completo de toda lógica. Lo importante es el resultado, o sea, la total “blanquedumbre” que producen al cabo de cinco minutos de escucha, algo que a profesionales como Sonic Youth, Yo La Tengo, Flaming Lips, Lou Reed o, sin ir tan lejos, los Reynols, jamás les ha salido sinceramente. Ése es el auténtico mérito de las hermanas Wiggin: su inocencia, honestidad y dadaísmo involuntario, todo fruto de la casualidad. No faltará quien exprese que las Shaggs son la primera banda punk, y no faltará quien le retruque que eso es tan necio como decir que Silver Apples son los papás de Chemical Brothers, pues la primera banda punk de la historia son los Sonics, y las Shaggs son tan punks como marxista es Gazabril.

Epílogo: Sólo por esta vez, voy a afirmar que quien posee este disco no es un idiota, sino un verdadero visionario. Por supuesto, siempre estará quien nos suelte la obviedad del milenio, afirmando que el álbum es una completa falta de respeto para cualquier oyente serio. A esa persona le propongo que se empotre una partitura de Branford Marsalis… ¡en la oreja!

Y después dicen que el ácido produce la más genuina sensación de regresión al estado fetal. Eso es porque no probaron con una audición completa del álbum de las Shaggs, lo que los llevaría directamente a una vida anterior.

Aquí les presento un video apócrifo de "My pal Foot Foot". No mezclen esto con LSD, porque regresarían al pleistoceno.

OTRO EJEMPLAR DEL MISMO TENOR: "Shaggs' own thing" (1982).
ANTIDOTO: no es necesario.

DIEGO MIZRAHI - Song of the rings: Tributo a J.R.R. Tolkien

2008-11-13T09:52:00.019-02:00

Existen varios tipos de bigotes, de los que se destacan el ultrafinito -una especie muy en boga en los años ’40, hoy sólo portados por habitués de agencias hípicas-, el motoquero, el represor, el prusiano, el excéntrico, el afrancesado, el grueso intimidatorio y el extra-grueso (o mostacho) -como el del ministro Aníbal Fernández-, que muchas veces oculta un mundo intrigante de posibles anomalías faciales.

Fuera de toda clasificación encontramos el bigote invisible, también llamado oculto, que no se percibe desde afuera, por crecer tupidamente hacia el interior de la cara, alcanzando y perturbando a las neuronas. No se ve, pero se percibe en la conducta del que lo detenta. El bigote, fuera de algún caso raro, siempre ha sido paradigma de formalidad, desafío y poder, pero asimismo, un adorno destinado a encumbrar o disimular una personalidad disminuida.

En la jerga “tumbera” se denomina bigote al individuo que imita los modismos del hablar carcelario pero que no responde en lo más mínimo a esas lides. A su vez, en el mundo del rock, se señala como bigotes a aquellas personas que aparentan tener “toda la onda” cuando en realidad no poseen ninguna. Algo muy aplicable a instrumentistas de jazz fusion, tango electrónico y power-trios, artistas de música para niños, organizadores de clínicas y “creativos” de jingles. Analizando ambas acepciones, podemos concluir que el bigote musical es sinónimo de simulación y engaño. En la actualidad, si se dice de un músico que “es bigote”, seguramente es porque está muy lejos del rock. Y ni hablar del metal…

A pesar de ser un hombre de rostro afeitado, Diego Mizrahi posee ‘bigote invisible’, propiedad que ha demostrado a lo largo de su trayectoria, colmada de conservatorios, clínicas y libros sobre técnicas, bandas para lucimiento personal, programas de TV educativos, más algunos dudosos trabajos discográficos, de los que se destaca “Song of the Rings: Tributo a J.R.R. Tolkien”, no precisamente por su calidad, sino por alcanzar la cúspide de la desmesura, el oportunismo y la futilidad.

Es justo reconocer que este guitarrista posee una técnica versátil para abordar varios estilos musicales, pero, con la misma contundencia, también es ecuánime concluir que no demuestra sentimiento, ni originalidad, ni personalidad en ninguno de ellos. Es lo que se conoce como “rallaquesos virtuoso”, justo en el límite más peligroso entre el rock pirotécnico y la nada.

En 2002, Mizrahi, luego de tanta “pampa lucha al mango”, versiones pomposas de “Bésame mucho” y “El día que me quieras”, y trabajos de bajo “kilataje” creativo, decide apostar todo a un pleno y reunir para este ambicioso proyecto a todo un firmamento de “luminarias” nacionales, dispuestas a acompañarlo en la más pretenciosa de las fechorías de su ciclo “Music Expert”: el irritante tributo al creador de la trilogía de “El señor de los anillos”, el inmortal John Ronald Reuel Tolkien.

Este álbum zigzaguea entre la ampulosidad épico-sinfónica y la necesidad de impresionar al oyente, mediante vanos ejercicios de heavy metal ochentista, que Mizrahi evoca en una veta estilística tan olvidada como el portaligas de Elena Cruz, y recursos literarios tan ridículos que harían reír a mandíbula batiente a Carlos Escudé.

Diego toca, toca y toca su Washburn, y todos los bajos y teclados del álbum, excepto la batería -a cargo de Marcelo Castro y Martín Carrizo-, y las voces -cuasi heroicas y disparatadamente fatuas-, interpretadas por figurines como Claudio O’Connor, Adrián Barilari (Rata Blanca), Archi (Mizrahi Blue Band), Beto Rodríguez (Quemar), Christian Bertocelli (ex-Imperio) y Walter Meza (Horcas).

¡Por todo el mithril de Moria! Si esta gente dice plasmar la esencia de la Tierra Media, ¡yo vivo en el subte “B”!

Diego sigue “pelando”, “pelando” y “pelando”, a lo largo de las ocho fastidiosas y previsibles epopeyas sonoras de este “Song of the rings”, humillándonos en materia de tapping, uñeteo híbrido, finger picking, sweep picking, palm mute, escalas, armónicos, ligados, arpegios, vibratos y demás yeites propios del “nivel más avanzado” de fisico-culturismo musical, y mostrándonos por qué la tiene más larga que Petrucci, Malmsteen, Satriani, Vai y Morse juntos.

Un disco que envilece la reputación de Sauron, hasta convertirlo en un ojo en compota; que degrada al mago Gandalf, rasurándole los blancos cabellos y barbas hasta dejarlo como Alan Faena; que cachetea al pobre Frodo hasta hacerlo ver como un aguatero del club Ñuñorco; que doblega a Gollum, hasta retratarlo como un pobre jubilado de la mínima, y que muestra a elfos y orcos como floggers y emos. En suma, un trabajo que rebaja la obra de Tolkien a un simple telenovelón del Canal de las Estrellas mejicano.

Síntesis: Mizrahi sueña con tener su nombre en la puerta de un aula de la Berklee. Organicemos un petitorio para lograr tal cometido. En una de esas, se siente complacido, ¡y no edita un puto disco más!

"Dios" invitó al Pato Sardelli, de Airbag, a su programa, quien en un momento le dice: "No siempre se puede venir a tocar en vivo... acá hay bandas de verdad, músicos de verdad, siempre vas a esos programas que tocan en playback y es medio bajón, ¿no?".

Sardelli está acostumbrado a las bandas de mentira, como la suya, y a hacer playbacks, por eso se deslumbró tanto en esa ocasión. Mientras tanto, el ego de Mizrahi se elevaba hasta golpear la puerta del transbordador Columbia. (Sin que nadie quisiera abrirle, por supuesto.)

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Pampalucha - Music from the Pampas" (2002), "18 kilates" (2004) ó "Boomerang" (2007).
ANTIDOTO: Yngwie Malmsteen - "Rising force" (1984).

POISON - Poison'd!

2008-10-29T20:42:00.011-02:00

En 7000 años de civilización no se había visto jamás un acto de ensañamiento artístico comparable a éste.
Se cuenta que, en 1438, el rey Qialong de Borneo mandó cortar los brazos de una troupe completa de músicos por haber presentado ante su corte un recital de música pentatónica, basado, como deseaba el monarca, en genuino material de estreno. El soberano se había dado cuenta de que esas tonadas eran en realidad provenientes de comarcas vecinas y nada exclusivas para sus reales oídos, por lo que, muy indignado, interrumpió la performance para llamar a su guardia personal. Se dice que los artistas aullaban implorando la clemencia del rey, tratando, como podían, de hacerle entender que lo que habían tocado eran versiones sin ninguna intención de estafa. Así nació, de la peor manera, el concepto de ‘cover’. (?)
Centurias más tarde, en 2007, la banda de glam-metal Poison gozaba de los privilegios de no vivir bajo una monarquía tan brutal.

En la actualidad se conocen muchos álbumes que responden a la clasificación de tributos, algunos buenos, ciertos discos que… ‘ni fu, ni fa’ y otros desastrosos, pero en casos contados con los dedos de una mano se trata de obras importantes. La historia ha demostrado que los discos de covers son mayormente artilugios facilistas que denotan a las claras que no hay inspiración, que el homenaje muchas veces esconde la verdadera vagancia, o que existen hábiles recursos que permiten a las bandas atravesar su periodo de decadencia, sobre todo, cuando hay obligaciones contractuales que cumplir.
Dentro del primer grupo podemos citar obras notorias como “The third reich’n’roll”, de The Residents, donde se aniquilan clásicos de los 60s, y “El baile alemán”, del Señor Coconut, donde desfilan éxitos de Kraftwerk, a ritmo de cha-cha-cha, merengue y cumbia. En todo caso, estamos hablando de que lo interesante allí radica en la reinterpretación casi total de los originales abordados.

(Lapsus) ¡CONSTE QUE ESTOY DEJANDO DE LADO A LOS MALDITOS ARTISTEJOS DE TRIBUTO! LO MAS PARECIDO A UN ENGAÑO BASADO EN LA SUGESTION O, TAL VEZ, EL SINTOMA DE QUE LOS TIEMPOS ACTUALES SON UN DECHADO DE TORPEZAS Y FALTA ABSOLUTA DE LIDERES CLAROS. ¡Y ESOS ESTUPIDOS KARAOKES PARA TREINTAÑEROS PATETICOS DEBERIAN SER BORRADOS DEL MAPA, QUÉ JODER!

En el segundo grupo de discos, cabe mencionar “Feedback” (Rush), “Thank you” (Duran Duran), y “Head off” (Hellacopters), por poseer al menos un mínimo tratamiento respetuoso, al margen del gusto.
Mas en el tercer puñado se destacan improperios desconsiderados como “In a metal mood” (Pat Boone), “Pin ups” (David Bowie), y “Homenaje a los Beatles” (Durabeat), todos candidatos a una severa purga. Y lo peor de todo es que Bryan Ferry, Queensrÿche y Patti Smith también editaron los suyos. ¡Válgame, Dios!
Permítanme ahora incluir un cuarto montículo, el de la vergüenza, la degradación y la vileza, donde “brilla” nuestra aberración de hoy: “Poison’d!”, o algo así como la regurgitación perpetua de pus en estado sólido, ideal para un perfecto canapé del infierno.
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El perfume rebajado de un RR.PP. de cabaret del microcentro porteño, mezclado con extracto de zorrillo sarnoso en plena descomposición, nos brinda una pálida idea de la fragancia que destila este disco apestoso, en el que estos ex-metaleros, mal producidos por Don Was, dan rienda suelta a su pésimo gusto realizando asquerosas versiones de clásicos sepultados en el pasado. Quisiera el rey Qialong ver hoy a estos réprobos castigando impunemente una balada pava como “I never cry”, de Alice Cooper, el viejo hit “What I like about you” del grupo de new wave The Romantics, y el de The Cars, “Just what I needed”, la infame “Little Willy”, de la mantecosa banda glam Sweet, el malicioso tratamiento de la joya stone “Dead flowers”, la devastación atómica de “Suffragette city”, de Bowie, y demás cagadas por el estilo.
Y como si eso fuera poco abuso, Poison agregó a esta pusilanimidad otros covers grabados con anterioridad: “Your mama don’t dance”, de los insufribles Loggins & Messina, el pulgoso hit de Grand Funk Railroad “We’re an american band” (lo más grasa de los '70s), y el no va más de la risa: el “Rock and roll all nite”, de Kiss. Eso sí, todos remasterizados. ¡Menos mal…!
Pero díganme: ¿Quién les volvió a abrir la jaula a estos tipos luego de su fiasco anterior, el atroz “Hollyweird”? ¿No tuvieron bastante los fans con eso?
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Consejo: No le crean a Amazon y no se dejen llevar por la zanahoria del marketing de Capitol Records. Este CD no es sólo la panacea del dinero sucio, es una bazofia que no tendría que estar en ninguna discoteca de ningún cultor de rock que se considere inteligente.
Myllie Cyrus, Demi Lovato y las Cheetah Girls lo tienen en sus habitaciones, entre sus 341 peluches de color rosa. ¡Piensen en eso! Está bien que alguno quiera enfiestárselas, pero no por eso deberá comerse estos 40 minutos de carroña musical.

En el ridículo álbum de recuerdos que nos muestra este video de "What I like about you", los Poison se olvidaron de poner una última foto: la de la fiesta de su definitiva separación.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Native tongue" (1993), "Power to the people" (2000) ó "Hollyweird" (2002).
ANTIDOTO: "Flesh & blood" (1990).

ALICE COOPER - Constrictor

2008-10-18T19:37:00.013-03:00

OFICIAL: Ante este tribunal, comparece el señor Vincent Damon Furnier, alias Alice Cooper, nacido el 4 de febrero de 1948, de profesión músico, acusado del delito de malversación artística y conducta impropia de un exponente del patrimonio cultural norteamericano. El elemento crucial de este juicio es la edición, en 1986, de su álbum “Constrictor”, considerado por esta Corte como fraudulento y atentatorio contra el arte popular.
JUEZ: Señor fiscal, proceda.
FISCAL: Gracias, Señoría. Lo que nos concierne hoy es el contenido grotesco y embustero de este disco, una obra que debería ser retirada de la venta y olvidada por el público consumidor.
DEFENSOR: Señoría, mi defendido ha colmado las expectativas de su público con obras trascendentales como “Love it to death”, “Killer” y “Billion dollar babies”, íconos de la historia del glam rock y el heavy metal.
FISCAL: Protesto. No se está juzgando su trayectoria, sino este disco en particular.
JUEZ: Ha lugar.
FISCAL: Si se me permite, Señoría, quisiera continuar con mi exposición para poder explicarle al honorable jurado la tremenda desazón y perjuicio que produjo este engendro a los seguidores de Alice Cooper.
JUEZ: Adelante.
FISCAL: Según los más prestigiosos críticos, éste era el álbum de su regreso, luego de tres años de silencio, pero el resultado de la espera fue pura decepción, ya que redunda en vulgaridad literaria y pura fermentación del más bajo hair metal fabricado ex-profeso según las normas de MTV. Cabe consignar que el oportunismo de este señor se hace evidente a lo largo del disco, donde sobran las patrañas y escasean los logros. Además, el cambio de estilo le sentó pésimo a este artista y puso en ridículo a toda una generación. Los especialistas, Señoría, le otorgan a esta obra UN punto por el tema “Teenage Frankenstein”, por ser el único que conserva la verdadera esencia, UN punto por “He’s back”, que es una canción aceptable, a pesar de su espantosa letra, y sólo UN punto a todo el resto del disco. Total: un TRES. ¡Un aplazo categórico!
Miembros del jurado: pido la máxima pena para este artista, que tuvo el tupé de grabar una asquerosidad como “Thrill my gorilla”, y la pronta confiscación y destrucción del master de “Constrictor”. Lo mismo para los sesionistas, por haber sido copartícipes de este engaño. Gente así no merece compartir el planeta con nosotros.
DEFENSOR: Protesto, Señoría. Una obra que no fue del agrado de la crítica no es prueba fehaciente para incriminar a nadie. Insisto en que se debe tener en cuenta su pasado como ídolo popular, para poder atenuar los cargos que se le imputan a mi cliente.
JUEZ: Ha lugar. ¿Qué contesta a esto la Fiscalía?
FISCAL: Si se insiste en tener en cuenta su pasado, existen irrevocables antecedentes de fraude artístico por parte del acusado, como su contribución a la película “Sgt. Pepper”, promovida por el grupo Bee Gees, el haber aportado el tema “He’s back” al ridículo film “Viernes 13 – Parte VI”, y su aparición en el Show de los Muppets.. ¡Llamo a Vincent Furnier al estrado!

(Alice Cooper se sienta en el banquillo. El oficial le toma juramento.)
FISCAL: Señor Furnier: ¿es cierto lo antedicho?
COOPER: Sí, pero fue por simple diversión.
JUEZ: Prueba contundente. ¿Qué tiene para alegar la defensa?
DEFENSOR: No tengo elementos que aportar.
COOPER: Pero haga algo, que para eso le pago, inútil.
OFICIAL: ¡Silencio en la sala!
DEFENSOR: Ud. no me dijo nada de esto, Vincent. Ante un fundamento tan categórico, no hay nada que yo pueda hacer. No queda otra chance que una total reivindicación.
COOPER: ¡No! Yo puse todo en ese disco. No siempre las cosas salen como los medios lo desean. Además, ¿cuántas veces influye la crítica en el voto del público? Yo lo considero un álbum digno.
FISCAL: Pues no lo es, y debería haberlo pensado antes de publicarlo. Y no subestime a su público, señor Furnier. ¡No es la crítica! ¡Es la sociedad toda que lo ha reprobado!
(El recinto estalla en insultos y el jurado se retira. A los pocos minutos, regresa con el veredicto.)
OFICIAL: ¡Orden en la sala!
JUEZ: Ante las evidencias presentadas y el fallo unánime del jurado, conjuntamente con el poder que me confiere el estado de Michigan, no tengo más remedio que condenar al acusado a la pena de una inmediata disculpa pública por este ultraje al rock, y fijar un precio máximo de venta por este disco de 3 dólares.
DEFENSOR: Vamos a apelar el fallo, señor juez.
JUEZ: La mejor manera de apelar es componiendo un buen disco que redima el craso error cometido en “Constrictor”. ¡Caso cerrado! ¡Llévenselo!
COOPER: ¡De todos modos, juro que apelaré!
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Y vaya si apeló. Pero se ganó dos juicios más, ya que en los años siguientes sacó un par de porquerías inexcusables como “Raise your fist and yell” y “Trash”. Recién, con “Hey stoopid”, lograría la libertad condicional artística, y finalmente, con “The last temptation”, la ansiada reivindicación.
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Dictamen: La posesión de “Constrictor” es una violación a los códigos del rock. Así que, si Ud. lo tiene… ¡marche preso!

Otro sí digo: a aquellos que todavía piensan que el alegato del fiscal fue demasiado duro, les aseguro que, luego de ver este clip, saldrán eyectados de sus asientos para ganar la calle y conseguir las firmas necesarias para que el juicio se haga realidad.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Lace and whiskey" (1977) ó "Zipper catches skin" (1982).
ANTIDOTO: "Billion dollar babies" (1973).

GEORGE HARRISON - Somewhere in England

2008-10-12T19:35:00.016-03:00

Ya puedo ver a las miles de almas, cuyos innumerables espacios de tributo a los mitos de Liverpool pueblan en exceso Fotolog, cayendo brutalmente sobre mí, apenas vislumbren el tópico que encaré en mi sufrida columna. “Que cómo me las agarro contra el pobre George, muerto en cumplimiento del deber en 2001”, “que soy un hereje que no respeta a nadie”, “que el beatle triste es intocable”, etc. etc. etc.
Me defeco profusamente en todos ellos, pues ni siquiera alguien de índole celestial, sea Dios, Shiva, Quetzalcoatl, Jehová, Zeus, Alá o Buda, puede defender esta deshonra llamada “Somewhere in England”, expelida en 1981. Y lo peor del caso es que, sin comerla ni beberla (la infamia), pasarán a sumarme a su lista negra de indeseables. ¡Como si no hubiera otros muertos recientes a quienes reverenciar! No tan célebres, claro, pero igualmente dignos de admiración, como Rick Wright (Pink Floyd), Peter Bardens (Camel), Pierre Moerlen (Gong), Rob Collins (The Charlatans UK), Bianca Butthole (Nashville Pussy), B.B. King, Elliott Smith, Joey, Johnny o Dee Dee Ramone.
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Por suerte están los otros, la prudente minoría, que prestará sus ojos a la lectura de una apreciación lo más reflexiva posible sobre el particular; a ellos está dedicada esta crónica.
Todo aquel que sepa diferenciar un omelette de un asado de tira discurrirá que éste no es el George Harrison de la etapa beatle, tampoco el filántropo de “Concert for Bangla Desh”, ni ahí el iluminado del triple “All things must pass”, y menos aún, el buscador de sabiduría snob de “Living in the material world”. De ninguna manera. Éste es un George archiaburrido, aburguesado en extremo, desesperado de éxito fresco, mal anclado en lo peor del pop de los ochentas, preocupado por los autos de carrera y el jardín de su mansión, y monótono predicador insistente, al punto de inducirlo a uno al estado catatónico, si se aviniera a escuchar este sermón de 40 minutos que bien vale por una estadía de 7 siglos en el Tibet.
Un año después del CRIMEN de John Lennon, y en algún lugar de Inglaterra, Harrison edita este CRIMEN conteniendo diez canciones, que podríamos dividir en tres categorías: dos únicos temas pasables, cuatro aberraciones totales y cuatro mediocridades que no suman, ni restan, ni dividen, ni multiplican los escasos logros de sus últimas producciones post-Material world; más bien los anulan.
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El suplicio comienza con “Blood from a clone”, una horrenda tonada hecha en base a un riff de new wave que resulta memorable… ¡por su bobería! E insistente, caray, pues se repite eternamente hasta lograr el punto nieve en la tumefacción de los huevos de cualquier mortal. ¿Habrá sido seducido George por los Talking Heads? Probablemente, pero la mezcla que hizo con su light-pop deficiente es más indigesta que agregarle el agua de los fideos a un Gancia batido. Le sigue otra porquería olvidable, llamada "Unconsciousness rules", para la que aconsejo poner pies en polvorosa.
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Más adelante, George se vuelve un paladín de la inocencia baladí con “Hong Kong blues”, y predicador empalagoso y/o ecologista salvador de cachalotes atrapados con esa burrada redentora llamada “Save the world”.
Ahora bien, impartiendo algo de justicia, la reposada “Life itself”, la billyjoelesca “Teardrops”, la melodía ideal para cowboys “That which I have lost” y la soporífera alabanza a las amapolas “Writings on the wall”, no son necesariamente canciones espantosas. El problema es el desgano con que fueron grabadas, arregladas y producidas, cosa que a Harrison no pareció preocuparle en absoluto. Bueno, tampoco estamos hablando del premio Gandhi a las mejores canciones de la historia, ni mucho menos. Son auténticos mocos verdes de un artista en plena sinusitis anticreativa pero con un pequeño dejo de seducción. Porque se podría hacer esculturas con mocos, el tema es quién carajo las querría comprar.
Los dos números aceptables del disco son “Baltimore Oriole”, un cover de Hoagy Carmichael, que cumple bien su cometido, y el simpático tema retro “All those years ago”, que rememora los días de la Beatlemanía, y que, a decir verdad, no sé qué hace aquí.
Finalmente, la versión remasterizada incluye el demo de “Save the world”, nunca tan oportuna, pues indica a las claras lo que habría sido este disco si no se le hubiese metido tanto sintetizador y tanto ritmo pueril en balde.
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Conclusión: Allá los fans acérrimos si aborrecen esta crítica, pues eso es lo que son: sectarios chupamedias del ídolo de turno. Por suerte, mis lectores son seres inteligentes que saldrán corriendo a buscar el magistral “All things must pass”, para rendirle el merecido homenaje a George Harrison. Pero aquellos que usen las canciones de “Somewhere in England” para tal propósito, mejor que vayan a homenajear a John Denver.

FE DE ERRATAS: En la nota podrán ver que incluí entre los muertos a B.B. King. Sepan disculpar el error cometido y... ¡larga vida al maestro del blues!

OK. Para que vean que no soy tan sádico, aquí les incluyo el mejor tema del álbum "Somewhere in England", porque, después de todo, George era un beatle y yo amo a los Beatles. Mas si de videos de nostalgia hablamos, al lado de la producción del clip de "Free as a bird", este "All those years ago" más bien parece un pps de fin de año del George Harrison Fan Club - Filial Laferrere.

OTRO EJEMPLAR DEL MISMO TENOR: "Gone troppo" (1982).
ANTIDOTO: "All things must pass" (1970).

ROD STEWART - Camouflage

2008-10-02T21:06:00.024-03:00

Este álbum no representa el punto más bajo en la carrera del “futbolista” Roderick David Stewart. No, mis queridos lectores. Este álbum simboliza el punto más bajo de la historia del pop. Y sepan que lo llamo “futbolista”, no por su conocida afición a este deporte, sino porque desde hace mucho tiempo que no merece seguir ostentando el glorioso seudónimo que lo viera brillar en bandas como The Jeff Beck Group, Brian Auger Trinity y Faces, amén de sus muy respetables primeros trabajos en solitario.
Cuando Stewart abandona para siempre su faceta proto-rockera para adentrarse en territorios de neta complacencia corporativa, pasa a castigar nuestros oídos con toda clase de artimañas comerciales, alejándose cada vez más de sus raíces.
Una carrera cuesta abajo que se inicia con el dudoso LP “Blondes have more fun” y que se consolida en materia de terror con las ediciones de los siete bodrios nucleares que conforman su conocida heptalogía putrefacta: “Foolish behaviour”, “Tonight I’m yours”, “Body wishes”, “Camouflage”, “Every bit of my heart”, “Out of order” y “Vagabond heart”. Cualquiera de los discos nombrados tendría que ser ignorado olímpicamente por ustedes, excepto “Camouflage”, pues este álbum debe ser derretido en la hoguera purificadora de la nueva Santa Inquisición que ustedes mismos querrán reflotar, por el simple pecado de haber sido publicado. No me pregunten por qué, pero un sentimiento de la más honda perversión sádica surgirá en el preciso instante en que vuestro reproductor acaricie los primeros acordes de este asesinato al arte.
Trato de calmarme y de permanecer objetivo, pero por más que me haya enchufado un Lexotanil, no puedo dejar pasar estas horrendas baladas seudo-románticas con olor a queso ruginoso, y los descartables números tecno-chicle que nutren este grosero repertorio, hecho en base a demacradas ideas que no motivan ni a un par de modistos trasnochados sedientos de amor urgente.
Rod demuestra aquí lo que es tener verdadera vocación de carne muerta, a través del soundtrack más adecuado para un posible aniquilamiento de la especie humana. El contenido ideal del i-pod de un empresario poderoso en pleno momento de decidir echar abajo un monumento histórico para la construcción de una playa de estacionamiento. Basura entre todas las basuras, más que perfecta para matizar un cuarto intermedio de una sesión del Senado de la Nación, en la que se debata un alza de tarifas.
“Infatuation”, a pesar de haber sido un hit en 1984 (lo cual demuestra el gusto del público consumista medio de la época), revela una infamia única, llegando a realzar la figura de este Satanás sensiblero a niveles más allá de todo raciocinio. Esta canción no es ni más ni menos que un calco de “Passion”, sólo que con la letra rescrita para la ocasión.
Otras porquerías que encajan bien en este esquema malogrado son “Heart is on the line” y “Trouble”, por su pérfida intención de querer parecer ‘cool’ todo el tiempo, mas todo lo antes descrito se ve inocente y exangüe si lo comparamos con el tema que da nombre a esta asquerosidad: el desatinado “Camouflage”, una oda al peor ‘breakdance’ de la Tierra; o el viejo cover del grupo Free (me refiero a “All right now”) que Stewart transformó en una ridiculez ‘disco’ digna del Tony Manero más inmaduro y despistado.
Lo único rescatable de esta agonía sonora es algún que otro momento de “Some guys have all the luck”, por tener al menos UNA melodía con gancho, pero no así la canción entera, pletórica de sobreproducción, máquinas de ritmo esquizofrénicas y ferósticos sintetizadores para una veloz omisión. El otro aspecto de interés es el plácido solo acústico de Jeff Beck en “Can we still be friends”, favor que Rod le devolvería al guitarrista participando al año siguiente en “Flash”, el peor álbum de Jeff, que en breve estará en este espacio.
Así es “Camouflage”, y mi necesaria advertencia ante cualquier desprevenida escucha de esta barbarie: POR CADA MINUTO QUE USTEDES SE EXPONGAN A ESTA DESGRACIA, TENDRÁN UN AÑO MENOS DE VIDA.
¡Vamos, señores! A no dejarse engañar más por los que hablan maravillas de este “showman” pachucho. No hay manera de compartir un pedazo de césped con gente que asiste a un show de este sujeto. Gente que en su gran mayoría no ha estado nunca a menos de 400 metros de un ‘joint’ encendido. Esto no es rock, ni pop, ni nada parecido. Esto es la panacea de la alta gerencia, del imperio del dinero fácil, de la diversión para adultos retrógrados y del pantuflismo más agravado y careta.
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Aviso: Este disco ha dado la vuelta al mundo varias veces. Si cae en sus manos, hagan veinte copias para repartirlas entre sus peores enemigos. Una mujer de Connecticut lo recibió, hizo las copias y al mes siguiente ganó la lotería. Pero hubo un individuo de Temperley que no hizo ninguna copia y se quedó con el original. A la semana posterior, recibió un ‘grandes éxitos’ de Bryan Adams.

La vida es muy corta como para desperdiciarla viendo este clip nocivo, en el que Stewart hace de triste mirón pretendidamente perverso, sin otro cometido más que su eterna exposición.

Sólo cabe una última pregunta para hacerle al artista: "Do ya think I'm stupid?"

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "Foolish behaviour" (1980), "Tonight I’m yours" (1981), "Body wishes" (1983), "Every bit of my heart" (1986), "Out of order" (1988), "Vagabond heart" (1991), "Human" (2001), "The great american songbook Vol. I-V" (2002-2009), "Still the same... Great rock classics of our time" (2006) ó "Soulbook" (2009).
ANTIDOTO: "Every picture tells a story" (1971).

MEGADETH - Risk

2008-09-25T19:34:00.015-03:00

El navío hacía meses que había dejado atrás puerto seguro. En derredor sólo se divisaba el océano ardiente y quieto, que se extendía como una piel rígida, sobre la cual, se deslizaba impávido lo poco que quedaba del otrora triunfante acorazado Megadeth. El color plomizo exánime y la línea tensa del horizonte agobiaban. Ningún contraste, ningún suceso. Al día sucedía la noche, al sol las estrellas, siempre iguales, como testimonios de que la tripulación permanecía en el mismo lugar y terminaría pronto descomponiéndose en el tedio y la desesperanza.

El almirante Dave Mustaine y el comandante David Ellefson, acodados en cubierta, rememoraban las viejas hazañas de su navío y los lauros obtenidos en célebres batallas como las de “Peace sells... but who's buying?”, “Rust in peace” y “Countdown to extinction”. Nada de eso podía disiparles el dolor y la frustración que provenían de la aplastante derrota de “Risk”, sufrida en 1999. Y encima la inmovilidad que sumía a todo el plantel en la agonía.

Crecían los rumores de un motín, pues la marinería estaba devastada, y los alimentos y la energía parecían haberse esfumado hacía rato. El panorama era funesto, dando lugar al peor pronóstico: el fin de la misión, pues la fiebre ya causaba estragos.

El capitán de corbeta Marty Friedman y el teniente de fragata Nick Menza, chivos expiatorios del infortunio, eran degradados y obligados a “caminar la tabla”. ¡Como si eso hubiese podido solucionar el conflicto! A continuación, se nombraban a sus sucesores en el mando: los guardiamarinas Jimmy DeGrasso y Al Pitrelli, éste último, veterano de varias batallas junto a otro gran comandante: Alice Cooper.

¿Por qué razón había acontecido semejante descalabro, luego de un ciclo ininterrumpido de victorias? La explicación tuvo que ver con la música, aunque parezca insólito.

En las semanas previas al desastre, el almirante Mustaine había ordenado que se entonen nuevos cánticos para incentivar a la dotación. Pero al no tratarse de aquellas melodías ‘thrash’ que históricamente estaban vinculados al sentir de sus hombres, la tripulación se sentía desconcertada. Las flamantes coplas no surtían el menor efecto entre ellos. Ningún marinero entendía esas desviaciones musicales de Mustaine, con influencias ‘dance’, ‘tecno’ y ‘disco’, y por nada del mundo deseaban evocar letras tan poco imaginativas, por lo que comenzaron a descreer de su autoridad y, sobre todo, de la capacidad del oficial de máquinas Dann Huff. Al parecer, éste tuvo algo que ver con el enmohecimiento de las pocas galletas que quedaban, carcomidas por las ratas. El alimento rancio había atentado, más que nada, contra el sentido común del máximo jefe del buque. Esto llevó a una desazón colectiva tal, que nada costó al enemigo someter al Megadeth en pocas horas, sumiéndolo en la más vergonzosa capitulación jamás experimentada en la historia de la Armada.

Bud Prager, segundo al mando y co-autor, junto con Mustaine, de cinco de las doce canciones marineras, se hizo responsable por la catástrofe, e instó al almirante a reconsiderar su actitud. Toda la marina californiana y la opinión pública mundial condenaban al Megadeth, clamando justicia por la derrota de “Risk”, con la probabilidad de que Mustaine, Ellefson y Prager fueran sometidos a una corte marcial. Con el transcurrir de los días, fastidios inimaginables como “Crush ‘em”, “Breadline” y “Ecstasy” fueron aborrecidos y apartados del repertorio, dejándose de cantar, aunque esto significara insubordinación. No así, un par de cantilenas, como “Prince of darkness” y “The doctor is calling”, que eran apenas más toleradas. El almirante, empecinado en imponer los odiados sonsonetes, llegó a flagelar a varios rebeldes.

Finalmente, el inevitable motín se produjo. Una rápida escaramuza redujo al plantel de oficiales y el pobre Prager fue colgado del palo mayor. Al almirante le fue perdonada la vida, dado su prestigio del pasado, pero fue amordazado y recluido en su camarote, a fin de hacerlo entrar en razones.

Y ocurrió el milagro tan esperado. El viento comenzó a soplar nuevamente, trayendo consigo un considerable bálsamo para las laceradas almas de abordo. Días más tarde, Mustaine fue liberado con la promesa de olvidar lo ocurrido y, sobre todo, de no volver a componer más tonadas hediondas, retornando definitivamente a su estilo clásico. Más tarde avistaron la cañonera Sanctuary Records, que proveyó todos los víveres necesarios para satisfacer las famélicas bocas y los elementos vitales para reparar las averías. La expedición continuó, y con el transcurrir de los meses, los éxitos regresaron.

Y colorín "colorado", esta farsa ha encallado.

Epílogo: Hoy en día, el Megadeth continúa surcando los siete mares, orgulloso y altivo, pero ni Mustaine ni sus hombres pueden soportar la sola mención de lo ocurrido en “Risk”. Los marinos son muy supersticiosos y el ‘riesgo’ de volver a fracasar es demasiado grande.

Por las dudas, si tenés este disco, jamás te subas a un barco con él.
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En este video de "Insomnia", el pobre gato se queda sin el ratón y sin el queso. Como Dave Mustaine, que por culpa de "Risk", se quedó sin la guita y sin el prestigio.

OTROS EJEMPLARES DEL MISMO TENOR: "The world needs a hero" (2001) ó "Unplugged in Philly" (2005).
ANTIDOTO: "Rust in peace" (1990).